CAMINANDO ENTRE LAS TUMBAS. UN FABULOSO NOIR DE ANTIHÉROE DE ACCIÓN

CAMINANDO ENTRE LAS TUMBAS de Scott Frank - 2014 - ("A walk among the tombstones")

Después del fulminante éxito de "Venganza" y de sus secuelas, Liam Neeson ha sido uno de los actores de Hollywood que se ha apuntado a la moda del "tipo duro-invencible de mediana edad" junto a otros como Keanu Reeves (en "John Wick"), Sean Penn (en "Caza al asesino"), Jackie Chan (en "El extranjero") o Bob Odenkirk (en "Nadie"). 

De todas las mencionadas, posiblemente la mejor hasta ahora sea esta "Caminando entre las tumbas" que hoy comentamos. 

Scott Frank homenajea en su segundo filme tras las cámaras al cine negro clásico y le da una vuelta de tuerca turbia con un cierto aroma a serie B (serie B seria) a una trama perfectamente estructurada, con un inicio brutal, con un desarrollo que pone los pelos de punta y que engancha desde los primeros momentos y con un desenlace inmenso. 

El estilo es pausado, seco, crudo. Hay escenas de acción y de lucha, y Liam Neeson mete buenas ostias como en "Venganza", pero éstas no son las protagonistas y son perfectamente realistas. El protagonista sufre, física y emocionalmente. Es un antihéroe de los de antes, con lados luminosos y oscuros, y lo mismo ocurre con gran parte de los personajes que le rodean. 

Los USA aparecen retratados como un lugar violento, atroz, de desencanto, como en los mejores filmes negros. Scott Frank trata con lucidez la redención, la violencia, las adicciones, el desaliento vital, la lucha por un resquicio de justicia. Los diálogos son precisos, las acciones de los personajes dicen todo de ellos, y el estilo sobrio, sombrío, apoyado en una fotografía ideal para la narración lenta y sin concesiones, es el perfecto. 

Sí es cierto que, aún siendo el desenlace del filme desde mi punto de vista excelente, tiene algunas lagunas y algunos hechos ciertamente precipitados. Sin embargo, el conjunto lo salva, pienso. 

"Caminando entre las tumbas" es un filme excelente, notablemente solvente, y una apuesta novedosa en un cine negro de acción que, dicho sea de paso, va camino de anquilosarse entre tanto antihéroe brutal e invencible. 

En ese aspecto, esta película aporta también un toque de realismo con una trama creíble y alejada de los artificios y la pirotecnia que pueden tener las mencionadas "Venganza" o "John Wick", por ejemplo.

LA INVITACIÓN. UNA PELÍCULA DE TERROR QUE NO DA MIEDO Y CON FINAL RIDÍCULO

LA INVITACIÓN de Jessica M. Thompson - 2022 - ("The invitation")

De la directora Jessica M. Thompson me recomiendan en diversas redes la que al parecer es su primera película, el drama "La luz de la Luna": leo críticas muy positivas de ella. Me la buscaré para verla, porque la segunda, ésta "La invitación", me ha parecido verdaderamente mala, por desgracia.

La película, ahora mismo en las salas, es una cinta de supuesto terror en la que una joven de Nueva York es invitada por diversas razones a pasar unos días en una gran mansión de la campiña inglesa y, bueno, se pueden imaginar lo que puede llegar a ir pasando a grandes rasgos.

Hay un punto de partida con cierto interés y, también, algunas resoluciones que tienen su punto de homenaje a los clásicos de su género (especialmente a los tópicos de uno de ellos), pero todo el cuerpo del relato es muy deficiente y el desenlace es directamente ridículo.

"La invitación" no da miedo. Eso para empezar. Es de esas películas de terror que no asustan, que no tienen ni un mísero sustito que diga algo. Y ya nada más que por eso vamos mal, pero bastante, bastante mal de partida.

La protagonista va de un lado a otro viendo cómo en la mansión ocurren cosas claramente extrañas y tiene encuentros y encontronazos con algunos secundarios y se desarrolla una historia más especial con otro de ellos. Algún susto de por medio sin importancia, algún hecho escabroso que le ocurre a otro carácter y llegamos al final. Así de soso.

Y el final es... Pues un despropósito. Todo se precipita porque sí a lo bruto, todo ocurre de cualquier manera y exhibiendo montones de lagunas de bulto y empiezan a sucederse giros de guión absolutamente ridículos uno tras otro. De repente, hasta el género inicial, el mencionado terror, parece haber cambiado y ser otro totalmente diferente.

"La invitación" es un desastre monumental. No da miedo, es aburrida, no produce ningún interés y es, finalmente, una completa ridiculez. 

EL CODO DE LA TORCAZ. UNA NOVELA EXPERIMENTAL QUE TE VOLARÁ LA CABEZA

EL CODO DE LA TORCAZ de Damián Cordones - 2020 - ("El codo de la torcaz")

De Damián Cordones he comentado en este blog, hace no demasiado tiempo, "Parisia", una novela política absolutamente impresionante sobre el poder y sus lados más tenebrosos. Hoy, vuelvo a su obra con "El codo de la torcaz", la que publicó justo antes, también con la editorial El Transbordador, y de nuevo tengo que decir que este escritor es uno de los más inimitables que disfrutamos hasta este momento escribiendo en castellano en España.

Ahora lo que tenemos entre las manos es una novela muy, muy diferente a "Parisia": "El codo de la torcaz" es una novela experimental y totalmente inclasificable, exigente pero extremadamente estimulante, que funciona a varios niveles y que se fusiona con la mente de quién la está leyendo para sugerirle varias (varias) vías de lectura dentro de sí misma y, también, varias vías de acción.

El punto de partida es de plena actualidad: estamos en un zoco, en el casco antiguo de alguna ciudad que podría ser perfectamente la nuestra, y este zoco está a punto de ser demolido por una inmobiliaria que planea levantar en su lugar un complejo de oficinas moderno.

En este ambiente, que es un personaje más de la obra, se mueven otros, ya humanos: Sawa, un cocinero y distribuidor de droga que resiste en el barrio; X, un yonqui que vive con él y con el que éste experimenta un antídoto contra la dependencia; un misterioso mafioso jefe que parece vigilarlo todo entre las sombras o una serie de agentes y contra-agentes tanto de los rebeldes de lugar como de la mencionada inmobiliaria.

X, el narrador principal, toma notas de lo que vive en su día a día en este zoco conflictivo y que se cae a pedazos y el lector viaja a través de su periplo, que a veces parece estar anclado a la realidad y que a veces parece ser pura alucinación.

La narración se superpone así en diferentes planos que se fusionan con el propio escenario. La edición de El Transbordador es un prodigio a este respecto: además de preciosa, ordena y monta estos planos con las notas de diferente estilo y tipografía que los componen. El resultado es una bellísima y estimulante amalgama de realidades, de tal vez ficciones, de impresiones, de apuntes.

"El codo de la torcaz" es una novela poliédrica en todos los aspectos y, también, en su temática. Hay crítica social y política, hay un retrato de la gentrificación de las ciudades y otro de la adicción y de sus efectos, hay otro del submundo al que los altos estamentos y las grandes empresas condenan a las clases más desfavorecidas y hay también un tratado de filosofía completo en sus páginas.

Por supuesto, también están ahí las metáforas, las alegorías, los simbolismos (el de las cucarachas y el sarro es espectacular, y también el de las palomas). Damián Cordones es una mecha que siempre prende ideas y sensaciones en nuestra cabeza y, aquí, prende docenas a la vez. Y su estilo preciso y sobrio pero palpable y potente está ahí de nuevo por supuesto, y es una delicia leerlo.

"El codo de la torcaz", llena de interpretaciones, es una novela para leer y releer varias veces. Es, como he dicho, exigente, pero también es un caramelito para toda aquella persona que busque nuevos caminos lectores, nuevas experiencias, nuevas vías. No puedo dejar de recomendar este "volador de cabezas" de, como he dicho, uno de los autores más importantes que tenemos hoy en España.

THE OLD MAN AND THE GUN. UNA PRECIOSA OBRA SOBRE EL SENTIDO DEL VIVIR

THE OLD MAN AND THE GUN de David Lowery - 2018 - ("The Old Man and the Gun")

David Lowery sigue en su estela de búsqueda de un estilo de autor propio, estilo que creo que ya ha encontrado, con "The Old Man and the Gun". Como escenario, la América profunda, como personajes, seres perdidos, y como seña personal, una narrativa pausada, con ironía y con un profundo sentido del lirismo. 

Esta obra suya, la última de Robert Redford como protagonista (que por cierto, está genial), es una de esas películas basadas en la historia real de alguien (en este caso el ladrón Forrest Tucker) que es una firme representación de lo que son esos locos Estados Unidos que tan acostumbrados estamos a ver que parece que fuesen nuestro propio país. 

Este ladrón de bancos, de guante blanco, educado y exquisito en el trato, es un hombre que, simplemente, no puede dejar de robar. Es una cuestión, más que de dinero, de vida o muerte: no tiene nada sentido para él si no atraca. Es una afirmación de su persona, y ahora, que ya es mayor, viejo incluso, que puede estar en el umbral de sus últimos días, más que nunca. 

Lowery, con un estilazo fino y con una concepción bellísima del paisaje (que ya le ha caracterizado en otras cintas suyas), rueda su aventura final (o no) con un gran sentido del romanticismo: una aventura crepuscular sin embargo alegre, divertida por momentos, llena de dignidad y que implica a todos los que se relacionan con Tucker y les hacen cambiar.

"The Old Man and the Gun" es una obra bellísima, preciosa, cargada de sentimiento y de sugerencia, optimista, curiosa y que plantea dilemas nada fáciles al espectador. 

Robert Redford está inmenso, soberbio, inolvidable. No queremos que se retire del cine. ¡No, no, no! Nos entrega un papelón genial, nos lleva a otro tiempo, a otra época nada lejana pero ya muy diferente de la nuestra, y nos muestra la lucha de alguien por esa persecución vital indefinida y atormentada que azotaba a personajes como los de Julio Cortázar en "El perseguidor" o "Rayuela" o de Robert Bresson en "Pickpocket". 

Secundarios como Sissy Spacek y Cassey Affleck están también maravillosos y complementan de forma genial a ese personaje insuperable que es Forrest Tucker. Absoluta joya es "The Old Man and the Gun".

CARRETERA PERDIDA. UNA PRECIOSIDAD VISUAL CON LA QUE NO CONECTO

CARRETERA PERDIDA de David Lynch - 1997 - ("Lost highway")

Me gusta mucho David Lynch. Creo que es un cineasta especial, con una personalidad única, y esto es algo que hasta sus detractores suelen confesar. Sin embargo, hay dos películas de él que no entiendo. Simplemente es eso: no las entiendo. Son ésta "Carretera perdida" y la que hasta ahora ha sido su última creación en forma de largometraje: "Inland Empire". 

Son dos de sus películas más herméticas y crípticas. Lo mismo les ocurre a otras dos: su debut, "Cabeza borradora", y "Mulholland Drive". Aparentemente, estas cuatro obras mantienen una estética y una narrativa similiar. Sin embargo, las dos últimas se me antojan, dentro de su estilo de cine metafórico, mucho más luminosas. 

En "Cabeza borradora" (la mejor de las cuatro según mi criterio) veo una denuncia del ahogo de la familia tradicional norteamericana, llena de frustración que engendra pesadillas y monstruos. En "Mulholland Drive" veo una crítica al Hollywood de hoy y a la industria del cine en general además de una disertación sobre la personalidad. 

En "Carretera perdida" y en "Inland Empire" no veo nada. Es triste, pero es así. No las entiendo. Ojo, esto no es malo en según qué tipo de historia: el surrealismo, el absurdo, el simbolismo, siempre han estado presentes en el cine. Pero a mi no me llenan el surrealismo, el absurdo y el simbolismo que son excesivamente cerrados. 

No me entero de nada en "Carretera perdida". Y eso que la he visto varias veces. Y todo lo que he leído de ella no me ha dejado satisfecho, y mucho menos las explicaciones de gente muy guay y muy "gafapasta" que ha intentado fardar de saber lo que quiere decir y que realmente está igual de perdida que el resto.

"Carretera perdida" es toda una experiencia visual y narrativa. Es una película con una estética preciosa, marcadamente "lynchiana", con una fotografía simplemente soberbia y con una banda sonora de ensueño y totalmente indefinible. 

Salta entre varias historias y las desquicia todas, se pasa por el forro la narrativa convencional (que no es nada nuevo, por otra parte, pero es una seña de identidad total de esta obra) y mezcla el thriller, el drama, el terror, el surrealismo, la psicodelia, el metacine y la metáfora visual. Es un filme para sentarse y dejarse llevar. Y a partir de ahí está el espectador que lo odia y el que se siente fascinado por él. Punto. 

A mi me deja frío. Le reconozco el mérito estético y sé que el cine de David Lynch es así y no hay que darle más vueltas, como lo es por ejemplo el de Luis Buñuel. Sin embargo, siempre preferiré al David Lynch de "Cabeza borradora" (película metafórica que sabe sugerir miles de mensajes y sensaciones identificables), "El hombre elefante", "Terciopelo azul", "Twin Peaks" o "Una historia verdadera". Y vosotros... ¿Habéis entendido "Carretera perdida"?

1492. LA CONQUISTA DEL PARAÍSO. SCOTT INCURSIONA EN EL GÉNERO HISTÓRICO

1492. LA CONQUISTA DEL PARAÍSO de Ridley Scott - 1992 - ("1492. The Conquest of Paradise")

Ridley Scott, instalado en la irregularidad que le caracterizaría hasta la llegada de "Gladiator" y posteriormente de otros filmes como "American Gangster" o "Red de mentiras", incursionaba por primera vez en 1992 en el género histórico, que sería a partir de ese momento uno de sus predilectos. 

El Scott "histórico" se caracteriza por ofrecer, la gran mayoría de las ocasiones, una visión del momento que retrata en general de gran aura épica y, en muchas ocasiones, manipulada habitualmente en favor del espectáculo visual y sobre todo de la adaptación a la moral de nuestros días de personajes de otras épocas. 

Ocurre en esta "1492: La conquista del paraíso", en "Gladiator" o en "El reino de los cielos". Por supuesto, este hecho siempre ha sido muy criticado por los detractores e incluso por los fans de este director, pero lo cierto es que, si bien en numerosas ocasiones sus filmes históricos pueden faltar a la realidad de los hechos de forma descarada, como espectáculos visuales no tienen nada criticable, y el cine histórico siempre ha sido espectáculo visual en gran parte. 

Personalmente, prefiero una buena producción de este género que busca, a pesar de sus fallos, la mayor credibilidad (se me ocurren series como "Roma", "Los Tudor", la española "Isabel" o películas como "Faraón" de Jerzy Kawalerowicz o "Apocalypto" de Mel Gibson, por poner algunos ejemplos). Sin embargo, no puedo negar tampoco que obras como las mencionadas o como la discutidísima "Braveheart", también de Mel Gibson (y esta completamente épica y muy alejada en tono y veracidad de su aventura con los mayas), me hacen disfrutar mucho.

Dejando a un lado la supuesta fidelidad a lo que fue realmente tanto el personaje de Cristóbal Colón como a su aventura en el Nuevo Mundo (y es un personaje sobre el que existen muchos claroscuros y muchos "puntos muertos") y dejando a un lado su supuesta o no defensa de los derechos de los nativos y su supuesto o no desprecio de la persecución del dinero en favor de la aventura en pos de los descubrimientos, "1492: La conquista del Paraíso", filme creado para celebrar el V Centenario del descubrimiento de América para los europeos, es en general decente en todos los aspectos. 

Gerard Depardieu encabeza un buen reparto (en el que brilla con luz propia un soberbio Michael Wincott -qué buen actor ha sido siempre y qué poco reconocido ha estado también para el gran público-), los diálogos son correctos y adecuados a su momento, el ritmo está bien metido (y el filme es largo y se hace fluido siempre) y, sobre todo, la ambientación está muy conseguida, con una fotografía excelente tanto de interiores como de los esplendorosos exteriores naturales. No se le puede achacar que sea malo a este filme. Puede que no sea de los más recordables de Scott, pero se ve con interés.

REVOLVER. GUY RITCHIE EXPERIMENTA A LO DAVID LYNCH Y LE SALE REGULAR

REVOLVER de Guy Ritchie - 2005 - ("Revolver")

Nunca me ha importado ni me importará decir abiertamente que no he entendido una película, o un libro, o una obra artística de cualquier otro género. No soy un iluminado ni pretendo ir de ello, y no tengo que demostrar que soy superior a nadie como un gafapasta cualquiera. 

No entendí nunca (ni ganas después de verlas varias veces) "Carretera perdida" e "Inland Empire" de David Lynch (director al que por otra parte adoro y del que sí creo que entendí "Cabeza borradora" y "Mulholland Drive", sus otras dos películas "crípticas").

Tampoco entendí jamás la deriva que toma "El Resplandor" de Stanley Kubrick ni su desenlace (para muchos fans de Stephen King una aberración que, méritos cinematográficos del filme en sí aparte, se carga la obra del escritor). 

De la misma manera, no entendí del todo "Barton Fink" de los hermanos Coen, a los que adoro igualmente, y ello a pesar de que la película me gusta mucho y me sugiere muchas cosas. Y tampoco entendí en absoluto esta "Revolver", la rareza que Guy Ritchie dirigió en 2005 después del fracaso de su mala y vilipendiada sin piedad "Barridos por la marea".

El director inglés se pone aquí a realizar una obra al más puro estilo David Lynch (al estilo del David Lynch de las películas que he mencionado) y cuenta una vez más la historia de mafiosos que ha contado ocho mil veces (que aunque el colega tiene gracia la verdad es que se repite más que el chorizo, por lo menos hasta la llegada de su versión de las aventuras de Sherlock Holmes) pero desde el "punto de fuga narrativo" de la metáfora visual, de los símbolos constantes y del argumento descalabrado de forma consciente. 

Supuestamente, esto es síntoma de una película que trata de ser personal y de poner en jaque al espectador... Pero leñe, yo qué quieren que les diga... No me enteré de nada. Simplemente fue eso. Y no fui el único.

Ritchie vuelve a entregar una cinta visualmente impecable, con un montaje con ritmo, con unos actores excelentes (Jason Statham y Ray Liotta están muy bien) y con una banda sonora de cinco estrellas perfectamente integrada. Pero la trama no hay por donde cogerla porque, como he dicho antes, no se entiende. O yo no la entiendo. Pero, ¿de quién es la culpa? ¿Mía por no entenderla o de Guy Ritchie por no conseguir que yo la entienda? Bueno, el debate está abierto y seguirá siempre abierto. 

El arte supuestamente no debe ser algo fácil, pero desde mi punto de vista tampoco debe ser tan abigarrado que termine aburriendo y haciendo que el espectador desconecte. Volveremos a hablar de este asunto cuando comente películas como las mencionadas "Carretera Perdida" o "Inland Empire" o "El Resplandor" de Stanley Kubrick. 

Está bien sugerir, está bien poner al espectador a pensar, está bien intentar aportar algo "diferente", pero, desde mi punto de vista, cuando le pones un turbo al surrealismo o a la cascada de metáforas y símbolos y haces ininteligible tu producto, te lo cargas. 

De "Revolver" hay mil interpretaciones en internet. Y también mil críticas que reconocen no haberla entendido. La película fue otro fracaso de Ritchie, como "Barridos por la marea", y en algunos países no llegó ni a estrenarse en cines (en España llegó en 2007 siendo de 2005). El británico se recuperó por suerte con la desternillante "RocknRolla".

EL PERFUME. UNA ADAPTACIÓN POLÉMICA Y VISUALMENTE APABULLANTE

EL PERFUME. HISTORIA DE UN ASESINO de Tom Tykwer - 2006 - ("Das Parfum. Die Geschichte eines Mórders")

Tom Tykwer salta al cine más comercial en 2006 y tras "Heaven" con "El perfume", la adaptación muy tardía de la novela homónima de 1985 de Patrick Süskind, y el salto no le sienta mal, a pesar de que esta cinta no sea una obra propia con la personalidad que tienen otras del director alemán como "Corre, Lola, corre" o "La princesa y el guerrero" o la misma mencionada "Heaven". 

Hay bastante polémica en lo que se refiere a esta adaptación: se trata de una de esas películas en las que la opinión respecto a ella está claramente dividida entre los que han leído el libro en el que se basa y los que no. Y yo no he leído el libro. Y voy allá con mi opinión. 

Tom Tykwer, aún siendo a veces efectista, es un virtuoso de la cámara. A veces el guión le ha importado menos y se le ha notado, pero de la cámara es como he dicho un virtuoso sin ninguna duda y suele arriesgarse siempre con fórmulas nuevas o particulares. 

"El perfume" está espléndidamente rodada y transmite a la perfección el mundo de los olores en el que se mueve el protagonista. Tanto si el olor de marras es pútrido y asqueroso como si es delicioso y delicado, la cámara lo pone en la nariz del espectador. 

Tykwer juega perfectamente con el color, con la textura, con el brillo, con la luz, con la ambientación y con los planos y sabe llevar fuera de la pantalla un verdadero torrente de sensaciones "olorosas". Aquí está claro que triunfa. 

Lo hace ya menos en el retrato de su personaje central, supuestamente (según los que han leído el libro dicen además) un ser muy complejo que aquí es retratado como un "psicópata al uso" sin una profundidad clara. 

Sí, la historia juega con la ambigüedad, la confusión, la deshumanización, la relación entre la personalidad y lo anodino y entre el deseo y el conocimiento. Esto queda claro, pero las motivaciones reales del protagonista, sus claroscuros, las razones últimas de su búsqueda y del mensaje de la historia en general, quedan algo difuminadas, y eso es bastante imperdonable en una película que dura dos horas y media.

Quitando esto, "El perfume" funciona y atrapa, a pesar del referido largo metraje, lo cual no deja de ser siempre meritorio. Tykwer le imprime ritmo, retrata a personajes con carisma, dirige formidablemente a los actores (Ben Whishaw está absolutamente genial en su papel y da bastante grima y miedo) y crea una ambientación magnífica de época llena de realismo y de riqueza de elementos y matices. 

Como filme en general es bueno, a pesar de esa falta de redondez final del personaje central y de los objetivos de la trama. Como adaptación me dicen los que han leído la novela que falla, y me dicen además que falla especialmente en esa falta de definición pulida del mencionado protagonista. Aquí se me escapa ya el criterio justo. 

Desde el punto de vista del espectador no versado en la obra escrita, "El perfume" es una buena película indiscutible, aunque lo cierto es que está más lejos de las mejores obras de Tom Tykwer, que siempre se desenvuelve mejor con sus propios argumentos que con los trabajos de encargo.

THE LOVELY BONES. UN DRAMA NEGRO Y FANTÁSTICO LARGO Y EMBORRONADO

THE LOVELY BONES de Peter Jackson - 2009 - ("The Lovely Bones")

Después de  la infamia de su remake de "King Kong", Peter Jackson cambió de registro una vez más y volvió a lo que ya realizó en su estupenda "Criaturas celestiales": al drama que se mueve entre dos mundos, uno real y otro fantástico. Sólo que aquí la cosa no le salió bien. 

"The Lovely Bones", basada en la novela "Desde mi cielo" de Alice Sebold, narra la historia de una niña que es víctima de algo terrible (no es spoiler, se sabe desde el principio del filme) y que, desde "otro mundo", intenta influir en su familia y en la persona que la llevó a la tragedia. 

Al director neozelandés últimamente no se le da bien casi nada de lo que intenta. Ya os digo que "The Lovely Bones" sigue el esquema básico de "Criaturas celestiales". Aquí sólo ocurre que, desgraciadamente, a Jackson se le va la mano con el ritmo y con la alternancia de las dos realidades que maneja y deja sin explicar una de ellas y también sin que queden muy claras las relaciones entre ambas. 

Termina la película y, aunque me lo imagino por lo obvio de todo, me sigue sin quedar claro qué clase de ley mágica-metafísica-religiosa-espiritual reina en el lugar en el que está el personaje de la protagonista. La cinta va dando bandazos entre una realidad y otra y todo está cortado a hachazos y pésimamente explicado. 

Claro, la agilidad del filme se resiente, y a lo bestia. Y si le sumamos que tenemos unos personajes totalmente desdibujados y que no interesan, ya la terminamos de liar parda. No están mal interpretados (para lo que hay que interpretar), pero es que, sencillamente, son borrones y no están redondeados y sus actuaciones tienen flecos por todas partes.

Para colmo, "The Lovely Bones", para variar en la filmografía de Peter Jackson, dura más de dos horas. Este hombre, definitivamente, no sabe hacer una película que no sea colosalista de una forma u otra. Es que no sabe: directamente creo que perdió el sentido de la economía expresiva cinematográfica hace mucho. 

Y después tenemos una estética que no es fea en sí, pero que termina abrumando, atosigando con tanto colorido bruto y con tanta estampita que parece sacada de anuncio de colonia. Todo el buen hacer de "Criaturas celestiales" y de las primeras películas de este director de sus inicios aquí se convierte en abuso de efectos especiales sin sentido ni sensibilidad. 

En fin, es una pena, pero este hombre no levanta cabeza desde hace ya bastantes años. Y después de "The Lovely Bones" vino su infame trilogía de "El Hobbit"... Una pena la deriva que ha tomado la carrera del director de "Braindead".

AL OTRO LADO DE LA LEY. S. CRAIG ZAHLER SIGUE CON SU ÚNICA FILMOGRAFÍA

AL OTRO LADO DE LA LEY de S. Craig Zahler - 2018 - ("Dragged Across Concrete")

S. Craig Zahler sigue construyendo una filmografía única y personal con su tercera película, "Dragged Across Concrete". Cimientada una vez más en los cánones de la serie B y el "exploitation", ahora el director nos presenta una "buddy movie" con música de corte ochentero y con cameos de gente divertida como Don Johnson o Udo Kier protagonizada por Mel Gibson (lo cual no es ninguna casualidad) y por Vince Vaughn, con el que ya trabajó en su anterior obra. 

La película, larga y tensa, sabe dibujar un retrato social certero, de racismo y de injusticia en todos los bandos, y enfrentar a dos mundos opuestos pero no tan diferentes. Un atraco brutal, dos policías suspendidos temporalmente de empleo y sueldo, un tipo que necesita dinero y unos psicópatas se dan cita en una bajada a los infiernos que está siempre a punto de estallar. 

Diálogos inteligentes, humor extraño y divertido y con un toque entrañable, personajes muy bien construidos y una violencia vistosa, sangrienta y brutal se dan la mano en otro homenaje más al mencionadio "exploitation" y nos recuerdan que no solamente Tarantino es el que hace estas cosas. 

Sin embargo, a "Dragged Across Concrete" le sobran, pienso, unos veinte minutos y algún personaje que no pinta demasiado (como el de la madre del banco). No es perfecta y creo que las dos anteriores películas de S. Craig Zahler eran mucho más redondas. 

No obstante, es una experiencia sensorial y de buen thriller muy notable y que no dejará indiferente, y llena de sorpresas en una trama que cambia sin cesar de punto de vista. Muy recomendable.

GOSHU, EL VIOLONCELISTA. UNA LÚCIDA FÁBULA SOBRE TODA CREACIÓN ARTÍSTICA

GOSHU, EL VIOLONCELISTA de Isao Takahata - 1982 - ("Sero hiki no Goshu")

Isao Takahata alcanza la maestría con "Goshu, el violoncelista", su última creación antes de fundar junto a Hayao Miyazaki el mítico Estudio Ghibli. El filme, de apenas una hora y pico de duración, es una fábula sobre la creación musical que se extiende perfectamente a cualquier tipo de creación y que toca, viniendo de Takahata, también ecologista como Miyazaki, la relación del ser humano con su entorno y con los animales. 

Con una animación que todavía no había alcanzado la maestría que este autor desarrollaría a partir de la siguiente e inolvidable "La tumba de las luciérnagas" pero que se presenta ya muy rica y llena de matices y de realismo (además de contar con unos escenarios llenos de detalles), "Goshu, el violoncelista" se estructura como un cuento clásico para niños en todos los aspectos: su trama es lineal, su historia se despliega sin florituras y es directa y el mundo de los humanos se fusiona sin preguntas con el de los animales para que los dos puedan interactuar. 

Como todos los buenos cuentos clásicos, está por supuesto orientado tanto para los más pequeños como para los adultos. 

Goshu, que toca el violoncelo, es incapaz de perfeccionar su arte y, en su camino, se va a cruzar con un grupo de variopintos animales que le van a enseñar el valor de cuatro ingredientes esenciales para poder desarrollarlo de forma redonda: el sentimiento de la música, el tesón para practicar sin parar, el sentido del ritmo y el poder curativo de toda melodía se lo van a mostrar respectivamente un gato, un pájaro, un mapache y unos ratones.

"Goshu, el violoncelista" es un ensayo animado sobre la práctica de cualquier arte; cualquiera que se dedique a ello, ya sea la música, la escritura, la pintura o cualquier otra disciplina, podrá reconocerse en el protagonista. 

En última instancia, el arte tiene un valor universal: puede ser mejor o peor, puede gozar o no de éxito o de reconocimiento en su tiempo, pero es esencial para la vida del artista a pesar de todos los disgustos que pueda causarle su práctica y, además, y aunque el propio artista no sea consciente de ello en muchas ocasiones, es esencial para las vidas de otras personas. 

Magnífica fábula de un director que ya comenzaba a despuntar como uno de los maestros imprescindibles de la animación japonesa.

ENREDADOS. EL RETORNO POR TODO LO ALTO DE WALT DISNEY A SU BUEN HACER

ENREDADOS de Nathan Greno y Byron Howard - 2010 - ("Tangled")

Muchos años de palos de ciego y casi un lustro de producciones lamentables como "Zafarrancho en el rancho" o el truño de "Chicken Little" desembocaron, por fin, en el esperado retorno del Walt Disney clásico de siempre con "Enredados", en 2010. 

Aunque "Tiana y el sapo", la vuelta momentánea del estudio a la animación plena en 2D, había sido más que digno, fue esta película la que de una maldita vez nos recordó que estábamos ante el estudio de animación más revolucionario de la historia y que, algún día, su etapa chunga tenía que acabar. 

"Enredados", basada con muchas libertades en el cuento clásico "Rapunzel", de los hermanos Grimm, ya tiene en su simple estética una declaración de intenciones: mezcló el 3D con la animación tradicional y una representación no fotorealista para crear la impresión de estar viajando dentro de una pintura. Un pie en lo clásico y un pie en lo moderno. Y visualmente esto hace a la película maravillosa, amén de contar con unos personajes y escenarios llenos de carisma. 

Todos los tópicos de los cuentos clásicos están aquí reinventados, con humor, pero sin caer en el "caca, culo, pedo, pis" del que abusan a lo bestia otras producciones animadas. 

También está la aventura, con escenas de acción geniales, y una nueva lectura de las historias de príncipes y princesas alejada de cursiladas y de epicismos baratos que incide mucho más en los héroes interiores que en los de postureo y que presenta a un personaje femenino que, a pesar de haber pasado su vida sometido, es capaz de plantarle cara a su destino.

Y por cierto, la villana de la función de esta película es inolvidable. Y también los secundarios cómicos, con un humor que no cansa (esto es especialmente de agradecer). Y vuelve la banda sonora de Alan Menken, uno de los grandes músicos que ha trabajado para la compañía, autor de las de "La Sirenita", "La Bella y la Bestia", "Aladdín", "Pocahontas", "El Jorobado de Notre Damme" o "Hércules". 

En fin, "Enredados" es un retorno al estilo de Disney de siempre pero convenientemente actualizado, y sin perder la esencia. Es, por fin, la vuelta a la calidad que el estudio tantísimo necesitaba después de su "Segunda Edad Oscura".