RUBEN BRANDT, COLECCIONISTA. IRREGULAR PERO DIFERENTE, SUGERENTE Y PRECIOSA

RUBEN BRANDT, COLECCIONISTA de Milorad Krstic - 2018 - ("Ruben Brandt, a gyujto")

"Ruben Brandt, coleccionista", primera película del animador y también pintor y artista multimedia esloveno Milorad Krstic (la segunda, de 2025, se llama "MouMoush, The King of Plastic", y está por estrenarse según leo) y coproducción entre Eslovenia y Hungría, país en el que él reside, es una película de animación de esas que, en un mercado algo saturado, pienso, de obras que copian el estilo de Pixar y el de Ghibli, podemos etiquetar perfectamente como "diferente".

A caballo entre el "noir", el filme de ladrones y el drama psicológico, "Ruben Brandt, coleccionista" es un homenaje el arte en todos sus ámbitos y especialmente al pictórico que establece una loca aventura moderna en una sugerente Europa cultural donde cada ambiente y personaje está recreado según un estilo artístico diferente.

Ruben Brandt es un famoso psicólogo especialista en trabajar los traumas por medio del arte que tiene constantes pesadillas con cuadros famosos que tratan de atacarle. Un grupo de ladrones profesionales a los que trata en su terapia buscarán la manera de robar estos cuadros para él y tratarle a su vez por este medio como él los trata a ellos, valga la redundancia.

Sirviéndose de una intriga interesante y de unas escenas de acción geniales (la primera persecución en el coche es espectacular), el filme desarrolla una parábola sobre cómo el arte está en todas partes, nos condiciona, nos cambia. Para bien y para mal. 

La animación, mezcla de 2D y 3D, es lo más maravilloso que tiene sin ninguna duda. Cada escenario, cada personaje, cada escena, es una delicia para los sentidos. Vamos a tener seres y espacios expresionistas, cubistas, surrealistas, picassianos, art-deco y hasta "clásicos" reinterpretados en un juego constante de referencias, símbolos y plasticidad.

Además, hay más homenajes, esta vez cinéfilos: en especial, al cine negro clásico norteamericano y europeo. Desde la Nouvelle-Vague a Alfred Hitchcock pasando por Luís Buñuel o Fritz Lang o títulos clave como "El Halcón Maltés" o "Rififí".

El único problema que el filme tiene es que presenta muchos personajes y muchos de ellos no son muy profundos y que, en su parte final, adolece de un ritmo bastante abrupto y de una trama errática que, combinados, hacen que el conjunto decaiga y se pierda un poco. Empieza todo muchísimo mejor de lo que termina, y eso es una verdadera pena.

Pero a pesar del desinfle que encontramos en dicha última parte, "Ruben Brandt, coleccionista" es una obra animada como he dicho muy diferente a lo que vemos hoy, con una estética impresionante e inolvidable, personalísima, y con un trama extremadamente original. Lástima, insisto, en que no quede pulida como debiera por sus irregularidades.

TE VAN A MATAR. UN DIVERTIMENTO LOCO QUE EMPIEZA MEJOR DE LO QUE ACABA

TE VAN A MATAR de Kirill Sokolov - 2026 - ("They will kill you")

"Te van a matar", del ruso Kirill Sokolov, es una película que funciona a medias, que es un refrito consciente (con homenaje descarado al "Kill Bill" de Quentin Tarantino y a su cine en general) que se regocija en ello y que trata de conjugar el cachondeo gore de terror con un mensaje sobre el clasismo, el racismo o los supuestos problemas de la inmortalidad que se queda esbozado solamente.

Vamos con lo bueno: la película tiene una estética cuidadísima y muy bella (sus interiores son exquisitos), tiene escenas de acción muy potentes (la primera es espectacular), tiene una estructura narrativa ágil y que marcha bien (de nuevo homenaje al cine de Tarantino, lo que no se oculta) y tiene un sentido de la comedia negra muy divertido y unos personajes paródicos conscientemente gruesos que funcionan y que además están bien interpretados.

Por contra, es una de esas películas que van perdiendo fuerza progresivamente y que, en su desenlace, se han desinflado ya por completo. 

Este desenlace, si bien tampoco trata de inventar la rueda y se regodea en sus propios tópicos, se pasa con el tópico y trata de ser forzadamente canalla, por lo cual el humor negro mencionado que antes había funcionado tan bien pierde mucha fuerza. Además, los mensajes sociales que presentaba se quedan en poca cosa.

Zazie Beetz está fantástica en su papel por otra parte: tiene carisma y su personaje funciona. También los secundarios están sobrados y divertidísimos: en especial, creo que Heather Graham (me encanta tenerla de vuelta: hacía mucho que no la veía en una película), Patricia Arquette (fantástica) y Tom Felton delinean unos caracteres loquísimos y divertidisimos que también dan su mal rollito.

"Te van a matar" no va a cambiar el terror ni la acción ni la comedia ni el cine negro, pero es una película entretenida. Una lástima el bajón que mete en su parte final, porque empezaba verdaderamente bien y esto le impide por completo ser algo más que un divertimento sangriento.

¡LA NOVIA! UNA IDEA CON POSIBILIDADES PÉSIMAMENTE LLEVADA A CABO

¡LA NOVIA! de Maggie Gyllenhaal - 2026 - ("The Bride!")

"La hija oscura" de Maggie Gyllenhaal me parece una película espectacular y en este blog doy fe de ello: la tenéis reseñada en esta etiqueta. No obstante, creo que la directora y actriz ha metido la pata bastante con su segunda creación, esta "¡La novia!".

El punto de partida me parece jugoso e interesantísimo: una nueva versión de "La novia de Frankenstein" ambientada en los años 30. ¿Qué se podría haber hecho con esto? ¡Había muchas opciones! Y la que escoge Gyllenhaal no me parece mala, pero sí que está muy mal ejecutada.

Mensaje de empoderamiento, alegato por la humanidad y por la diferencia, mafiosos malévolos para ser masacrados, revueltas sociales y un romance apasionado hasta el final. Perfecto todo a priori. Y luego, una estética preciosa, cargada de riqueza en su representación histórica tanto en los interiores como en los exteriores. Hasta aquí, todo bien en el filme.

El problema viene con la indefinición y lo increíblemente errático de su trama, que para colmo es pedante y pretenciosa, y con el poco desarrollo de sus personajes, especialmente de la pareja protagonista.

Maggie Gyllenhaal va saltando de una escena a otra tras una introducción más o menos ordenada y todo acaba en un batiburrillo de momentos ensamblados de forma descoordinada, de giros de guión bruscos de puro volantazo, de topicazos que se van recrudeciendo, de secundarios que se quedan colgando de mala manera y de frases y referencias artísticas y filosóficas colocadas al tun-tun. Especialmente se va perdiendo todo en este laberinto de hechos y elementos conforme se va acercando el final, muy brusco.

Miren que Jessie Buckley y Christian Bale están espléndidos y miren que tienen verdadera química, pero sus interpretaciones y su química no funcionan con personajes tan planos y en medio de semejante desaguisado que aburre, y mucho, más pronto que tarde.

Una verdadera lástima "¡La novia!". Una premisa y un material que daban para muchísimo y que se quedan en un refrito de los malos. Espero que Maggie Gyllenhaal sólo haya tenido un patinazo y que en su tercera película vuelva a la espectacular calidad que desplegó en "La hija oscura".

DÍA DE FIESTA. EL LOCO E IRÓNICO DEBUT DEL GRAN CÓMICO JACQUES TATI

DÍA DE FIESTA de Jacques Tati - 1949 - ("Jour de fête")

La historia del cine es en gran parte una historia de incomprensión. Autores magistrales como Orson Welles o Jean Vigo fueron siempre incomprendidos y víctimas de los problemas económicos en sus ambiciosas producciones. El francés Jacques Tati fue otro de ellos. 

Aunque es hoy reconocido como se merece, como uno de los más grandes y personales humoristas del séptimo arte, al nivel perfectamente de otros inmortales maestros del gag como Charles Chaplin o Buster Keaton, en su día fue poco comprendido y siempre tuvo problemas monetarios para sacar adelante sus obras. 

Su filmografía es muy corta, pero es única. Su humor es fino, y está basado en el gag pequeño, casi mínimo, pero cargado de significado. Sus películas son casi todas prácticamente mudas: los diálogos son cortos y también mínimos. Suele utlizar planos lejanos para retratar escenarios llenos de acciones cómicas muy ricos. 

En todas sus cintas hay una crítica sutil al mundo moderno, a la tecnología, a la automatización, a la burguesía rancia, al afán de copiar los inhumanos modelos capitalistas norteamericanos, a la deshumanización de las ciudades, y en todas hay un llamamiento a la vida simple, fácil, feliz, sosegada, sin complicaciones. 

Creó, al igual que Chaplin a Charlot, al Señor Hulot, un hombre sencillo, tranquilo, que siempre suele meterse en líos y que hoy es un icono indiscutible del cine francés.

En "Día de fiesta", la primera película de Jacques Tati, no aparece todavía el mencionado Señor Hulot (lo haría a partir de la segunda, "Las vacaciones del Señor Hulot"). El protagonista es un cartero, François, que tras ver una película publicitaria sobre el supuestamente hiper eficiente correo norteamericano, decide tratar de imitar a estos americanos y transforma su vida en un caos.

"Día de fiesta" es una crítica al capitalismo de los USA y un grito a favor de la vida tranquila en los pueblos de Europa. El cartero se ve obligado a integrarse en un medio de producción inhumano y brutal y no para de crear problemas. Es una crítica sutil, inteligente, pero decidida. 

La película es una delicia de gags físicos cargados de inventiva e ironía pero también de ternura; una pequeña joyita de la comedia. En su día, fue la primera película francesa filmada en color con intención moderna, pero hubo de proyectarse en blanco y negro finalmente por el elevado coste y el todavía experimental formato "Thompsoncolor". Posteriormente, fue restaurada y exhibida tal y como era. 

"Día de fiesta" fue un éxito y una de las comedias más personales del cine francés, el éxito que inauguró una carrera extremadamente personal e inimitable pero que sufrió muchos reveses, tristemente.

IRONHEART. UNA SERIE VAPULEADA QUE SIN SER UNA JOYA CREO QUE CUMPLE

IRONHEART de Chinake Hodge - 2025 - ("Ironheart")

En general ha sido bastante vapuleada, pero "Ironheart" a mí me ha parecido, sin ser la quintaesencia de las series de Marvel y sin ser una gran serie (porque no lo es en absoluto, ahí estoy de acuerdo) un nuevo capítulo episódico del UCM digno a pesar de tener cosas en las que flojea.

Riri Williams se estrena en su propia aventura después de "Wakanda Forever" y lo hace con carisma aceptable, pienso, mientras que su personaje se desarrolla, pienso también, bien y con coherencia y, además, con traumas y conflictos. Por otra parte, el villano de la función que la acompaña, The Hood, también tiene otros traumas y conflictos y resulta interesante en todo momento. Ambos están solventemente interpretados por Dominique Thorne y Anthony Ramos, respectivamente.

Los secundarios sí que son algo irregulares, en especial los otros antagonistas. Sí salvaría a Ezekiel Stane, bien interpretado también por Alden Ehrenreich: tiene otro conflicto interno interesante y es atractivo por ello. El resto están en lo difuso y en lo olvidable en general, lo reconozco, y es una pena.

La trama se sigue bien por otra parte, y aunque tiene pocas sorpresas, sí que ofrece choques entre los caracteres que intentan salirse de lo habitual y que tratan bien temas como la muerte, el peso del pasado, la amistad, el amor o el odio.

Las escenas de acción cumplen, los diálogos no son inolvidables pero también lo hacen y el empaque en el Universo Cinematográfico de Marvel vuelve a ser una suerte de prólogo de una nueva etapa o mini-etapa pero está bien encajado.

La reseña de hoy es corta, bastante corta, en especial teniendo en cuenta que esto es un capítulo que supuestamente tendrá importancia en el UCM futuro (y yo suelo detenerme analizando esto) pero, la verdad, no hay mucho más que decir porque tampoco da muchas más pistas de ello.

Reconozco que "Ironheart" es una serie absolutamente normal y corriente, pero también pienso que, sin ser desde luego una "Daredevil" o una "Peacemaker" de DC, como producción de supheréroes para la pequeña pantalla cumple. Sí, daba para muchísimo más, y no lo niego. Pero tampoco la he visto tan extremadamente horrorosa como la está viendo tantísima gente.

CASTLEVANIA: NOCTURNO. UNA SEGUNDA TEMPORADA QUE CIERRA TODO MUY BIEN

CASTLEVANIA: NOCTURNO de Clive Bradley - De 2024 a 2025 - ("Castlevania: Nocturne")

La segunda temporada de "Castlevania: Nocturno" cierra hasta nueva orden la serie, que se encuentra según Sam Deats, uno de sus directores, "en pausa" (puede haberla, puede no haberla finalmente: imagino que todavía se estará evaluando su rendimiento).

El cierre que tiene ahora es no obstante, de ser definitivo, coherente y lógico, y si bien deja tramas abiertas no las deja cortadas de golpe, mientras que por otro lado todos los personajes terminan de desarrollarse.

Retomamos la historia donde la dejamos y volvemos a tener una aventura de lucha contra el mal, de anhelos humanos y de batalla política (la ambientación en tiempos de la Revolución Francesa le sentó genial a la primera temporada y aquí se repite el logro) llena de lecturas interesantes (en este caso, se llega incluso a tocar un tema tan actual como las cazas de brujas y las revanchas y venganzas políticas y sociales, aquí representadas en el incipiente Reinado del Terror francés).

Los protagonistas y los villanos continúan (con todo su carisma) su enfrentamiento, y las relaciones entre todos ellos se van estrechando: amor, amistad, familia, relevo generacional, odio, perdón, trauma y peso del pasado, competición brutal, opresión y revolución, colonialismo e imperialismo europeo en otros continentes... Todos estos asuntos vuelven y vuelven con diálogos magníficos.

Los personajes, además, no son planos, no son blancos ni negros cien por cien: existe una gran escala de grises en todos ellos que se acentúa todavía más tras la primera temporada en las conclusiones de esta segunda.

El sentido épico de la acción se mezcla de nuevo con el terror propio de la franquicia, que sigue explotando un plantel de criaturas de las tinieblas magnífico y lleno de su imaginación característica.

Finalmente, encontramos de nuevo esa descompensación en la calidad de la animación de la primera temporada: a veces dicha animación es verdaderamente espectacular y a veces es esquemática. Por suerte, estas segundas veces quedan en un segundo plano ante las primeras: cuando la animación, valga la redundancia, es buena en esta serie, es buena de verdad, y en especial sus combates son una delicia, una maravilla de la fluidez y de la potencia.

"Castlevania: Nocturno" se cierra hasta nueva orden dejando un listón alto y complementando perfectamente a su primera serie, "Castlevania". Gustará al fandom del videojuego y a la persona profana.

GRACIAS POR VENIR A VER ROCKY A QUÉ GRANDE ES SER FRIKI

¡GRACIAS!

Otra sesión de "¡Qué grande es ser friki!" con la sala llena y el público entregadísimo. Gracias por haber venido a ver "Rocky" con nosotros. 😍

¡Tened un buen viernes!

HOY, JUEVES 26, ROCKY EN V.O.S. EN QUÉ GRANDE ES SER FRIKI, EN MÁLAGA

ESTA TARDE, ROCKY EN QUÉ GRANDE ES SER FRIKI

¡LLEGÓ EL DÍA! 🤠 Esta tarde a las 19.00 horas te ponemos "Rocky" en el Cine Albéniz de Málaga en V.O.S. y luego hacemos coloquio sobre la película, el director... 

¡Nos vemos allí! 😃 

EL MUNDO DE GEORGE APLEY. UNA BUENA COMEDIA MÁS IRÓNICA DE LO QUE PARECE

EL MUNDO DE GEORGE APLEY de Joseph L. Mankiewicz - 1947 - ("The Late George Apley")

También en 1947 Joseph. L. Mankiewicz dirigió, junto a "El fantasma y la Señora Muir", "El mundo de George Apley", una película completamente diferente y que, a pesar no contarse entre las grandes del autor, tiene más interés del que en un principio pueda parecer. 

El filme comienza como una comedia de costumbres amable pero se va desarrollando poco a poco como un drama en el que estas costumbres terminan oprimiendo a los individuos y destrozando sus vidas. 

Ronald Colman (genial) es George Apley, un bostoniano que a pesar de ser una buena persona es tan excesivamente anticuado para su tiempo que piensa que el pequeño mundo que gira a su alrededor es el único mundo de existe, el de la ciudad de Boston. 

George sigue la misma rutina todos los días, todas las semanas y todos los meses desde hace años; no sale de su ciudad para nada si no es estrictamente necesario, siempre lee los mismos libros, no va a fiestas nuevas, no hace nada nuevo, aburre a su mujer, sus amigos son todos copias suyas que se reúnen en el mismo club, siempre celebra el mismo Día de Acción de Gracias con el mismo plan y, lo que es más grave, espera que sus hijos sean iguales que él. 

Pero la cosa se complica, porque sus hijos se enamoran... De dos personas a las que él no aprueba y que para colmo no son de su "perfecta" e "inmaculada" Boston. A partir de este momento, la vida de George va a experimentar un cambio inesperado y su personaje va a resultar mucho más profundo y con más dilemas y hasta traumas de los que prometía en un principio.

"El mundo de George Apley", aún ambientada en 1912, es una crítica clara a la sociedad de su tiempo, los años cuarenta, en los que en los USA (y en muchísimos lugares más, por supuesto) las apariencias eran lo más importante y los padres delineaban el camino que sus hijos habían de seguir por la fuerza. 

Mankiewicz, por medio de unos diálogos fabulosos, ataca a la hipocresía de las clases altas, a la represión amorosa y sexual (impagables los referidos a Sigmund Freud), a la incomunicación en el matrimonio y entre padres e hijos, al enchufismo, a la intransigencia, al abandono de los sueños vitales por exigencias sociales y sobre todo al provincianismo pacato que todas estas cosas juntas crean en una ciudad (Boston es esta ciudad provinciana, un infierno de aburrimiento y tontería que se contrapone a la abierta y siempre vanguardista y vecina Nueva York). 

Sobra decir que la ambientación de época es riquísima y que el ritmo de la cinta es delicioso, así como su suave paso de la mencionada comedia de costumbres al claro drama cotidiano. 

"El mundo de George Apley", una de las películas menos conocidas de su director y tal vez ensombrecida en el mismo año de su estreno por la comentada ayer "El fantasma y la Señora Muir" y posteriormente por otras de sus grandes obras es una cinta que merece, y mucho, la pena y que, además, resulta sorprendente. Muy recomendable y digna de ser rescatada y reivindicada.

EL FANTASMA Y LA SEÑORA MUIR. LA PRIMERA OBRA MAESTRA DE MANKIEWICZ

EL FANTASMA Y LA SEÑORA MUIR de Joseph L. Mankiewicz - 1947 - ("The Ghost and Mrs. Muir")

En 1947 Joseph L. Mankiewicz dirige dos películas, "El mundo de George Apley" y esta "El fantasma y la Señora Muir". Con ambas, muy diferentes, empieza a despuntar el gran director que en breve iba a entregar un enorme puñado de las más grandes obras maestras del Hollywood dorado. 

La premisa de "El fantasma y la Señora Muir" podría asustar a demasiados cinéfilos, y más viniendo el filme de la segunda mitad de los años cuarenta del pasado siglo, donde lo azucarado y lo políticamente correctísimo (de su época) estaba a la orden del día en las producciones comerciales de amor: la película narra un romance entre una mujer viuda y el fantasma de un viejo capitán en la vieja mansión que este tenía cerca del mar. 

Sí, de buenas a primeras suena a película romántica ñoña y extremadamente comercial (comercial en el peor de los sentidos). Pero nada más lejos de la realidad: "El fantasma y la Señora Muir" es la primera obra maestra de Mankiewicz y una muestra de maestría tras la cámara y tras el guión apabullante. 

Porque hay que ser un buen guionista y un buen director para hacer bien una historia de amor sobrenatural sin caer en las mencionadas ñoñerías, en el efectismo barato o en la tontería argumental. 

La historia que Mankiewicz narra es una maravilla que equilibra perfectamente el romanticismo con un ajustadísimo toque de comedia y que tiene unos diálogos brillantes (uno de los grandes puntos fuertes del director) y unas escenas para el recuerdo con un poder evocador y melancólico prodigioso.

Porque "El fantasma y la Señora Muir" emociona, vaya que sí, y lo hace sin recurrir a los trucos fáciles de los que suelen abusar este tipo de historias (las de su tiempo y las de hoy en día). 

Ayuda una dirección precisa y con el aura fantástica muy ajustada y una música absolutamente preciosa de Bernard Herrmann que pone los pelos de punta y que fue justamente valorada en su día. 

Y ayudan, sobre todo, las inolvidables interpretaciones de unos maravillosos Gene Tierney y Rex Harrison que despliegan una química envidiable como pareja estelar y que tanto en los momentos delirantes como en los tiernos tocan el alma del espectador. Ojalá la mitad de las películas románticas fuesen como ésta. Mankieciwz despegaba definitivamente con ella.