DEVS. UNA SERIE GENIAL LLENA DE SORPRESAS Y DILEMAS QUE TE VOLARÁ LA CABEZA

DEVS de Alex Garland - 2020 - ("Devs")

Aunque no me ha parecido suficiente su último episodio, "Devs" me ha resultado una de las mejores series de lo que llevamos de esta década y un auténtico "volador de cabezas" que mezcla perfectamente varios temas de total actualidad tanto metafísicos como filosóficos y sociales.

¿Cómo afrontar un crítica de una serie de este tipo sin hacer spoilers? Creo que hablando lo mínimo de ella. Decir solamente de qué va "Devs" podría significar el destrozar por completo su experiencia, y su experiencia merece la pena vivirla.

Alex Garland, en general, me parece uno de los creadores más interesantes del cine de los últimos años (solamente me resulta fallida de sus obras "Men"), y aquí destapa sus mejores esencias para regalarnos un drama sobre la tecnología más punta y desbocada que funciona a varios niveles narrativos y temáticos.

Narrativos tenemos el mencionado drama, pero también el thriller: hay una intriga oscura y genial alrededor de su trama, que está llena de sorpresas, que despliega unos elementos del todo inesperados y llenos de originalidad y que sabe ponernos con los pelos de punta con su mera exposición de un contexto deshumanizado y lleno de ambigüedades que representa perfectamente nuestra época de revolución tecnológica.

Temáticos tenemos también varios: es por una parte un retrato brutal y muy irónico de nuestro mencionado mundo actual, en el que nos hemos convertido en prácticamente esclavos de la mencionada tecnología y de las redes sociales, que nos han traído avances y comodidades impensables hace siglos pero que también han complicado nuestra vida por haber sido usados para la avaricia y la rapiña.

Por la otra, tenemos una reflexión filosófica sobre el tiempo y la realidad y sus diferentes teorías y hipótesis, sobre la historia y cómo la vivimos y estudiamos y sobre el determinismo y el libre albedrío, sobre si estamos o no condenados a un futuro que no podemos cambiar (la humanidad lleva dándole vueltas a este asunto desde los tiempos de "Edipo Rey" de Sófocles y desde seguramente antes).

Los personajes de "Devs", interpretados con una entrega que estremece (especialmente me quedo con Sonoya Mizuno y Nick Offerman, pero están todos los intérpretes espectaculares), están desarrollados milimétricamente para ofrecer las montones de caras de los conflictos que la serie plantea, y todos son humanísimos, creíbles, ambiguos y reconocibles. 

Finalmente, la ambientación es realista y aséptica, la ideal para el mundo en el que se mueven dichos personajes, el de los programadores molones de ese neoliberalismo molón que da verdadero miedo con sus empresas que parecen guarderías y su futurismo light y fotocopiado.

Me falla, como el dicho, el último episodio: creo que se deja montones de cuestiones abiertas (de las que hablaré en el espacio para spoilers), varias tramas sin cerrar y varios personajes abandonados en pos de una solución bastante simple para todo lo que se ha planteado. Una verdadera pena, aunque eso no lastra a pesar de todo una serie que es una delicia.

-ESPACIO PARA SPOILERS: Creo que el final de "Devs" se va a por lo más fácil de la forma más fácil: echa manos de las trampas que permite todo multiverso y toda tecnología futura para sacarse un mundo ideal de la manga y cerrar deprisa y corriendo a los personajes principales (mientras, varios secundarios se han quedado en el camino de bastante mala manera, como Lyndon o Kenton, pienso, y otros como Jen directamente desaparecen). Por otra parte, todo el thriller de espionaje queda cortado de un tajo y las miles de posibilidades de los "viajes en el tiempo" quedan sin explotar en absoluto. Una pena, porque podría haber sido todo totalmente redondo.

ANTIVIRAL. EL SUGERENTE E INTERESANTE DEBUT DE BRANDON CRONENBERG

ANTIVIRAL de Brandon Cronenberg - 2012 - ("Antiviral")

"Antiviral", la primera película larga de Brandon Cronenberg, hijo de David Cronenberg, me ha parecido, a pesar de no ser perfecta, una película muy interesante y que plantea asuntos verdaderamente sugestivos, incómodos y que no dejan indiferente.

Muy deudor (por lo menos en este filme) del estilo de su padre (lo digo sin desprecio: cada artista tiene las referencias que le gustan), Brandon Cronenberg propone en "Antiviral" un futuro cercano en el que está de moda inyectarse enfermedades de famosos en clínicas que cumplen estos servicios. Sí, la estupidez humana por la moda llevada al extremo. 

En este ambiente, un trabajador de uno de estos centros (muy bien interpretado por un absolutamente demacrado y sufriente Caleb Landry Jones) se ve envuelto en una conspiración empresarial que sirve al director para elaborar un thriller que pone en la picota al capitalismo más desaforado por medio de la crítica salvaje a la mencionada industria de la moda, que lleva aquí a la población a unos niveles de imbecilidad absolutamente delirantes.

En un ambiente aséptico, frío, crudo en su propia fotografía, en los diálogos escuetos y cortantes y en las actuaciones de los intérpretes (muy heredero todo también del primer David Cronenberg), Brandon Cronenberg va desgajado una intriga que coincide con la caída a los infiernos del protagonista, que experimenta en su propio cuerpo y en propia mente la degradación símbolo de su tiempo (hay mucho del concepto de la "nueva carne" y del "body horror" en ella).

Por medio de las mencionadas intrigas y de la destrucción enfermiza del carácter principal, el director nos muestra además con mucha habilidad el mundo de corte distópico en el que todo se mueve, un mundo lleno de detalles que van configurando un "lore" que no se parece a nada (o a casi nada por lo menos) de lo que conocemos.

"Antiviral" no es perfecta porque, pienso, pierde mucho el ritmo en su parte final, en la que se vuelve también algo confusa y espesa. Igualmente creo que le sobra algo de metraje para lo que cuenta y que a veces le falta más precisión. 

No obstante, es como he dicho un filme sugerente, que erupciona en la conciencia y que plantea un escenario tan original como, a pesar de su delirio, creíble (en nuestra época de la locura de las redes sociales, más). Muy recomendable debut e inicio de una carrera prometedora. Veré estos meses las otras dos películas de su director hasta la fecha.

LA TUMBA DE LAS LUCIÉRNAGAS. EL BRUTAL RETRATO ANTIBELICISTA DE ISAO TAKAHATA

LA TUMBA DE LAS LUCIÉRNAGAS de Isao Takahata - 1988 - ("Hotaru no Haka")

Aunque parezca mentira, todavía, en pleno año 2024, hay patanes que piensan que la animación (o que el cómic) son para niños. Sí, es increíble pero cierto. A estos patanes les pondría muchas películas. Les pondría "Persépolis" (o les daría a leer el cómic). Les pondría "Vals con Bashir". O les pondría "Akira", o "American Pop" o "Porco Rosso". Pero sobre todo, les pondría "La tumba de las luciérnagas". 

Pocas películas hay en la historia del cine de la animación tan duras, tan crueles, tan brutales como ésta, la primera gran obra maestra indiscutible de Isao Takahata y la primera que realizó en el seno del Estudio Ghibli. 

Basada en la obra homónima de Akiyuki Nosaka, la película narra la historia de cómo la guerra (la Segunda Guerra Mundial concretamente, pero se aplica a cualquier guerra) destroza la vida de las personas y, concretamente, de los niños. 

Los protagonistas son un adolescente y su hermana pequeña que se ven obligados a vivir toda clase de privaciones y, además, a aceptar una realidad inmisericorde: en una sociedad como la japonesa, donde el individuo tradicionalmente ha sido durante siglos menos importante que el conjunto de la sociedad o que la nación, las personas están supeditadas a un supuesto bien común que termina pudriéndose y transformándose en otro sucedáneo más de la ley de la selva. 

El ojo con el que se mira el pasado reciente de Japón, otro país que como la Alemania nazi se volvió presa de la locura colectiva durante aquellos terribles años cuarenta del siglo XX y se metió en aquella horrible guerra genocida, no hace ninguna concesión; la mentalidad colectivista y el patriotismo enfermizo son puestos a parir y el fanatismo bélico y la idea de superioridad racial igualmente.

"La tumba de las luciérnagas" es una crónica de la insolidaridad además. El individuo queda tan reducido a la nada que cuando vienen tiempos difíciles la sociedad lo expulsa de ella por haber dejado de ser útil. No son tan diferentes oriente y occidente, aunque uno sea más colectivista y otro más individualista supuestamente. 

El mensaje del filme es radicalmente antibelicista y sus escenas de penurias, cargadas sin embargo de un lirismo precioso, romperán el corazón del espectador. Pocas películas hay tan duras, tan crudas y tan tristes como ésta. Pero pocas hay también tan críticas y tan necesarias. 

Sobra decir que la animación es una gozada. ¿Tienen por ahí a familiares o a amigos pesados que se creen muy sabios y que les dicen insistentemente que el cine de animación es para niños? Pónganle esta película y déjenles con un palmo de narices.

LA SUSTANCIA. UNA AUTÉNTICA LOCURA SOBRE EL EDADISMO QUE NO TE DEJARÁ INDIFERENTE

LA SUSTANCIA de Coralie Fargeat - 2024 - ("The substance")

Con "La sustancia" ha nacido un clásico. Así de claro lo digo. Un clásico del terror, del body horror y hasta de la distopía. Porque Coralie Fargeat se ha marcado una película que no se parece a nada de lo que hemos visto en los últimos años y que además viene con una salvajemente certera parábola social de plenísima actualidad.

No voy a decir nada de la trama de "La sustancia": pienso que hay que verla sabiendo lo mínimo de ella. Lo mínimo. Porque el shock va a ser gordo. Sí voy a comentar que elabora un genial drama negro, negrísimo, sobre la cultura de la obsesión por la juventud que no deja títere con cabeza.

Esta juventud, perseguida por todo el mundo, codiciada por encima incluso del dinero o del poder, aparece retratada por la directora como un bien que autofagocita a las personas en una sociedad profundamente edadista y que en especial se ceba en este edadismo con las mujeres y, muy enconadamente, con aquellas que han de vivir de su físico (actrices, modelos, conductoras de programas de televisión -los medios aparecen además retratados como la peor basura en este sentido-).

Dos actrices son las protagonistas: Demi Moore y Margaret Qualley. Ambas están espectaculares: sus papeles duelen, pero de verdad. Ambas son mujeres perdidas en este mundo repulsivo del culto al físico y a la juventud más extrema, de puro clasismo basado en la simple edad.

Alrededor, una trama llena de ironías, con diálogos inteligentes, con giros del todo inesperados, preñada de imaginación distópica, con secundarios inolvidables como el de Dennis Quaid y rodada con planos muy cerrados y conscientemente asquerosos, en un ambiente tan cool como aséptico y opresivo y con montones de escenas que se quedan en la retina para siempre.

Sólo le pongo un pero a "La sustancia": creo que se alarga demasiado. Perfectamente le quitaría diez minutos, especialmente cerca del final, donde creo que marea mucho la perdiz. Eso no lastra una de las obras más impactantes que he visto en tiempo. Una auténtica locura. Buscaré "Revenge", la primera película de Coralie Fargeat, y seguiré su carrera, vaya que sí.

EL MISTERIO DE SALEM'S LOT. UNA ADAPTACIÓN FLOJA Y DESCAFEINADA DE STEPHEN KING

EL MISTERIO DE SALEM'S LOT de Gary Dauberman - 2024 - ("Salem's Lot")

"El misterio de Salem's Lot" es una novela de Stephen King que, situada entre dos pesos pesados de su obra como "Carrie" y "El resplandor", ha quedado, pienso, algo olvidada. Eso posiblemente haya repercutido también en sus adaptaciones para la pantalla, que han sido también en general menos conocidas que otras como las de las novelas mencionadas o las de "It".

"El misterio de Salem's Lot" de Gary Dauberman viene tras dos miniseries, la de Tobe Hooper de 1979 y la de Mikael Salomon de 2004, y, la verdad, me ha parecido en general bastante floja.

La película, recién estrenada, adapta la novela y la deja en su 1975 original (los móviles que tenemos todo el mundo hoy en día habrían interferido bastante, pienso, en su trama) y cuida mucho su ambientación (la fotografía es excelente y el pueblo que da nombre al filme está perfectamente recreado) pero descuida bastante todo lo demás.

Los personajes no están desarrollados (prácticamente nada demasiados de ellos, incluido el propio protagonista) y los actores no están muy inspirados (a veces parecen directamente desganados). Como consecuencia de ello, todos los caracteres del filme te importan un pito, incluso en las escenas dramáticas: te da exactamente igual quien muera o quien sobreviva. 

Para colmo, la trama es lineal y seca hasta en las propias sorpresas que guarda, y debido a eso caemos en lo peor que puede caer una película de terror: en no dar miedo. Y eso que el villano, en su homenaje esperable, tiene un diseño efectivo. Pero ni con esas.

Las escenas de acción no ayudan tampoco, porque no tienen potencia, y los efectos especiales son bastante cutres y dan el cantazo para lo que hoy en día se puede hacer (el filtro del combate final es terrible especialmente).

Este nuevo "El misterio de Salem's Lot" es café descafeinado para los muy cafeteros de Stephen King, y eso es algo que dudo que se le perdone a una obra que tendría que haber sido más brutal y escabrosa, más cruda y dramática y con un desarrollo del microcosmos en el que se ambienta (algo clave en las obras del escritor) más rico.

EL CUERVO: CIUDAD DE ÁNGELES. LA CURIOSA ADAPTACIÓN DE LA PELÍCULA AL CÓMIC

EL CUERVO: CIUDAD DE ÁNGELES de John Wagner y Dean Ormston - 1996 - ("The Crow: City of Angels")

El mes pasado hice un ciclo de la saga cinematográfica de "El Cuervo" aquí y ha caído en mis manos, de manos de un amigo, valga la redundancia, esta adaptación al cómic de "El Cuervo: Ciudad de Ángeles", la segunda película de la saga.

Se trata de uno de esos cómics (de 1996 en concreto, del año de la propia secuela cinematográfica) que adaptaban películas famosas hechos claramente para pasar la gorra en una época en la que dichas películas duraban bastante más tiempo en el cine que hoy y tenían una segunda vida muy larga en los videoclubs (en la etiqueta de cómic de este mismo blog tienes comentadas las adaptaciones a cómic de las cinco primeras películas de Batman, por ejemplo, que ilustran bien este fenómeno ya extinto).

Estos cómics, una forma de tener la película que te gustaba en la era pre-Internet y pre-plataformas, eran excusas comerciales, sí, pero lo cierto es que algunos de ellos se cuidaban bastante en el aspecto del dibujo y del guión.

Este "El Cuervo: Ciudad de Ángeles" está a cargo de John Wagner, co-creador de Juez Dredd y autor de numerosos cómics míticos, y de Dean Ormston, hoy muy famoso dibujante entonces no tan conocido.

El guión es el mismo que el de la película con algunos mínimos cambios, y tiene todos sus defectos: historia calco de la primera parte, personajes planos, trama simplona y giros apresurados. En cómic funciona algo mejor que en la pantalla, todo hay que decirlo, gracias en parte al dibujo, que aunque aún no es tan perfecto como el de posteriores obras de su autor, sí es ya bastante resultón y, sobre todo, tiene escenarios que consiguen evocar perfectamente los de la película.

Poco más puedo decir de esta curiosidad, un producto de una época que ya no se estila, y que gustará a los coleccionistas del personaje. Lo he comentado porque me parece que como obra aparte puede tener un lugar en el blog, aunque no sea, posiblemente, de las mejores historias de cuervos posteriores que surgieron tras la primera de James O' Barr (que tenéis reseñada además en esta misma etiqueta).

Estaría bien, por cierto, que se reeditaran en España todos los cómics de "El Cuervo" juntos, en una edición en condiciones. Hay mucho material interesante y el personaje es tremendamente mítico.

JOKER: FOLIE À DEUX. UNA SECUELA TERRIBLE QUE TRAICIONA TODO SU LEGADO

JOKER: FOLIE À DEUX de Todd Phillips - 2024 - (""Joker: Follie à Deux")

Soy y siempre seré un gran defensor de "Joker" de Todd Phillips: ha sido el primer "Elseworld" de DC en el cine y supo en su momento construir una visión alternativa del personaje y del universo de Batman que, además, se mostró capaz de crear un drama social que atacaba al neoliberalismo de los USA centrado especialmente en las personas abandonadas por los servicios sociales.

Desgraciadamente, no puedo defender de ninguna de las maneras "Joker: Folie à Deux", su secuela, de nuevo con Phillips tras las cámaras y con Joaquin Phoenix delante de ellas. No puedo defenderla porque, además de ser una mala película, destroza de la peor de las maneras todo lo construido en la anterior.

Esta segunda "Joker" tenía una premisa arriesgada, y a mí me atrajo muchísimo por ello: es un musical e incluye a Lady Gaga como Harley Quinn. A priori, muy buena idea. Salir de la zona de confort siempre, siempre, siempre lo valoraré en un producto artístico, y más si hablamos de... Un musical, valga la redundancia, de un villano de Batman. Prometedor.

La cosa es que en la buena intención se quedó todo. La película innova en esta confluencia de géneros, Phoenix vuelve a estar impresionante (y de nuevo en esa delgadez que vuelve a dar miedo) y Lady Gaga se une brillando. También la estética es preciosa, y cuenta con algunos homenajes muy bellos a musicales clásicos como "Los paraguas de Cherburgo". Paren de contar: el resto es un disparate.

"Joker: Folie à Deux" quiere abarcar montones de asuntos (la locura y la cordura, la doble personalidad, la denuncia a las instituciones penitenciarias y psiquiátricas de los USA, la salud mental, el neoliberalismo que abandona a los más necesitados, los mitos modernos y su construcción) pero todos los trata por encima, de forma muy superficial. No profundiza en absolutamente ninguno de ellos.

Luego, tenemos un personaje que pierde de golpe todo el carisma que tuvo en la primera parte y una historia de amor bastante descafeinada que debería haber sido todo lo contrario: una absoluta locura de apego febril. Los secundarios, luego, están todos desdibujados y casi ninguno aporta nada.

La trama no ayuda: es un batiburrillo de escenas repetitivas que evoluciona a trompicones y con soluciones absurdas y hasta ridículas (en el juicio hay unas cuantas que dan hasta vergüenza ajena). Para colmo, tampoco funciona la obra como musical: los números son también repetitivos, y ninguno destaca especialmente y ninguno se queda en la memoria. 

Finalmente, el personaje del Joker se transmuta de una forma inexplicable en algo que hace añicos todo lo construido en la primera parte y que termina con su personalidad de un cachiporrazo en un final verdaderamente lamentable. "Joker: Folie à Deux" podría haber sido una secuela mala y ya está, pero no, tiene que ir más allá y empantanar el legado de su antecesora y desfigurar todo lo que nos cautivó de ella. Qué desastre. Pero qué absoluto desastre.

Por cierto que ahora sí que no hay en la película prácticamente nada relacionado con el universo de Batman: el "Elseworld" ya parece que a Phillips le importa descaradamente tres pepinos y con poner algunos nombres de personajes o de lugares de Gotham por ahí va que chuta.

"Joker: Folie à Deux" es un despropósito que no hay por dónde coger. No le puedo perdonar nada, y lo poco que destaca en ella (la estética y el dúo protagonista) es absolutamente incapaz de salvar un conjunto que no funciona en ninguno de sus aspectos y que traiciona toda su esencia. Terrible, y lo digo con el corazón lleno de pena.

SHERLOCK HOLMES Y LOS SIRVIENTES DEL INFIERNO. GENIAL CROSSOVER DE PAUL KANE

SHERLOCK HOLMES Y LOS SIRVIENTES DEL INFIERNO de Paul Kane - 2024 - ("Sherlock Holmes and the Servants of Hell")

Con "Sherlock Holmes y los sirvientes del Infierno" me introduzco en la literatura del inglés Paul Kane, autor de más de sesenta libros y de esta genial novela donde el mundo del detective de Arthur Conan Doyle se mezcla sin fisuras con el de Clive Barker y, esencialmente, con el de su mítico "Hellraiser".

Escribir un pastiche de Sherlock Holmes es difícil: tienes que conocer muy bien la obra del creador del detective más famoso del mundo y, además, dominar perfectamente tanto el estilo expositivo de sus casos y sus resoluciones como los modos literarios de su creador. Más difícil aún es mezclar todo esto con los universos desquiciados del mencionado Barker.

Fíjense si Paul Kane ha logrado sacar adelante esto de lo que hablo que el mismo Clive Barker lo ha calificado de "experto residente en Hellraiser". 

"Sherlock Holmes y los sirvientes del Infierno" es puro amor por sus dos referencias y por los autores de ambas, y es además una novela frenética llena de escenas para el recuerdo que sabe fusionar con una coherencia de la que en un principio se podría tender a dudar (por la dificultad de conseguirla en estos aspectos) dos creaciones literarias a priori totalmente opuestas.

La novela está dividida en dos partes: una es claramente "sherlockiana", la primera, y otra, la segunda, "barkeriana". Todo empieza con un caso extraño, con una investigación plagada de enigmas, a veces sosegada en el estilo de Doyle, que implica a Sherlock Holmes y a su amigo Watson. Luego, cuando entra en escena el imaginarium del escritor de "Candyman", todo se desquicia y se vuelve frenético, delirante, onírico, salvaje, y llega la acción y la batalla y el estilo de hechos enloquecidos. Como he dicho, y aunque parezca increíble, estos dos polos opuestos están perfectamente solapados.

Alrededor de estas bases se mueven los temas habituales de los dos autores y una sorprendente ampliación del desarrollo del mencionado Sherlock Holmes que enriquece su mito de una forma universal, mito del que también se autocompleta el de los cenobitas, en los que igualmente encontramos aristas nuevas. 

Se nota que Paul Kane domina el canon holmesiano y el de Barker a la perfección, que los ama y que disfruta homenajeándolos desde el respeto y la coherencia.

"Sherlock Holmes y los sirvientes del Infierno" son trescientas y pico de páginas de misterios, de acción, de locura metafísica y de pura y dura diversión. Gracias a la editorial Dimensiones Ocultas lo tenemos aquí disponible. Muy grande Paul Kane. Ojalá podamos disfrutar de más obras suyas por el mercado de habla española.

EL HOMBRE DEL SACO. UNA PELÍCULA DE TERROR TÓPICA Y QUE NO DA MIEDO

EL HOMBRE DEL SACO de Colm McCarthy - 2024 - ("Bagman")

Toca hoy película en solitario de Colm McCarthy, director forjado en muchas series de éxito como "Black Mirror", "Sherlock", "Outcast" o "Peaky Blinders", película que, la verdad, en mi opinión deja bastante que desear.

"El hombre del saco", que así se llama, es otra más de esas cintas de terror de temporada que nadie recordará después de verla en pocas semanas. Visualmente es aceptable y trata de desarrollar bien a sus personajes para que no sean la carne de cañón habitual, pero tiene una trama predecible y llena de lugares comunes que, para colmo, no da miedo.

El no dar miedo creo que es un error capital para un filme de terror: hemos venido a sentir esa emoción por encima de todas las cosas. Esta nueva versión del mítico hombre del saco no produce ni un sólo estremecimiento porque, además de ser su diseño bastante vago e impersonal, no protagoniza ningún momento que sugiera o asuste. Ninguno. Esto sólo basta para suspender a una obra de estas características.

Unimos al hecho la mencionada trama predecible y simplona, basada en el drama familiar que hemos visto mil veces y en el personaje perseguido por el mal que hemos visto mil veces, y ya la hemos liado. 

"El hombre del saco" te la sabes de memoria, y cada uno de sus tópicos es grueso y esperable, y cada intento que hace por suscitar miedo (luces parpadeantes, oscuridad repentina, sonidos crujientes...) es un déjà vu burdo de lo que cualquier fan del género está harto de ver.

Para colmo, tarda en arrancar: la primera hora es básicamente un paseo por una introducción larguísima que no aporta nada y que aburre mortalmente. Para cuando empieza la acción, el sopor te ha poseído, y con esta acción tardía la cosa no mejora porque lo que hace todo es precipitarse de un tajo en cerrar la trama a golpe de giros precipitados y facilones.

El final, anticlimático y lleno de flecos de bulto, me parece además que es un completo despropósito. No tengo mucho más que decir, por desgracia, de esta película.

BLACKHAT. AMENAZA EN LA RED. MICHAEL MANN CREA UN BUEN THRILLER INFORMÁTICO

BLACKHAT. AMENAZA EN LA RED de Michael Mann - 2015 - ("Blackhat")

En "Blackhat. Amenaza en la red" Michael Mann se adentra de nuevo en el thriller, su género predilecto, aunque ahora incursiona en el informático. Si bien no me resulta tan brillante como la anterior "Enemigos públicos" u otras obras míticas del director, esta cinta vuelve a ser en todos los aspectos una creación más que solvente con un acabado perfecto. 

Tenemos lo que podría ser un thriller "al uso" en manos de un director cualquiera (informático encarcelado, historia amorosa, villano que quiere forrarse desequilibrando el mundo, gobiernos podridos...) plenamente potenciado aquí y realizado con profundidad. 

Los personajes están muy bien redondeados (dentro de que tal vez podrían tener más aristas, eso es bien cierto, porque a veces resultan algo simples) y excelentemente interpretados (Michael Mann siempre sabe dirigir de forma espléndida a sus actores), la trama está estructurada con coherencia y con los giros de guión perfectamente apuntalados, el equilibro entre el drama y la acción es como siempre perfecto y el retrato crítico del mundo moderno en el que nos desenvolvemos, con sus riesgos globales (y con ataques también críticos dirigidos a los bancos y a los gobiernos, a los que se compara con terroristas capaces de aprovecharse de la miseria ajena) es certero y, aunque podría haber sido un poco más hondo, adecuado y coherente. 

No puede faltar una estética preciosa, a caballo entre fría y lírica, que alterna lo aséptico con lo caótico y cosmopolita sin cesar. Tampoco se echan de menos las escenas de acción artísticas a las que nos tiene acostumbrados Michael Mann. En especial, es una maravilla la batalla final en medio de la celebración religiosa, con su espléndido juego de luces y colores y contrastes. 

"Blackhat. Amenaza en la red" no va a ser una de las inolvidables de la filmografía del director de "Heat", pero tampoco decepciona y, como casi siempre, es una película bien hecha, con personalidad y con una lucidez sin fisuras. Recomendable.

LA CASA GUCCI. UN RETRATO FAMILIAR CRUEL INTERESANTE MAL LLEVADO POR SCOTT

LA CASA GUCCI de Ridley Scott - 2021 - ("House of Gucci")

La diferencia de calidad entre "El último duelo" y "La casa Gucci" es abismal, siendo ambas del mismo año y siendo ambas del mismo director, Ridley Scott, que, como decía ayer en la crítica de su drama medieval en este blog, es una montaña rusa creativa. La primera es una obra maestra y ésta segunda que hoy comentamos es un filme totalmente fallido.

"La casa Gucci", más allá del biopic al uso de esta familia dueña de la mítica compañía de productos de lujo italiana, es interesante por su retrato de las relaciones de poder que se dan dentro de una misma familia, valga la redundancia, y que son la muestra de un microcosmos podrido que sirve de reflejo de nuestro sistema capitalista agresivo en sus más altos estratos.

Hipocresía, clasismo, machismo, corrupción y decadencia se dan la mano en una intriga palaciega moderna donde los personajes, todos grises tirando a oscuros, pelean por sus parcelas de influencia en un clima de falsedad y de obligaciones familiares que les ata los unos a los otros en el mecanismo de amor-odio más horripilante.

El reparto está fantástico, desde Lady Gaga a Adam Driver, que repite con Scott tras "El último duelo", pasando por un Jared Leto totalmente transformado o unos destacados Jeremy Irons, Salma Hayek o Al Pacino.

¿Qué problema tiene entonces el filme? Pues uno bastante grande que está en su montaje, en su ritmo y en su excesiva duración para lo que cuenta. Ridley Scott no acierta aquí en ninguno de estos tres elementos, y sin ellos la cinta se cae pronto, muy pronto, en la falta de interés y en el sopor.

El montaje es abrupto y errático, y además reiterativo: no es nada sutil y reincide en escenas similares y en conceptos idénticos una y otra vez. Debido a esto, el mencionado ritmo se resiente, y para colmo le ponemos la también mencionada larga duración de su metraje, al que le sobra perfectamente media hora.

Es una pena, porque la película visualmente, como siempre en Scott, es riquísima y exquisita y, como he dicho, los intérpretes están fantásticos. Pero contar una saga familiar de este calibre requiere de una trama mejor llevada, y ésta tal y como está desplegada tira por los suelos prácticamente a toda la película, que es verdaderamente tediosa de seguir. Una completa lástima.

EL ÚLTIMO DUELO. UNA MAGISTRAL FÁBULA FEMINISTA DEL MEJOR RIDLEY SCOTT

EL ÚLTIMO DUELO de Ridley Scott - 2021 - ("The last duel")

Siempre lo digo: Ridley Scott es una montaña rusa. Casi en cada reseña que hago por aquí de algo de su autoría lo afirmo. Pero es un director al que sigo admirando mucho, que es indiscutible que pasará a la historia y del que me alegra muchísimo recibir una película suya cuando esta película es magistral.

Este es el caso de "El último duelo", que me parece eso: magistral, una obra maestra, valga la redundancia, una creación cinematográfica excelsa que es un clásico instantáneo, pienso, desde su mismo estreno. 

Volvemos al Ridley Scott histórico, pero ahora nos acercamos más al de "Los duelistas", a ese que está más cercano al de la intrahistoria intimista que al de las grandes superproducciones de hechos que cambiaron el mundo como "Gladiator", "El reino de los cielos" o su reciente "Napoleón".

Nos vamos la Francia de la Edad Media en este caso, donde, como en la mencionada "Los duelistas", dos hombres de armas (en este caso dos caballeros) se baten en duelo de forma atroz. La razón aquí es diferente: hay politiqueo e injusticia clasista y hay también una mujer de por medio que es esposa de uno de ellos y que de una forma u otra acaba siendo un trofeo para ambos. 

Al más puro estilo del "Rashomon" de Akira Kurosawa, Scott nos llevará por varias versiones diferentes de lo que ocurrió entre el trío que desembocarán, aquí sin ambages, en "la verdad".

Ridley Scott destapa sus mejores esencias y se saca de la chistera una fábula feminista medieval que muestra, como ya sabemos, que la mujer en la Europa de aquel momento era prácticamente un objeto de cambio de padres, maridos y hombres en general y crea un retrato lleno de fuerza y sobre todo de dignidad de una de ellas que está atrapada en este rígido y opresivo sistema.

Jodie Comer está espectacular como esta mujer, Marguerite de Carrouges, y borda un papel cargado de pura fuerza. La acompañan, como los caballeros, unos también espléndidos Matt Damon y Adam Driver que consiguen representar a dos tipos verdaderamente repugnantes llenos de la peor masculinidad tóxica de esos tiempos oscuros.

La narrativa de "El último duelo" es potente y fluida, el ritmo es milimétrico, las escenas de duelo y lucha son excelsas y la ambientación es de una riqueza soberbia. El mejor Ridley Scott en lo visual está aquí de nuevo, y brillando desde el primer hasta el último plano.

Lo completan todo unos personajes redondeados hasta lo meticuloso, unos diálogos espléndidos y llenos de lucidez, un sentido del espectáculo clásico que pocos directores saben reproducir hoy, pienso, con tantísima belleza.

"El último duelo" es un portento de película, una auténtica gema cinematográfica que sabe combinar todos sus elementos sin que salga un sólo fleco. Adoro a este Ridley Scott: estas obras suyas, cuando aparecen, te llevan al cielo del séptimo arte.