EL JUEGO DEL CALAMAR. UNA METÁFORA HÁBIL DE NUESTRO CAPITALISMO ENFERMIZO

EL JUEGO DEL CALAMAR de Hwang Dong-hyuk - 2021 - ("Squid Game")

Tras ver "El juego del calamar" e informarme sobre la serie y su equipo, descubro que su director, Hwang Dong-hyuk, es un afamado realizador de Corea del Sur que tiene una muy interesante filmografía a sus espaldas. No he visto nada de él pero aquí queda esta filmografía para buscármela en cuanto pueda.

Él fue el autor, también, del guión de esta serie, que tiene una historia que da mucha luz sobre su objetivo: Hwang Dong-hyuk lo pasó mal durante la crisis económica de 2008 a 2014; tanto que, según he leído, vivía en aquel tiempo con su madre y con su abuela y que los tres tuvieron que pedir préstamos para poder salir adelante.

"El juego del calamar" surge de su experiencia traumática durante esta crisis y de la inspiración de mangas y novelas como "Battle Royale" o "Los Juegos del Hambre". 

Él mismo declaró lo siguiente: "Yo quería escribir una historia que fuera una alegoría o fábula sobre la sociedad capitalista moderna, algo que muestre una competencia extrema, algo así como la competencia extrema de la vida. Pero yo quería usar el tipo de personajes que he conocido en la vida real".

De la misma manera, también expresó que quería conseguir, a la vez, un argumento que fuera "extremadamente difícil de entender y bizarro al mismo tiempo".

Hawng Dong-hyuk pasó diez años tratando de vender este guión a productoras, cadenas y grupos de actores, y no lo consiguió hasta que en 2018 la división de Netflix de su país se fijó en él (que en esos diez años ya había dirigido previamente, también, varias películas famosas).

"El Juego del Calamar" me parece una serie que ha cumplido bien el objetivo de su creador, aunque creo que, como le pasa a otras tantas, flaquea en su final. Su último capítulo es el único que me parece flojo, no obstante.

La idea la hemos visto ya en mencionados productos como "Battle Royale" o "Los Juegos del Hambre", pero sí que esta serie innova en algunas cosas que no puedo revelar para quién todavía no la haya visto (el tipo de pruebas y su disposición, sus reglas...) que consiguen que su juego sea una metáfora lúcida y precisa de muchos aspectos de la vida ultracapitalista de nuestros días.

En "El Juego del Calamar" hay muchas alegorías inteligentes y hábiles sobre esa cultura enfermiza y competitiva en la que tantas personas viven: unas porque la creen justa y la abrazan incluso con gusto; otras, porque no les queda otra que aceptarla debido a su pobreza (y aquí están las lecturas más interesantes).

Aunque pueda parecerlo, la serie de Hawng Dong-hyuk no es un espectáculo descerebrado de sangre y muerte. Tiene sangre y muerte, desde luego, pero lo que hay detrás de todo ello puede resultar mucho más aterrador y conecta mucho más con el estado de las cosas en este capitalismo brutal y sin sentido en el que estamos inmersos.

Sus personajes, espléndidamente desarrollados e interpretados, son una variada muestra tanto de seres aplastados por un sistema injusto (y también por sus propios errores, egoísmos y corruptelas: la serie no es maniquea) como de comportamientos a la hora de enfrentarse al mundo de la competencia. 

Las pruebas que tienen que pasar son también, bastantes de ellas, símbolos de pruebas (valga la redundancia), de dilemas y también de actitudes que encontramos en nuestro día a día en todo tipo de situaciones, puestos de trabajo o interacciones con otras personas.

"El Juego del Calamar" está llevada por Dong-hyuk con ritmo y equilibrando perfectamente el drama con la acción de las mencionabas pruebas, que ponen todas ellas los pelos de punta. Contiene momentos e imágenes extremadamente potentes que se quedan en la retina y también tiene una personalidad visual muy marcada y reconocible.

Le falla, como he dicho, su desenlace. Deja muchas cosas abiertas (imagino que para una segunda temporada que estoy seguro de que llegará) y tiene muchos fallos bastante gordos (en especial, en lo referido a la organización del evento y a su secreto, que llega a ser muy, muy poco creíble). 

Igualmente, creo que en muchos aspectos se desliza todo en un estilo de folletín que pienso que no viene a cuento y que acaba con bastante de la credibilidad que la serie tiene en sus primeros episodios.

No obstante, "El Juego del Calamar" es recomendable, es hábil en su representación del estado de las cosas en nuestro capitalismo desmedido y absolutamente inhumano y es un retrato más que excelente de cómo las personas, cuando estamos al borde del abismo, podemos sacar lo peor (y a veces lo mejor) de nosotras mismas. Recomendable.

LAS AVENTURAS DE HOLS, PRÍNCIPE DEL SOL. EL DEBUT DE ISAO TAKAHATA

LAS AVENTURAS DE HOLS, PRÍNCIPE DEL SOL de Isao Takahata - 1968 - ("Taiyou no Ouji Horusu no Daibouken")

Mucho menos conocido, sobre todo en occidente, que su gran amigo Hayao Miyazai, Isao Takahata es el otro gran fundador del Estudio Ghibli y es un autor tan completo y personal como lo es el de "Mi vecino Totoro", creador de obras imprescindibles y menos famosas aquí como "La tumba de las luciérnagas", "Recuerdos del ayer" o "Pompoko" que cada vez, por suerte, está siendo más reconocido (por desgracia, falleció recientemente, en 2018, a los 82 años). 

Takahata debutó mucho antes de fundar con Miyazaki en 1985 el estudio que les haría famosos en 1968 para la Toei Animation con "Las aventuras de Hols, Príncipe del Sol", una excelente película de aventuras que combinaba perfectamente el mensaje para los más pequeños y el mensaje para los adultos, la que iba a ser una de las grandes constantes de las obras posteriores tanto de él como del mencionado Miyazaki, que también trabajó ya en el filme como animador. 

La cinta, ambientada en un mundo fantástico emparentado con el de los vikingos, sigue las clásicas peripecias de un héroe niño que alcanza la madurez y que se enfrenta a sus miedos y los supera. 

Asuntos como la superación, valga la redundancia, la amistad, el amor, el compromiso, la venganza, la redención, la valentía o la humanidad son los centrales, y están expuestos con lucidez y sin dar lecciones baratas.

La animación del filme es en todos los aspectos una delicia (y más teniendo en cuenta que nos encontramos en 1968 y que no estamos hablando de un estudio como por ejemplo el de Walt Disney, con todo lo que necesita y más siempre a su disposición), mientras que los escenarios tienen un poder evocador inmenso. 

Las escenas de acción son igualmente auténticas joyas: ya el inicio, con Hols sacando la espada del fabuloso gigante de piedra, anticipa todo un espectáculo impresionante de imaginación insuperable. 

"Las aventuras de Hols, príncipe del Sol", abre una de las más grandes carreras de la animación japonesa de todos los tiempos. Bueno, dos grandes carreras en realidad.

DINOSAURIO. LA PRIMERA PELÍCULA DE WALT DISNEY HECHA ENTERAMENTE EN 3D

DINOSAURIO de Eric Leighton y Ralph Zondag - 2000 - ("Dinosaur")

"Dinosaurio", una película atípica para los estudios de Walt Disney en el momento de su estreno, fue la primera que la compañía realizó completamente animada por ordenador. Pixar estaba subiendo con su estilo único a la cresta de la ola en aquellos años y Disney no podía ser menos, y en lo que es calidad técnica se puso entonces toda la carne en el asador. 

Tanto que "Dinosaurio" sigue todavía hoy sorprendiendo visualmente. El diseño de los dinosaurios, valga la redundancia, es genial aún, y especialmente los paisajes y su interacción con ellos es una joya que no ha perdido esplendor. 

A nivel argumental falla algo, pienso, eso sí. No porque tenga una trama mala, en absoluto, sino porque es en general bastante predecible y, esto es algo inevitable de decir, la sombra de una película tan mítica como "En busca del valle encantado" de Don Bluth es muy alargada. 

Y es que "Dinosaurio" recuerda mucho, demasiado, a esta obra clásica de la animación de los años ochenta: el conflicto es el mismo, el ambiente es el mismo, los villanos son casi iguales (y son los únicos que no hablan) y el mensaje es el mismo, un mensaje de unión ante la adversidad, de fraternidad y antiracista con toques de autosuperación y perdón. 

No está tampoco mal expuesto y no es demagógico en lo que a apologías del Sueño Americano se refiere (menos mal), pero es bastante esperable. 

Curiosamente, es ésta una película de Walt Disney sin números musicales y sin canciones: creo que esto es acertado, porque trata de dar un toque más adulto y estarían completamente fuera de lugar. 

En conjunto, el filme es entretenido (y muy corto por cierto, especialmente para su momento e incluso en comparación con otros filmes de Disney: apenas dura una hora y diez minutos), y tiene momentos verdaderamente geniales en lo que a lo visual se refiere (en especial el prólogo del huevo es una pequeñita maravilla), pero en comparación con las grandes joyas de la compañía (sin ir más lejos con las más inmediatamente cercanas como "Tarzán", "Mulán", "Hércules" o "El Jorobado de Notre-Damme") resulta sosa, algo impersonal y olvidable. Una rareza en su día de este mítico estudio de animación.

FANTASÍA 2000. UN OLVIDADO HOMENAJE A LA PELÍCULA MUSICAL DE DISNEY DE 1940

FANTASÍA 2000 de varios autores - 1999 - ("Fantasia 2000")

Para conmemorar el sesenta aniversario de "Fantasía", la compañía de Walt Disney creó en el año 1999 "Fantasía 2000", película que, al igual que su antecesora de 1940, fue incluida, a pesar de su condición atípica con respecto a las otras producciones del grupo, en el canon oficial de largometrajes del estudio, en el que ocupó un lugar entre "Tarzán" y "Dinosaurio". 

"Fantasía 2000" es una actualización de "Fantasía" realizada con más medios pero siempre con un pie en el estilo animado clásico que vuelve a mostrar lo que aquella: una serie de segmentos animados, ocho en total, animados, valga la redundancia, con piezas inmortales de la música clásica pero también de la menos clásica en esta ocasión. 

La primera de ellas es la "Sinfonía número 5" de Beethoven colocada en un contexto de guerra de mariposas y murciélagos que representan respectivamente la luz y la oscuridad. Excelente comienzo realizado con un imaginativo y abstracto estilo de patrones. 

La segunda, al ritmo de "Pinos de Roma" de Ottorino Respighi, es una pieza excelente sobre la libertad animal y contra la matanza de ballenas que mezcla esta denuncia ecologista con la mejor fantasía atómica. 

"Rhapsody in blue" es otra de las mejores piezas: un homenaje al dibujante Art Hirschfield en su estilo que retrata el caos de la gran ciudad. 

La cuarta parte de la película, también muy destacada, es una bella adaptación del cuento "El soldadito de plomo" de Hans Christian Andersen con un fondo del "Concierto para piano número 2" de Dimitri Shostakovich. 

La quinta, una de las mejores del grupo, es una delirante batalla de flamencos con música del "Carnaval de los Animales" de Camille Saint-Saens: muy loca, muy cómica y maravillosamente animada. 

La sexta, desde mi punto de vista, sobra un poco, porque, aunque sentido homenaje, vuelve a ser un segmento de "El aprendiz de brujo", la parte más famosa de la "Fantasía" original. Creo que no veía mucho a cuento y que la repetición se podría haber ahorrado.

"Pompa y circunstancia", de Edward Elgar, representa la historia del Arca de Noé protagonizada por el siempre cómico, desastroso y disparatado Pato Donald. Es divertida y está muy bien animada, y aunque en el año 2000 tal vez un episodio bíblico pueda quedar algo fuera de lugar, es una buena pieza. 

Termina "Fantasía 2000" con "El pájaro de fuego" de Igor Stravinski, otro de los grandes segmentos de la colección, un fabuloso canto a la primavera y a la naturaleza con el telón de fondo de la lucha entre la vida y la muerte. 

Algo olvidada y eclipsada (como también es normal por otra parte) por su predecesora, "Fantasía 2000" es una joyita animada del estudio de Walt Disney y un homenaje merecido y bien hecho y que trata siempre de ir más allá del "pasar la gorra" y del vivir de las rentas.

EN UN LUGAR SIN LEY. UN MAGNÍFICO DRAMA RURAL SOBRE LA FATALIDAD EN LOS USA

EN UN LUGAR SIN LEY de David Lowery - 2013 - ("Ain't Them Bodies Saints")

El norteamericano David Lowery se ha movido hasta ahora entre filmes de autor y otros que son puros encargos comerciales. Ha desarrollado, en casi todos ellos sin embargo, una clara personalidad como artista en busca de nuevas formas de narrar y de historias sugerentes. 

Debutó, tras la película de episodios "Deadroom" y numerosos cortometrajes, con el filme "St. Nick", que no he podido encontrar por ninguna parte. Luego, llegó la comentada "En un lugar sin ley", el remake encargo "Peter y el Dragón", la original y muy personal pero no del gusto de todos "A Ghost Story", la excelente "The Old Man and The Gun" y la recién estrenada (y que aún no he podido ver) "El caballero verde".

"En un lugar sin ley" parece completamente, como han apuntado de hecho algunos críticos, un sentido homenaje al cine estadounidense descarnado de los desencantados años setenta, a esos dramas con toques de thriller ambientados en esa eterna Norteamérica profunda y rural llena de individuos que han de llevar, casi por imposición, existencias problemáticas. Incluso se ambienta en esos años. 

David Lowery entrega un drama de amor que no es especialmente original en su premisa, que puede resultar muy vista y trillada, pero que está hecho con un mimo sin par. 

Sus dos protagonistas, unos excelentes Rooney Mara y Casey Affleck, que repetirían con él en "A Ghost Story" por cierto, están maravillosos, entregadísimos, sufrientes, y hermosos en toda su desolación. 

Los secundarios también están muy bien interpretados y tienen muchas aristas. Pocos son buenos o malos del todo, y algunos como el de Ben Foster y el de Keith Carradine no sólo no son nada simples, sino que construyen a la perfección el universo del filme con sus historias complementarias, llenas de dilemas.

David Lowery rueda todo con un lirismo muy bien conseguido, con una acción explosiva excelente y con un sentido de la épica realista muy notable para hablar de esas eternas y siempre emocionantes historias de perdedores que han de vivir, a causa del fatalismo, al borde de la perdición un día tras otro. 

La fotografía de Bradford Young es magnífica, y nos traslada a ese mundo fronterizo entre la ciudad y la naturaleza que es casi un personaje más de la trama. 

Pobreza, falta de oportunidades, redención, violencia atávica, azar, imposibilidad de salir de agujeros vitales. Todos estos asuntos tan americanos están contenidos en "En un lugar sin ley", y todos tratados con lucidez y claridad y por medio además de unos hermosos diálogos. Muy destacada obra de un director que, ciertamente, promete.

LAZOS ARDIENTES. EL DIGNO DEBUT NEGRO DE LAS HERMANAS WACHOWSKI

LAZOS ARDIENTES de Lana y Lilly Wachowski - 1996 - ("Bound")

A pesar de ser una película muy morbosa en su momento para tratarse de una obra comercial, en su día “Lazos ardientes” pasó sin pena ni gloria por las carteleras. 

El debut tras las cámaras de Lana y Lilly Wachowski es una excelente cinta que homenajea al cine negro clásico y que, sin buscar originalidad, juega bien con sus lugares comunes. 

La historia es bien simple: dos jóvenes mujeres, una ladrona que ahora vive de pequeños trabajos y la esposa de un mafioso, establecen un fuerte vínculo sentimental a espaldas de este mismo mafioso, al que planean engañar para robarle un gran botín y huir. 

Estas mujeres están fabulosamente interpretadas por Jennifer Tilly y Gina Gershon, a las que acompaña un también genial Joe Pantoliano en el papel del mencionado mafioso, que borda al clásico criminal machista algo esperpéntico que esconde su mediocridad actuando con desdén y brutalidad. 

Frente a él, que representa este machismo, las dos mujeres se presentan como personajes contrapuestos al suyo: maduras, inteligentes y seguras de sí mismas y de sus sentimientos.

En su carrera para escapar del mundo de la mafia con el dinero suficiente, comienzan un juego de trucos y mentiras con este hombre que cree dominarlas, un juego que, a pesar de todo, se les escapa de las manos.

La película se desarrolla prácticamente en una casa sumida en sombras, fría y opresiva. Los personajes, como tantos de los Wachowski, visten con ropas oscuras y a menudo usan el cuero. 

Las escenas sexuales entre las dos mujeres protagonistas están rodadas haciendo un gran uso de la sugerencia para desatar el morbo, y se van moviendo entre la tensión y la ternura. Fueron estas escenas bastante famosas en su momento, a pesar de que finalmente la película no fuera un gran éxito. 

La carga de violencia del filme es muy elevada, destacando el mencionado baño de sangre final con un Joe Pantoliano realmente patético en su histeria que tal vez rinda un homenaje a protagonistas de clásicos como “Scarface” o “Al rojo vivo”. 

“Lazos ardientes” no innova nada, pero tampoco lo busca. Es un filme negro que utiliza los tópicos de su género sin ningún prejuicio para actualizarlos y ofrecer un gran rato de disfrute. Las hermanas Wachowski alcanzarían la fama tres años después de esta película con su fulminante “Matrix”.

BARTON FINK. UNA OBRA MAESTRA SOBRE LA AUTENTICIDAD DEL ARTE Y DEL ARTISTA

BARTON FINK de Joel e Ethan Coen - 1991 - ("Barton Fink") 

Inspirada en el miedo a la "página en blanco", al bloqueo creativo que los propios hermanos Coen padecieron mientras escribían la genial "Muerte entre las flores", "Barton Fink" es su primera gran obra maestra redonda y una de sus películas más personales, extrañas e inclasificables. 

Un absolutamente inolvidable John Turturro da vida al escritor que da nombre al filme, un intelectual creido de sí mismo y que no escucha a nadie que, tras triunfar en Broadway con una de sus obras de teatro, ha de escribir un guión nada más y nada menos que para Hollywood y, concretamente, para una película de lucha libre de serie B que no le interesa lo más mínimo. 

Fink quiere incluir en sus obras un contenido social, cercano al ciudadano de a pie y que además le defienda. ¿Cómo hacerlo en su nuevo trabajo? El filme sigue los esfuerzos sin frutos del escritor, que, cómo no en un filme de los Coen, termina enredado en una extraña trama de historia negra con asesinato incluido que, sin embargo, llega un momento que parece no ser real. 

Porque "Barton Fink" es un filme cargado de dualidades que se entremezclan sin cesar y en total confusión para dejar que el espectador las juzgue por sí mismo: Broadway y Hollywood, el teatro y el cine, el cine espectáculo y la serie B, el arte social y el peor arte de masas, la joven promesa literaria y la vieja gloria acabada y alcohólica, las ínfulas sociales del artista y la simpleza y afabilidad de su vecino vendedor de seguros y, en última instancia, la verdad y la mentira, la realidad y el sueño o la realidad y lo inventado.

La historia de "Barton Fink", que sigue un cauce lineal en sus inicios, termina dando vueltas sobre la mente de su protagonista y del propio espectador, que ha de decidir por sí mismo lo que realmente está ocurriendo y lo que no y que intuye que el brutal asesinato o la salvación a manos de Charlie (otro inolvidable John Goodman) con el festival pirotécnico del pasillo están sólo en la mente del escritor (y aquí la cinta está directamente emparentada con la también genial y para mi algo infravalorada "El hombre que nunca estuvo allí"). 

Críptica y cargada de simbolismos, la trama descansa con especial fuerza en la metáfora de la foto de la mujer en la playa que se reproduce en la escena final y que ha sido y será mil veces interpretada y reinterpretada. 

Yo me inclino a pensar que esta foto representa la realidad "real" que termina, de alguna manera, filtrándose en la mente de Fink. Pero esto es sólo mi opinión y hay muchísimas más. No en vano, para muchos críticos el cuarto filme de los Coen tiene elementos surrealistas que le emparentan directamente con autores como Luis Buñuel o David Lynch.

"Barton Fink" contiene, además de guiños culturales de toda clase (especialmente a escritores de tradición inglesa o norteamericana -desde William Shakespeare hasta William Faulkner pasando por Clifford Odets o Flannery O'Connor-), una ambientación delirante y opresiva genialmente recreada en la que destaca el interior del hotel en el que se aloja el protagonista, sumido en la penumbra y a punto de desmoronarse entre el calor y la asfixia vital de sus moradores. 

El reparto está además en estado de gracia y representa a la perfección a la Norteamérica de su momento y, sobre todo, a los personajillos que rondan por el Hollywood de la década de los cuarenta del siglo pasado, un Hollywood demasiado parecido al de nuestros días y a cualquier industria cultural que, poseedora del dinero y de los medios técnicos, exige el sacrificio del artista para satisfacer al público poco o nada exigente (la crítica social siempre está presente en el cine de los Coen). 

"Barton Fink" es una película enigma y que sin embargo nunca cansa, una maravilla del cine que nunca dejará de crear debates. ¿Qué piensan que Joel e Ethan quisieron decir en su cuarta obra?

MISA DE MEDIANOCHE. UNA SERIE GENIAL SOBRE LA FE RELIGIOSA Y SUS DEMONIOS

MISA DE MEDIANOCHE de Mike Flanagan - 2021 - ("Midnight Mass")

Mike Flanagan está que no para. Hace poquísimo disfrutábamos de su "La maldición de Bly Manor" y de su excelente adaptación de "Doctor Sueño" y tenemos ahora aquí una de las series que este año están causando más sensación: "Misa de medianoche".

Aviso de algo: no me ha gustado su desenlace. Creo que deja muchas cosas en el tintero y que fuerza otras cuantas de forma bastante torpe. No obstante, a pesar de esto, la serie me ha parecido de sobresaliente para arriba. Rozando la obra maestra (e incluso alcanzándola a pesar de esto).

"Misa de medianoche" es una mini-serie de siete capítulos que pivota sobre un tema que, a mí como ateo, no me inspira prácticamente nada: la fe. Sin embargo, Flanagan (del que desconozco si es religioso o no) lo articula todo desde un punto de vista muy crítico también, y eso la convierte en una obra llena de interés incluso para una persona que no sigue a ninguna religión.

Hay más asuntos, por supuesto. El amor, la muerte, el paso del tiempo, la llegada a la madurez, la redención, las adicciones, los errores del pasado, la culpa, el aislamiento, la pobreza. 

"Misa de medianoche" es una serie compendio. Sí que es cierto que estos otros asuntos están muchos relacionados con el central, pero conservan la suficiente independencia para que resulten completos.

Hay, también, una mirada poliédrica a los hechos que se narran. Estamos en una comunidad minúscula y aislada en una isla de los USA y la mayor parte de esta comunidad, debido a este aislamiento, es religiosa con mayor o con menor intensidad. Sin embargo, tenemos cristianos, tenemos musulmanes, tenemos escépticos y tenemos, directamente, ateos.

"Misa de medianoche" es una serie a la que pienso que hay que enfrentarse sin saber nada de ella. Está llena de sorpresas, y hasta su mitad no es fácil averiguar con claridad qué es lo que está ocurriendo. Sí puedo decir que mezcla a la perfección y sin fisuras el mencionado retrato social y emocional con el terror y la intriga.

Mike Flanagan no esconde sus referencias: hay una cierta aura a lo Stephen King que funciona además como homenaje. También, su último estilo, que ha virado a un intimismo depurado y delicado pero lleno de momentos de potencia, se adueña del relato y lo potencia, valga la redundancia.

Los actores y las actrices, muchos habituales del director, están geniales, y dan vida a un grupo de personajes inolvidable, de toda clase y condición, carismático, que se mete al espectador en el bolsillo desde el primer capítulo y que exhibe unos diálogos absolutamente magistrales.

Sí, me falla el final de la serie, como he dicho. Creo que hay trampas y cierta dejadez. También impresiona, ojo, y es coherente.

"Misa de medianoche" me parece una joyita, una obra genial y magnífica, una serie casi literaria en sus formas, que se toma su tiempo justo para desarrollar lo que necesita desarrollar y que ofrece y da calidad, dilemas, estímulos intelectuales y una visualidad y ambientación excelentes. No se la pierdan. Mike Flanagan es ya un joven clásico de su género predilecto.

ESTUDIO EN ESMERALDA. LA GRAN VUELTA DE TUERCA A SHERLOCK HOLMES DE NEIL GAIMAN

ESTUDIO EN ESMERALDA de Neil Gaiman - 2004 - ("A study in emerald")

ESTUDIO EN ESMERALDA de Neil Gaiman y Rafael Albuquerque - 2021 - ("A study in emerald")

De Sherlock Holmes hay mil versiones, mil historias alternativas, mil pastiches y mil combinaciones con otros personajes. No obstante, las hay buenas, malas, muy buenas y muy malas. Y una de las muy buenas, de las muy, muy buenas incluso, es, pienso, "Estudio en Esmeralda", de Neil Gaiman.

Pocas veces comento en este blog dos obras a la vez: sólo cuando es muy, muy indispensable. "Estudio en Esmeralda" es un relato del mencionado Gaiman que fue publicado en el año 2004 y que está disponible en antologías como "Sombras sobre Baker Street" u "Objetos frágiles" (ésta en castellano).

Hoy estoy ante una reseña que me va a salir bien corta. Y lo digo porque es imposible hablar de este relato (y de su cómic) sin soltar o sin tener un altísimo (altísimo, altísimo) riesgo de hacer "spoilers".

¿Qué voy a hacer, pues? Voy a recomendar ambas cosas, cuento y adaptación a las viñetas, y voy a decir que, como ya su nombre indica, el universo de Sherlock Holmes está de por medio. Nada más. Fin. 

"Estudio en Esmeralda" es una joyita en sus dos formatos. Juega con el mencionado mundo del detective más famoso del mundo, valga la redundancia, y con su ambiente, y le da una vuelta de tuerca absolutamente espectacular en la que tienen cabida otros homenajes (de los cuales no voy a decir nada -y no los voy ni siquiera a incluir en la etiqueta del blog-).

El relato está narrado a la manera de los relatos de Doyle. Gaiman consigue a la perfección captar su escritura precisa, descriptiva, detallada y elegante. Es un maestro de la pluma, y aquí, que tiene que atrapar la esencia de otro autor, lo demuestra sobradamente (y lo clava).

El cómic está dibujado por Rafael Albuquerque, un maestro de los lápices que en un estilo claro y detallista, muy personal, lleva a las viñetas el mundo que delinea Gaiman... Sin que cante en ningún momento su sorpresa. Es algo digno de elogio: de elogio y de verdaderos aplausos. 

Pienso que otro autor no lo habría conseguido y habría metido la pata, y él conserva sin un sólo resbalón toda la capacidad de sorpresa que tiene el cuento en el que se basa.

Aquí termina mi reseña de hoy. Sólo voy a repetir: lean "Estudio en Esmeralda". En sus dos vertientes si pueden. Es una maravilla de la imaginación, de la inventiva, del homenaje sentido y respetuoso y tiene un desenlace de infarto. Magistral relato, magistral cómic.

MARY AND MAX. UNA PELÍCULA CURATIVA SOBRE LA DIFERENCIA Y LA AMISTAD

MARY AND MAX de Adam Elliot - 2009 - ("Mary and Max")

Adam Elliot es un director australiano de animación que ha empleado hasta ahora básicamente el estilo en "stop-motion". Ha realizado varios cortos y en 2003 se llevó un Oscar por "Harvey Krumpet", uno de ellos. Su única película larga hasta la fecha es "Mary and Max". Otros cortometrajes suyos son la trilogía compuesta por "Uncle", "Cousin" y "Brother" y "Ernie Biscuit".

Adam Elliot padece desde su infancia una enfermedad fisiológica que le causa temblores. En su corta filmografía se puede apreciar el peso de esta enfermedad, pues retrató el Síndrome de Tourette en "Harvey Krumpet" y en ésta "Mary and Max", su primer y hasta ahora único largometraje, hizo lo propio con el Síndrome de Asperger. 

Esta maravillosa película tardó cinco años en completarse y está basada en un hecho real, la propia relación que durante veinte años mantuvo Elliot con un amigo de Nueva York, con el que se carteaba viviendo él en Australia. 

Así, el filme narra la historia de amistad de una niña con un hogar con problemas y a la que nadie hace caso con un hombre de mediana edad, obeso y solitario, que no tiene a nadie en la vida. Entre ellos, surge algo especial, algo especial que sin embargo no se librará de enfrentarse a numerosos problemas, como cualquier relación de cualquier tipo. 

"Mary and Max" trata, esencialmente, el tema de la amistad. Sin embargo, se extiende a otros con lógica y coherencia que pivotan alrededor de éste y también de la soledad, la antagonista de la amistad. Los dos protagonistas son seres solitarios y rechazados, bichos raros en una sociedad demasiado igual, que no tolera al diferente y que lo margina. 

Curiosamente, ambos tienen adicciones: uno a la comida y la otra al alcohol. La adicción aparece tratada como un signo clave de los tiempos actuales, en los que las personas frustradas o insatisfechas se refugian en estímulos placenteros de los que abusar para poder huir. 

También, por supuesto, el mencionado Síndrome de Asperger es básico en la obra: relativamente "nuevo" (o por lo menos es ahora cuando se le está prestando atención) condena a los que lo padecen a una vida de incomprensión y problemas hasta para valerse por sí mismos. 

Mary pregunta en sus cartas a Max por la vida, por consejos para superar sus sinsabores, y Max no sabe desenvolverse siquiera en esta vida. 

"Mary and Max" es una película curativa. Habla de los problemas en relaciones estrechas con sinceridad y sin manipulaciones, y retrata a ambos personajes con sus méritos y defectos. Es dolorosa, pero sanadora. Y la animación, los decorados, el uso del color según cada escenario... Todo es magnífico, con un aroma clásico que se echa mucho de menos. 

Y, además, están ahí las voces de Phillip Seymour Hoffman (se le echa de menos también, vaya que sí) y de Tony Collette, y otras como las de Eric Bana o el comediante australiano Barry Humphries. "Mary and Max", multipremiada, y con razón, es una película algo desconocida que creo que nadie debería perderse.