COYOTE VS ACME. CORRECTA Y CON ALGUNA IRONÍA, PERO EN ABSOLUTO OBRA MAESTRA

COYOTE VS ACME de Dave Green - 2026 - ("Coyote VS Acme")

A todo el mundo le está encantando, en general, "Coyote VS Acme". Pero con encantando me refiero a que está siendo para muchísima gente una de las películas de la temporada e incluso del año. Y, la verdad, yo no veo en ella más que una cinta entretenida con algunos puntos irónicos.

El punto de partida es genial: el Coyote, harto de fracasar una y otra vez contra el Correcaminos, decide demandar a Acme porque sus productos son una porquería. Se viene una parodia de drama de abogados con crítica social tanto a este oficio como a las grandes empresas que utilizan a la gente y que se aprovechan de la corrupción.

Hasta aquí, todo bien. Prometedor. Y cumplir, el conjunto cumple. Pero sólo cumple, a pesar de algunos momentos magníficos que tiene, que pienso que además en general son los pocos.

Dave Green, director de "Coyote VS Acme", sabe jugar con el mundo de los Looney Tunes para ofrecer mil homenajes, guiños y referencias a estos míticos personajes de dibujos animados. Por otra parte, también ofrece a un protagonista humano con carisma interpretado por Will Forte que es capaz de mantenerse en el interés sin eclipsar al Coyote y sin ser él el eclipsado. Hay escenas de acción divertidas y gags tipo "slapstick" habituales y, también, algún humor irónico y un John Cena como villano con verdadera gracia.

Ahora bien... La película no pasa de esto. No es especialmente irónica salvo en su final (una parodia de juicio muy destacada) y en ciertos puntos que tiene salpicados pero que no dejan de ser puntos salpicados. Esta ironía no es tampoco especialmente afilada, y trama incluso se va a veces por algunos tópicos y hasta cuando parece que va a ser verdaderamente brutal acaba eligiendo las opciones típicas, blanditas.

"Coyote VS Acme" es entretenida y tiene momentos agudos, pero no pasa de ser eso y a mí por lo menos me deja un notable pozo de decepción. Sinceramente, no veo esa obra maestra de la sátira social y política que está viendo todo el mundo en ella.

LA CIÉNAGA. EL DEMOLEDOR DEBUT DE LA ARGENTINA LUCRECIA MARTEL

LA CIÉNAGA de Lucrecia Martel - 2001 - ("La ciénaga")

No deja de ser curioso que "La ciénaga", el debut de la argentina Lucrecia Martel en el largometraje, se estrenase en 2001, el terrible año del tristemente célebre "Corralito" que asoló a su país. Parecía desde luego una premonición, porque esa crisis económica de Argentina empezó a dar señales de vida ya en 1998 y la crisis de valores siempre está, de alguna u otra manera, relacionada con la mencionada crisis del dinero.

El inicio del filme ya lo dice todo: unos burgueses toman el sol en una piscina de agua estancada y arrastran sus sillas con una apatía sin miramientos. La apatía chirría en el espectador. Este es el punto de partida: el resto, es aún más descorazonador. 

Se abre en la pantalla una Argentina profunda en plena crisis económica pero también moral. La gran casa de estilo colonial alrededor de la que gira la historia de "La ciénaga" es una morada decrépita que antaño fue esplendorosa: sus paredes están desconchadas, su escasa tecnología no funciona, sus muebles son antiguos y su piscina tiene las aguas podridas. 

El pueblo en el que se encuentra esta casa no se queda atrás: lo poco que se ve del lugar destaca por ser tan decadente o más que la vieja morada, y en sus alrededores se encuentra la pestilente ciénaga que da nombre al filme (aunque esta ciénaga puede ser también la mencionada piscina, o, posiblemente, todo haga una referencia metafórica a las vidas de todos los seres que pueblan el filme). 

Frente a este escenario, se encara la aburridísima existencia diaria del protagonista coral de la película, de toda clase y condición, vida diaria marcada por el clasismo, el egoísmo, el racismo, la sexualidad reprimida, la homosexualidad oculta a la sociedad, la hipocresía, la pobreza, el alcoholismo, la enfermedad, la violencia, y, también, el sentimiento de superioridad de la Sudamérica de países como Argentina frente a la Sudamérica de países como la vecina Bolivia.

En un estilo casi de documental de completa molicie (lo transmite sin problemas), Lucrecia Martel desgrana todas estas vidas aplastadas bajo un clima de bochorno que presagia una tormenta (real y simbólica), vidas que parecen no ir a ninguna parte y que dejan claro que el estancamiento no es sólo económico, sino vital. 

Esta película de culto que inauguró una gran carrera cinematográfica que hasta ahora ha estado centrada en la exposición crítica de la Argentina de la crisis económica y de la post-crisis y en su historia.

RESIDENT EVIL. UNA PELÍCULA 'PARQUE DE ATRACCIONES' EFECTIVA CON FINAL CUTRE

RESIDENT EVIL de Zach Gregger - 2026 - ("Resident Evil")

Normalmente, suelo comentar las franquicias en orden en este blog, que para esto está también un blog, pienso, para tenerlo todo ordenadito. No obstante, aquí voy a saltarme la norma, con esta nueva versión de "Resident Evil" de Zach Gregger, que ha despuntado hace poco en la fama con "Barbarian" y "Weapons" (ambas comentadas también aquí, en esta etiqueta).

Las anteriores sagas de la franquicia en el cine, la de 2002 a 2017, el reinicio de 2021 y la serie cancelada de 2022, me parecen absolutamente horrendas. No salvo siquiera a la primera, la de Paul W.S. Anderson. Y este filme, aunque no es "Resident Evil" exactamente, y aunque su final me parece que se desinfla a lo bestia, es la mejor de todas con diferencia.

El "Resident Evil" de Zach Gregger no es "Resident Evil", sí. O sea, sí lo es, porque es otro reinicio de su mundo y porque comparte trama básica, criaturas y reglas con dicho mundo. También le hace homenajes. No obstante, más allá de esto todo da bastante igual y no sigue al videojuego: se podía haber llamado "Virus mortal" y habría funcionado igual.

Gregger toma dicho videojuego como excusa para elaborar una "película parque de atracciones" en la que un sufrido Austin Abrams se mete en un lío monstruoso en Racoon City y, plenamente identificado con el espectador o la espectadora, pasa por un montón de peligros y penurias.

Es lo que es el filme y es lo que se busca desde el minuto primero. No se esperen una conexión enorme con el videojuego, como he dicho, ni una trama retorcida sobre conspiraciones, ni muchos personajes buscando la manera de salvar la ciudad ni nada de eso. Esto es un "survival horror" cinematográfico y una sucesión de escenas de terror y acción y fin. Y por eso resulta tan fresco, aunque se aproveche de una marca de forma un tanto descarada a pesar del cariño que le pone también.

"Resident Evil" de Zach Gregger empieza de una forma genial y acaba de una forma no tan genial. El inicio da muy mal rollo: la ambientación está de diez, la extrañeza está de diez, los seres asquerosos están de diez y la intriga está de diez. Le funciona además un humor negro que nunca resulta extraño.

A partir de aquí, todo es frenetismo, sangre, vísceras, cachondeo y monstruos cada vez más feos y terroríficos. Y algún homenaje, también. El problema viene en la recta final de la película y en el propio final: cuando todo está terminando se vuelve la cosa más exagerada, se pierde el elemento más de horror y, especialmente, desemboca la trama, ya de por sí mínima, en un desenlace tópico que es un puro lugar común andante y que es cien por cien predecible.

Esa conclusión para el filme, propia de películas de terror del cutre, no echa por tierra un cuerpo muy divertido y efectivo, pero sí desinfla el conjunto bastante, porque lo mediocriza todo y da hasta la impresión de ser una huida hacia adelante ante la imposibilidad de encontrar un cierre mejor que el de siempre de ochocientas películas iguales. Una pena.

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THE SNOWMAN AND THE SNOWDOG. UNA SECUELA COMERCIAL PERO MUY DIGNA

THE SNOWMAN AND THE SNOWDOG de Hilary Audus - 2012 - ("The Snowman and The Snowdog")

Aunque Raymond Briggs se resistió siempre bastante a esta idea, una secuela de "The Snowman", llamada "The Snowman and The Snowdog", se llevó finalmente a cabo para celebrar en las televisiones, en las Navidades del año 2012, el treinta aniversario del mítico cortometraje de Jimmy T. Murakami que se basaba en su libro de cuentos e ilustraciones.

Aunque volvió gran parte del equipo de animación original para esta segunda parte, el propio Murakami no lo hizo por encontrarse ya retirado (fallecería poco tiempo después, el 16 de febrero de 2014, a los ochenta años). 

Se pasa el testigo de la dirección a la animadora, diseñadora de efectos especiales y escultora Hilary Audus, que ya había trabajado en el mencionado equipo original de "The Snowman" y en otras películas del propio Murakami. 

Se emplearon exactamente las mismas técnicas (ya perfeccionadas, eso sí) para crear el cortometraje, que tuvo también una duración similar (23 minutos). 

"The Snowman and The Snowdog" es cierto que es una producción homenaje que, con la excusa de este homenaje, se dedica a calcar a su antecesora añadiéndole algunas cositas nuevas y poco más. Sin embargo, creo que esto y no otra cosa era lo que en esta ocasión los fans querían, y aunque se podría haber arriesgado mucho más, tampoco daba el cuento realmente para alargar mucho el chicle sin correr el riesgo de faltar a la esencia.

El mensaje es el mismo, la historia es la misma: ahora todo se desarrolla en Londres y ahora además de un muñeco de nieve el chico de marras tiene un perrito de nieve en honor a su perrito real, que murió. Hay una conexión con el filme de 1982 y el desenlace, aún siendo igualmente agridulce, tiene un punto algo más optimista y edulcorado. Llámenlo comercial si quieren, porque lo es, pero lo cierto es que tampoco es que desentone con el estilo general del cuento ni que falte a su mensaje. 

Hoy la crítica es muy corta, pero no hay mucho más en "The Snowman and The Snowdog". Homenaje nada arriesgado pero sentido y sincero y muy bien animado a uno de los cortos animados básicos de la década de los ochenta. Si sirve para promocionarlo y que no sea olvidado, me vale.

THE SNOWMAN. LA PRECIOSIDAD DE ADAPTACIÓN DEL CUENTO DE RAYMOND BRIGGS

THE SNOWMAN de Jimmy T. Murakami - 1982 - ("The Snowman")

Jimmy T. Murakami, un director irregular pero que cuenta con algunas de las obras animadas más importantes de los años ochenta en su haber, dirigió en 1982 la adaptación a las pequeñas pantallas de "The Snowman", el cuento ilustrado que el gran Raymond Briggs publicó en 1978. 

Aunque no es cien por cien fiel (especialmente porque le añade elementos navideños, tal vez más comerciales, a la trama original), sí que mantiene la esencia del relato y los dibujos sobre todo son idénticos. 

La historia es bien simple, es el cuento famoso que todos conocemos: un niño se hace amigo de un muñeco de nieve que construye en su jardín, el cual toma vida, y ambos viajan por mundos fantásticos.

Jimmy T. Murakami sabe captar toda la esencia de esta fábula sobre la pérdida de la inocencia, la entrada al mundo adulto, las ilusiones y los sueños confrontados con la realidad y la esperanza y la desesperanza que está abierta a otras miles de interpretaciones. 

En sus veintiséis minutos de duración, "The Snowman" consigue conmover, emocionar, poner los pelos de punta y hacer que cualquier niño de rienda suelta a su imaginación y, sobre todo, hacer que cualquier adulto pueda volver a su infancia, a esos días maravillosos sin colegio donde todo era posible. 

La animación es una delicia: sencillamente maravillosa. Para calcar el estilo del cuento de Briggs, el director opta por realizarla toda por medio de las técnicas de animación más tradicional y le da un uso mayoritario a modos de hacer clásicos como el lápiz, el uso del color pastel y el dibujo directo en el celuloide, todo en unos tonos cálidos y evocadores, capaces de crear un romanticismo de ensueño. 

El resultado es precioso, y si lo unimos a la estupenda banda sonora, con el tema central "Walking in the air" de Howard Blake y Peter Auty, tenemos uno de los cortometrajes animados más míticos de la historia.

La guinda del pastel la pone el gran David Bowie, que colaboraría con Murakami en su posterior obra, el largometraje "Cuando el viento sopla", y que realiza la introducción no animada de la pequeña película. 

"The Snowman", que tuvo una secuela muy tardía en el año 2012, "The Snowman and the Snowdog", también recomendable y que comentaré mañana, es una maravilla mítica que no debe ser olvidada.

ASIGNATURA PENDIENTE. EL FULMINANTE RETRATO DE LA TRANSICIÓN DEBUT DE GARCI

ASIGNATURA PENDIENTE de José Luis Garci - 1977 - ("Asignatura pendiente")

Después de mucho trabajo, José Luis Garci consiguió debutar en el largometraje con "Asignatura pendiente", que se produjo de forma cooperativa porque ninguna productora estaba interesada en financiarla y que fue, de forma instantánea, un clásico del cine español de la Transición y del cine español en general.

Estrenada en 1977, precisamente en medio de esa convulsa y complicada Transición a la democracia, "Asignatura pendiente" trata ya el asunto principal de la primera etapa del director: el peso que una dictadura deja en las personas que han tenido que vivirla y la manera de por fin salir adelante y dejarla atrás.

Unos espectaculares José Sacristán y Fiorella Faltoyano dan vida a unas personas que están entrando en la mediana edad y que, en la adolescencia, fueron brevemente pareja, tuvieron un amor de temporada. Cuando se reencuentran por pura casualidad, ya casados con otras personas y con hijos, descubren que tienen entre ambos eso mismo que el título del filme dice: una "asignatura pendiente".

Por medio de la relación nueva que entablan, Garci retrata una España que se abre con alegría y a la vez miedo a un nuevo mundo: Franco está muy enfermo y a punto de morir y todo el país está expectante con lo que vendrá después.

Usando unos diálogos geniales (su cine se apoyaría en las conversaciones cruzadas desde siempre), llenos de lucidez, de ternura y también de desolación, "Asignatura pendiente" retrata una España aplastada por décadas de tiranía que lucha ya por el cambio político en los últimos meses de vida del dictador y que se encuentra con montones de problemas y de desencanto y, además, con el peso insalvable de un pasado frustrante en el que el país no ha tenido libertad.

Las ansias de recuperar este pasado y de experimentar la mentada libertad real se enfrentan contra los propios problemas de dicha libertad, valga la redundancia, a la que no están acostumbrados aún los mismos españoles, y de una sociedad que aunque como he dicho se abre a la modernidad es imposible que deje de golpe todo lo que arrastra de opresión, hipocresía y corrupción.

"Asignatura pendiente" fue un clásico instantáneo y el banderazo de salida a una de las carreras más importantes del cine español. Verla hoy es una auténtica clase de historia sobre lo que fue la Transición Española a la democracia y, además, un deleite de la historia romántica desencantada que destroza sin piedad a la burguesía de su momento.

MI TÍO. LA OBRA MAESTRA DEL GAG DEMOCRÁTICO Y SOCIAL DE JACQUES TATI

MI TÍO de Jacques Tati - 1958 - ("Mon oncle")

"Mi tío" es la película más perfecta de la por desgracia muy corta filmografía de Jacques Tati y la más efectiva en todos los aspectos. Detrás de un humor aparentemente cándido y bienintencionado se esconde una de las críticas más brutales de su momento a la burguesía y a su postureo y al inhumano mundo mecanizado y superindustrial y megatecnológico que estaba por llegar. 

El genio de la comedia francés sigue practicando su "democracia del gag", la que ya mostró plenamente en "Las vacaciones del Señor Hulot", y retoma a aquel mismo Señor Hulot, valga la redundancia, que ahora ha vuelto de aquellas vacaciones en la costa y que trata de adaptarse como puede a la vida delirante en una gran ciudad que cada vez va perdiendo más su idiosincracia particular y única a favor de grandes bloques de cemento y cristal (y esta ciudad es nada más y nada menos que París). 

La película gira alrededor del absurdo chalet que la hermana de Hulot y su marido poseen, un lugar moderno, de diseño delirante y feo, feo, feo en donde este matrimonio se dedica a aparentar riqueza y buenas maneras y a dar fiestas tontas con gente tonta mientras su hijo pequeño se aburre mortalmente y sólo quiere salir con su tío, el bohemio de la familia, la oveja negra. 

Hulot, que por el contrario vive en un corralón de vecinos, en un pequeño cuarto, es feliz pero pobre y necesita un trabajo, y su cuñado se lo proporciona tirando de enchufes... Se imaginan lo que ocurre en este trabajo, que además está localizado en una fábrica con métodos que nada tienen que envidiar a los de las fábricas del Charles Chaplin de "Tiempos modernos". 

El Señor Hulot es la contraposición y la salvación de su horrenda familia: es sencillo, es tranquilo, es divertido, es juerguista, es alegre porque sí, y sabe divertirse y le importa un pito el quedar bien o mal con los que le rodean. Su sobrino le adora mientras siente un gran hastío por sus padres.

Jaques Tati se pone las botas y destroza sin piedad a un mundo en el que sólo cuenta el aparentar lo que uno no es, donde la hipocresía campa a sus anchas y donde la persecución del dinero y del producir y consumir sin parar han tomado la vida de las personas. Se pone en la picota a la mecanización, a la frialdad de un lugar donde nadie se conoce, a la arquitectura helada que transmite estos sentimientos tristes y al capitalismo salvaje que sólo busca el beneficio. 

"Mi tío" cuenta con escenas inolvidables: Tati se arma de valor y rueda, en planos lejanos, gags corales donde cada actor y actriz es totalmente independiente y donde todos interactúan con sus escenarios futuristas de diseño e irónicamente muy incómodos y nada funcionales (jamás olvidaré esa aberrante fuente con forma de pez, esos sillones en los que no se puede sentar nadie o ese jardín con losetas absolutamente estúpidas). 

Rodada en un precioso color y con una entrañable banda sonora, "Mi tío" fue un gran éxito y fue considerada una gran película y permitió a Tati rodar su obra más ambiciosa: "Playtime". Menos mal que Jacques Tati no vivió nuestros tiempos de redes sociales que no comunican a las personas, teléfonos móviles tiránicos, tecnología absurda y cazadores urbanos de Pokemon que sólo salen a la calle para eso mismo. Si se levantara hoy, se volvería a acostar de seguro.

EXTRAÑA PETICIÓN. UN DEBUT FLOJO CON UNA HELENA BONHAM CARTER FANTÁSTICA

EXTRAÑA PETICIÓN de Paul Greengrass - 1998 - ("The Theory of Flight")

Antes de despuntar como el excelente director de cine de acción y de retratos políticos que hasta ahora ha sido, el inglés Paul Greengrass tuvo unos inicios poco prolíficos y llenos de trabajos menores, algunos estrenados directamente para la televisión. 

Debutó en la pantalla grande con "Resurrected" en 1989, una película que no he encontrado por ninguna parte y de la que no se nada y, tras rodar varios telefilmes, volvió al gran cine casi diez años después con esta "Extraña petición", que es un drama bastante tópico y muy normalito aunque cuenta con una actuación fantástica de Helena Bonham Carter, todo hay que decirlo.

Greengrass todavía no había desarrollado un estilo propio y rueda una película cumplidora pero nada más. A un pintor que pasa por una crisis y que está obsesionado con construir una avioneta para poder volar lo envían, tras hacer una gran trastada (tirarse desde un edificio en plena vía pública con alas hechas por él mismo), a hacer trabajos sociales y a cuidar un tiempo de una joven discapacitada con problemas que quiere experimentar lo que es el sexo.

Sí, se pueden imaginar lo que ocurre. La trama se la saben de memoria, y es predecible punto por punto. "Extraña petición" está muy lejos de "Domingo sangriento", de las aportaciones del director a la saga de Jason Bourne y de películas con garra como "Capitán Phillips". Es muy normalita, no tiene mucha personalidad e interesa menos, a pesar de que, verse, se puede ver con un agrado medio.

Kenneth Branagh está en general bastante bien y, sobre todo, como he dicho, Helena Bonham Carter está estupenda (que la película de marras no sea maravillosa no quiere decir que ella en su papel no lo sea). Curiosidad para completistas de un primer y bastante desconocido Paul Greengrass, y nada más. La próxima obra suya ya sí sería la fantástica "Domingo sangriento".

LA MOMIA 2017. EL BODRIO TEMPRANO QUE ESTRELLÓ AL DARK UNIVERSE RECIÉN NACIDO

LA MOMIA de Alex Kurtzman - 2017 - ("The Mummy")

El Dark Universe duró, y nunca mejor dicho, dos telediarios, porque fue cancelado tras este horror llamado "La Momia" de 2017. Supuestamente tuvo su inicio en 2014 con aquella también barrabasada llamada "Drácula. La leyenda jamás contada" que comenté ayer, pero como cosechó (y con razón) unas críticas desastrosas, fue eliminada de un plumazo de dicho universo, que se reinició en su propio nacimiento con esta película que hoy comentamos.

Así se la gastan ya hoy en Hollywood: reinicios fallidos, re-reinicios, franquicias fallidas con entregas intercambiables, tres "Spiderman" diferentes en diez años (aunque esto lo solucionaron en parte en "Spiderman: No way home"), un universo cancelado de villanos de Spiderman sin Spiderman... Esto es lo que hay.

"La Momia" fue una de las peores infamias de su década. Peor que la de Drácula anterior mentada, que ya es decir. Fue perpetrada por un habitual de diversas series, Alex Kurtzman, que debutaba entonces en el largo.

Se quería aquí arreglar el inicio con Drácula del universo cinematográfico de los monstruos de marras y lo empantanaron todavía más con este pedazo de basura con todas las letras que además se vendió, a su vez, como un reinicio de aquella trilogía de "La Momia" protagonizada por Brendan Fraser que tanto nos divirtió (la primera solamente, en realidad, las otras dos apestaban) a finales de los noventa y en la década siguiente (y que parece que va a volver en una cuarta entrega, por cierto).

"La Momia" del Dark Universe es un despropósito como una pirámide. Como varias pirámides. Tiene un guión vomitivo, pueril, que es una completa felonía. Lagunas por todas partes, giros idiotas, ridiculeces, diálogos demenciales, incongruencias a tutiplén: un poema. 

Tom Cruise, en el que es uno de sus peores papeles en décadas (no tiene ni ganas de actuar y lo transmite todo el rato, es verdaderamente indignante: está frito por terminar y largarse a su casa), queda maldito por una momia y conserva su cuerpo original mientras la mala de turno está podrida y llena de vendas. Russell Crowe (que tampoco tiene ganas de actuar, aunque lo disimula mejor) es el Doctor Jekyll, que dirige una organización que cuenta con tecnología suficiente como para encarcelar a un dios pero que luego usa una incómoda jeringuilla "steampunk" para inyectarse el antídoto que le librará de transformarse en Mr. Hyde, lo cual le crea problemas continuamente porque no aprende a usar un método más sencillo y moderno, a pesar de que llevará años inyectándose (hay que ser gilipollas, en serio). 

Después tenemos escenas de acción lamentables con unos zombies que parecen los Masilla de los "Power Rangers", unos cruzados esqueléticos que nadie sabe qué hacen ahí y que dan por saco a los protagonistas, un humor diarreico, unos secundarios vergonzosos y sin puñetera la gracia y unos diálogos sencillamente asquerosos (eso de "maté a un bebé en el Antiguo Egipto, pero eran otros tiempos" es para reír o llorar). 

Todo es terrible en esta bazofia que fue un fulminante fracaso tanto de crítica como de público en su año. Y aquí se acabó este Dark Universe que podemos decir que prácticamente nació cancelado. No tendríamos jamás a los monstruos clásicos de la Universal en un grupo a lo Vengadores o X-Men. Y de esta forma, ni ganas. ¿Se reiniciará el proyecto algún día? Bien hecho podría ser interesante.