CASTLEVANIA: NOCTURNO. UNA SEGUNDA TEMPORADA QUE CIERRA TODO MUY BIEN

CASTLEVANIA: NOCTURNO de Clive Bradley - De 2024 a 2025 - ("Castlevania: Nocturne")

La segunda temporada de "Castlevania: Nocturno" cierra hasta nueva orden la serie, que se encuentra según Sam Deats, uno de sus directores, "en pausa" (puede haberla, puede no haberla finalmente: imagino que todavía se estará evaluando su rendimiento).

El cierre que tiene ahora es no obstante, de ser definitivo, coherente y lógico, y si bien deja tramas abiertas no las deja cortadas de golpe, mientras que por otro lado todos los personajes terminan de desarrollarse.

Retomamos la historia donde la dejamos y volvemos a tener una aventura de lucha contra el mal, de anhelos humanos y de batalla política (la ambientación en tiempos de la Revolución Francesa le sentó genial a la primera temporada y aquí se repite el logro) llena de lecturas interesantes (en este caso, se llega incluso a tocar un tema tan actual como las cazas de brujas y las revanchas y venganzas políticas y sociales, aquí representadas en el incipiente Reinado del Terror francés).

Los protagonistas y los villanos continúan (con todo su carisma) su enfrentamiento, y las relaciones entre todos ellos se van estrechando: amor, amistad, familia, relevo generacional, odio, perdón, trauma y peso del pasado, competición brutal, opresión y revolución, colonialismo e imperialismo europeo en otros continentes... Todos estos asuntos vuelven y vuelven con diálogos magníficos.

Los personajes, además, no son planos, no son blancos ni negros cien por cien: existe una gran escala de grises en todos ellos que se acentúa todavía más tras la primera temporada en las conclusiones de esta segunda.

El sentido épico de la acción se mezcla de nuevo con el terror propio de la franquicia, que sigue explotando un plantel de criaturas de las tinieblas magnífico y lleno de su imaginación característica.

Finalmente, encontramos de nuevo esa descompensación en la calidad de la animación de la primera temporada: a veces dicha animación es verdaderamente espectacular y a veces es esquemática. Por suerte, estas segundas veces quedan en un segundo plano ante las primeras: cuando la animación, valga la redundancia, es buena en esta serie, es buena de verdad, y en especial sus combates son una delicia, una maravilla de la fluidez y de la potencia.

"Castlevania: Nocturno" se cierra hasta nueva orden dejando un listón alto y complementando perfectamente a su primera serie, "Castlevania". Gustará al fandom del videojuego y a la persona profana.

GRACIAS POR VENIR A VER ROCKY A QUÉ GRANDE ES SER FRIKI

¡GRACIAS!

Otra sesión de "¡Qué grande es ser friki!" con la sala llena y el público entregadísimo. Gracias por haber venido a ver "Rocky" con nosotros. 😍

¡Tened un buen viernes!

HOY, JUEVES 26, ROCKY EN V.O.S. EN QUÉ GRANDE ES SER FRIKI, EN MÁLAGA

ESTA TARDE, ROCKY EN QUÉ GRANDE ES SER FRIKI

¡LLEGÓ EL DÍA! 🤠 Esta tarde a las 19.00 horas te ponemos "Rocky" en el Cine Albéniz de Málaga en V.O.S. y luego hacemos coloquio sobre la película, el director... 

¡Nos vemos allí! 😃 

EL MUNDO DE GEORGE APLEY. UNA BUENA COMEDIA MÁS IRÓNICA DE LO QUE PARECE

EL MUNDO DE GEORGE APLEY de Joseph L. Mankiewicz - 1947 - ("The Late George Apley")

También en 1947 Joseph. L. Mankiewicz dirigió, junto a "El fantasma y la Señora Muir", "El mundo de George Apley", una película completamente diferente y que, a pesar no contarse entre las grandes del autor, tiene más interés del que en un principio pueda parecer. 

El filme comienza como una comedia de costumbres amable pero se va desarrollando poco a poco como un drama en el que estas costumbres terminan oprimiendo a los individuos y destrozando sus vidas. 

Ronald Colman (genial) es George Apley, un bostoniano que a pesar de ser una buena persona es tan excesivamente anticuado para su tiempo que piensa que el pequeño mundo que gira a su alrededor es el único mundo de existe, el de la ciudad de Boston. 

George sigue la misma rutina todos los días, todas las semanas y todos los meses desde hace años; no sale de su ciudad para nada si no es estrictamente necesario, siempre lee los mismos libros, no va a fiestas nuevas, no hace nada nuevo, aburre a su mujer, sus amigos son todos copias suyas que se reúnen en el mismo club, siempre celebra el mismo Día de Acción de Gracias con el mismo plan y, lo que es más grave, espera que sus hijos sean iguales que él. 

Pero la cosa se complica, porque sus hijos se enamoran... De dos personas a las que él no aprueba y que para colmo no son de su "perfecta" e "inmaculada" Boston. A partir de este momento, la vida de George va a experimentar un cambio inesperado y su personaje va a resultar mucho más profundo y con más dilemas y hasta traumas de los que prometía en un principio.

"El mundo de George Apley", aún ambientada en 1912, es una crítica clara a la sociedad de su tiempo, los años cuarenta, en los que en los USA (y en muchísimos lugares más, por supuesto) las apariencias eran lo más importante y los padres delineaban el camino que sus hijos habían de seguir por la fuerza. 

Mankiewicz, por medio de unos diálogos fabulosos, ataca a la hipocresía de las clases altas, a la represión amorosa y sexual (impagables los referidos a Sigmund Freud), a la incomunicación en el matrimonio y entre padres e hijos, al enchufismo, a la intransigencia, al abandono de los sueños vitales por exigencias sociales y sobre todo al provincianismo pacato que todas estas cosas juntas crean en una ciudad (Boston es esta ciudad provinciana, un infierno de aburrimiento y tontería que se contrapone a la abierta y siempre vanguardista y vecina Nueva York). 

Sobra decir que la ambientación de época es riquísima y que el ritmo de la cinta es delicioso, así como su suave paso de la mencionada comedia de costumbres al claro drama cotidiano. 

"El mundo de George Apley", una de las películas menos conocidas de su director y tal vez ensombrecida en el mismo año de su estreno por la comentada ayer "El fantasma y la Señora Muir" y posteriormente por otras de sus grandes obras es una cinta que merece, y mucho, la pena y que, además, resulta sorprendente. Muy recomendable y digna de ser rescatada y reivindicada.

EL FANTASMA Y LA SEÑORA MUIR. LA PRIMERA OBRA MAESTRA DE MANKIEWICZ

EL FANTASMA Y LA SEÑORA MUIR de Joseph L. Mankiewicz - 1947 - ("The Ghost and Mrs. Muir")

En 1947 Joseph L. Mankiewicz dirige dos películas, "El mundo de George Apley" y esta "El fantasma y la Señora Muir". Con ambas, muy diferentes, empieza a despuntar el gran director que en breve iba a entregar un enorme puñado de las más grandes obras maestras del Hollywood dorado. 

La premisa de "El fantasma y la Señora Muir" podría asustar a demasiados cinéfilos, y más viniendo el filme de la segunda mitad de los años cuarenta del pasado siglo, donde lo azucarado y lo políticamente correctísimo (de su época) estaba a la orden del día en las producciones comerciales de amor: la película narra un romance entre una mujer viuda y el fantasma de un viejo capitán en la vieja mansión que este tenía cerca del mar. 

Sí, de buenas a primeras suena a película romántica ñoña y extremadamente comercial (comercial en el peor de los sentidos). Pero nada más lejos de la realidad: "El fantasma y la Señora Muir" es la primera obra maestra de Mankiewicz y una muestra de maestría tras la cámara y tras el guión apabullante. 

Porque hay que ser un buen guionista y un buen director para hacer bien una historia de amor sobrenatural sin caer en las mencionadas ñoñerías, en el efectismo barato o en la tontería argumental. 

La historia que Mankiewicz narra es una maravilla que equilibra perfectamente el romanticismo con un ajustadísimo toque de comedia y que tiene unos diálogos brillantes (uno de los grandes puntos fuertes del director) y unas escenas para el recuerdo con un poder evocador y melancólico prodigioso.

Porque "El fantasma y la Señora Muir" emociona, vaya que sí, y lo hace sin recurrir a los trucos fáciles de los que suelen abusar este tipo de historias (las de su tiempo y las de hoy en día). 

Ayuda una dirección precisa y con el aura fantástica muy ajustada y una música absolutamente preciosa de Bernard Herrmann que pone los pelos de punta y que fue justamente valorada en su día. 

Y ayudan, sobre todo, las inolvidables interpretaciones de unos maravillosos Gene Tierney y Rex Harrison que despliegan una química envidiable como pareja estelar y que tanto en los momentos delirantes como en los tiernos tocan el alma del espectador. Ojalá la mitad de las películas románticas fuesen como ésta. Mankieciwz despegaba definitivamente con ella.

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¡Feliz domingo! 😊

HOGAR A LA DERIVA. UN BELLO RETRATO EMOCIONAL DEL PASO A LA MADUREZ

HOGAR A LA DERIVA de Hiroyasu Ishida - 2022 - ("Ame wo Tsugeru Hyouryuu Danchi")

No está oficialmente inspirada en el terrorífico y desasosegante manga "Aula a la deriva" del gran Kazuo Umezu según he leído, pero sí creo que esa inspiración, valga la redundancia, está en un porcentaje aunque sea mínimo en "Hogar a la deriva" del Studio Colorido, aunque el tono de ambas obras sea radicalmente diferente (eso aparte de que el tropo de niños que son transportados a otra dimensión o lugar similar está muy presente en el arte japonés desde siempre).

Segunda película de Hiroyasu Ishida, "Hogar a la deriva", (la primera es "Penguin Higway", que tenéis comentada en el blog en esta etiqueta) narra eso de nuevo: un grupo de estudiantes que están en la pubertad o cerca de alcanzarla son transportados, dentro de un edificio abandonado que va a ser demolido, a un mar inmenso e interminable donde flota dicho edificio y del que deberán buscar la manera de salir.

 Este mar interminable, junto con el mencionado edificio, que les sirve de barco surrealista y que antes de ser abandonado fue importante para estos niños, son además unos lugares emocionales que se constituyen en símbolos de lo que dichos niños están viviendo en la primera época complicada de sus vidas.

Con unos personajes muy bien desarrollados, Ishida nos lleva por un periplo de crecimiento personal y de procesamiento de la pérdida, de sentimientos ocultos o reprimidos y de falta de comunicación que culmina en un enfrentamiento con el final de la infancia y la entrada en la primera madurez, que vienen unidas a la necesidad y a la obligación de asumir un pasado que quedó atrás.

"Hogar a la deriva" habla de esa etapa que todo el mundo ha vivido, que puede ser apasionante y a la vez dolorosa, con diálogos magníficos además y con varias sorpresas en una trama que nunca se resiente en interés y en la que, si bien predomina lo realista mágico e incluso lo lírico, hay espacio para algún punto kafkiano o siniestro.

El segundo filme de Hiroyasu Ishida cuenta además con una animación deliciosa marcada por unos escenarios especialmente bellos y le confirma como un director prometedor de su país. Continuaré siguiendo su carrera.

EL JUEVES 26, ROCKY EN V.O.S. EN QUÉ GRANDE ES SER FRIKI, EN MÁLAGA

ROCKY, EN QUÉ GRANDE ES SER FRIKI

El próximo jueves 26 de marzo volvemos a "¡Qué grande es ser friki!" y vemos "Rocky" en V.O.S. en el Cine Albéniz de Málaga y luego hacemos coloquio con Santiago Bustamante en el que participo.

Te esperamos.😃

Entradas EN LA WEB DEL MUSEO DEL VIDEOJUEGO DE MÁLAGA.

Tened un feliz jueves.

MORIR TODAVÍA. EL PRIMER PATINAZO ARTÍSTICO DE KENNETH BRANAGH

MORIR TODAVÍA de Kenneth Branagh - 1991 - ("Dead again")

El primer patinazo de Kenneth Branagh como director fue, para mi por lo menos, su segunda película, esta "Morir todavía" que homenajea al cine negro del Hollywood clásico y, sobre todo, al cine del maestro del suspense Alfred Hitchcock. 

Después de una maravilla indiscutible como "Enrique V" y antes de otras grandes películas como "Mucho ruido y pocas nueces", "En lo más crudo del crudo invierno" o su versión de "Hamlet", Branagh se va por las ramas con este rollo macabeo de amor del más allá que mezcla, sin concretar ningún género, el mencionado thriller, la comedia romántica y el rollo fantástico familiar de postín. 

La cuidadísima estética (sobre todo en las excelentes escenas en blanco y negro) no ayuda a sacar del agujero a una intriga bastante ridícula en la que dos amantes que murieron de forma truculenta en los años cuarenta se encuentran en nuestros días para volver a unir sus caminos y descubrir quién fue el causante de sus desgracias. 

Ya de por sí la trama parece tonta dicho esto, pero lo es más, pues está conformada por un conjunto de escenas ridículas con hipnosis de risa, espiritistas baratos, psicólogos aún más baratos, diálogos a veces ridículos, persecuciones bochornosas y una construcción de la historia cien por cien predecible en el peor de los sentidos.

Los homenajes al cine del mencionado Hitchcock que la película introduce constantemente tienen su gracia (desde el ama de llaves al estilo "Rebeca" hasta las tijeritas asesinas de "Crimen perfecto" pasando por los recuerdos deformados de "Recuerda") pero el toquecito "freak" no salva todo lo antes expuesto, que además viene todavía más lastrado por las actuaciones nada creíbles de un reparto completamente desperdiciado. 

Kenneth Branagh (de nuevo como protagonista), Emma Thompson, Derek Jacobi, Robin Williams, Andy García... Todos son buenos actores (algunos más que buenos, excelentes) pero todos están desganados e incluso horribles (ese Jacobi, siempre tan genial, autoparodiándose al estilo de "Yo, Claudio" da vergüenza ajena). 

Y queda ahí todavía un desenlace espantoso con disparos pueriles, tijeras asesinas y psicópatas trasnochados que deja un malísimo sabor de boca. 

En fin, menos mal que Branagh se redimió y menos mal que "Morir todavía" no es más que un patinazo puntual muy temprano ya muy olvidado dentro de su filmografía en líneas generales muy destacada. Sólo para completistas del actor y director.

BAJOS FONDOS. LA PRIMERA Y SOLVENTE PELÍCULA NEGRA DE STEVEN SODERBERGH

BAJOS FONDOS de Steven Soderbergh - 1995 - ("The Underneath")

A Steven Soderbegh se le puede acusar, y con razón, de ser irregular demasiadas veces, de ser tan prolífico (ha llegado a rodar varias películas por año, y no una vez o dos precisamente) que la calidad se le escapa de las manos o que deja dos proyectos sin terminar de pulir con tal de poder sacarlos los dos a la vez o casi a la vez. 

Sin embargo, tampoco se le puede acusar de encasillarse ni de no afrontar propuestas siempre nuevas. Y el tipo, con sus cosas buenas y malas, ha tocado toda clase de géneros: drama, fantástico, drama social, negro, comedia, ciencia ficción, documental, histórico, biográfico, experimental y hasta cine de acción. 

En su cuarta película, después de dos dramas y una excelente fantasía con Franz Kafka como protagonista, se metió de lleno por vez primera en el cine negro, uno de los géneros que más trataría. 

"Bajos fondos" es un remake de la famosa "El abrazo de la muerte" de Robert Siodmak, la cual por desgracia hasta este momento no he tenido el gusto de poder disfrutar, así que posiblemente mi crítica no esté completa sin poder comparar ambas versiones. 

Sin embargo, este hecho aparte, tengo que decir que "Los bajos fondos", a pesar de no ser una de las mejores obras de Soderbergh, cumple en casi todos los aspectos. 

El filme es un retrato negro de las relaciones humanas con la esperada aura fatalista que despliega, por medio de una estructura basada en flash-backs bastante resultona (el director casi siempre quiere intentar experimentar en sus obras, eso es otra cosa que no se le puede negar), un juego de realidades y mentiras donde el espectador se pierde con gusto.

"Bajos fondos" puede pecar de ser predecible, y en algún momento lo es (su final es un simple "ni fu ni fa" que creo que lastra el conjunto bastante), pero Soderbergh muestra un buen hacer tras las cámaras que pone la nota de una mínima personalidad. 

Lo que en manos de alguien que no fuese un autor habría sido un thriller más "de usar y tirar", en las de este director termina siendo un thriller con sus fallos, pero con una trama como he dicho atractiva gracias a su estructura, con una estética cuidadísima fría y nocturna (ideal) y con un Peter Gallagher muy destacado como protagonista. Steven Soderbegh seguía buscando su estilo y rubricar el reconocimiento, lo cual le llegaría años después.