ARCO. UN HERMOSO DEBUT ANIMADO QUE TRATA ASUNTOS PROFUNDOS

ARCO de Ugo Bienvenu - 2025 - ("Arco")

"Arco", la primera película larga animada del francés Ugo Bienvenu, me ha parecido una bellísima joyita, exquisita en lo visual y llena de contenido profundo en lo argumental.

Influenciada claramente por el Studio Ghibli (se nota en ciertos diseños, en ciertos personajes y en su concepción paisajística), narra la historia de un niño del lejanísimo año 2932 que da nombre al filme y que cae desde su tiempo a la Tierra en el también lejano, aunque algo menos, año 2075. Allí, conocerá a Iris, una niña con la que entablará una relación especial y que le deberá ayudar a volver a su tiempo.

Con esta premisa que a priori puede parecer manida Bienvenu construye sin embargo una trama original, con sorpresas, con personajes hondos y con un mensaje ecologista que retrata dos mundos muy sugerentes: el primero, el del año 2075, está lleno de comodidades absolutas porque los robots hacen todo el trabajo pero, sin embargo, también ha quedado deshumanizado y poblado por familias donde los mencionados robots también hacen de padres porque, irónicamente, el mundo laboral se ha vuelto todavía más invasivo y nadie tiene tiempo para nada.

Paralelamente, el del año 2932 está movido por una tecnología extremadamente desarrollada que ya no se diferencia de lo que podríamos llamar hoy magia y que, sin embargo, ha dejado a los humanos apartados de un planeta que para variar no han sabido cuidar ni manejar.

El filme, con una animación bellísima y sobre todo con unos escenarios preciosos (el tratamiento de la luz es especialmente una delicia), transita por ambos preguntándose qué es la humanidad y cuál es su objetivo, para qué sirve la tecnología y cuál es su relación con nosotros y con la naturaleza y, además, retratando asuntos universales como la familia, la amistad, el amor o la frustración vital.

Alguna irregularidad tiene, eso sí. Aunque dura solamente 82 minutos, hay un momento cerca del final en el que pierde un poco el ritmo. Además, algún personaje se queda un poco desdibujado y algún otro también aparece tarde.

No obstante, estos pequeños defectos no lastran una obra animada magnífica que cuenta con varias escenas que se quedan grabadas, con protagonistas muy carismáticos, con reflexiones lúcidas y con un final con sorpresa que resulta demoledor. Extremadamente recomendable cinta animada francesa. 

¿QUERÉIS ESCUCHARME EN EL CANAL DE TURRA CINEMA HABLANDO DE CINE?

LA MOMIA, EN TURRA CINEMA

Como ya sabéis, en el canal de iVoox de Turra Cinema hablo de cine: cada dos semanas, comentamos una película, y cada cierto tiempo también hablamos de series y hacemos especiales de artistas.

Estoy compartiendo por aquí poco a poco todos los programas y hoy toca el que le dedicamos a "La Momia" de Stephen Sommers, una de las pocas películas que consiguió en décadas recuperar el estilo de la saga de Indiana Jones.

Si me queréis escuchar charlando sobre esta fantástica cinta, aquí me podéis encontrar:

LA MOMIA, EN TURRA CINEMA

Tened un buen sábado. 😀

EL ÚLTIMO UNICORNIO. LA ÚLTIMA OBRA MAESTRA DE RANKIN/BASS PRODUCTIONS

EL ÚLTIMO UNICORNIO de Arthur Rankin Jr. y Jules Bass - 1982 - ("The last unicorn")

Tras sus incursiones en el mundo de J.R.R. Tolkien con la destacable "El Hobbit" y la fallida "El retorno del Rey", Arthur Rankin Jr. y Jules Bass rodaron dos de sus mejores películas prácticamente a la vez. Una fue directa a la televisión y otra no, pero ambas son excelentes y poseen una animación maravillosa. 

"El último unicornio" y "El vuelo de los dragones", de 1982, son dos de las últimas, por desgracia, producciones de la compañía de ambos animadores, Rankin/Bass Productions, que realizó unos cuantos cortometrajes y especiales televisivos de Navidad hasta tener que cerrar tristemente en marzo de 1987. 

Que es una compañía que hay que reivindicar sin descanso lo dejan bien claro estas dos cintas imprescindibles y trabajos anteriores como la comentada en esta etiqueta "Mad Monster Party". 

Hoy hablamos de "El último unicornio" ("El vuelo de los dragones" la tenéis ya comentada en esta etiqueta) una película que, basada en el libro homónimo de Peter S. Beagle, fue uno de los mayores éxitos de sus dos autores tanto de crítica como de público. 

La animación es obra de Topcrath, un estudio japonés. Se nota la influencia del manga de este país y su excelente mezcla con las influencias americanas clásicas: todo es, visualmente, una total y absoluta preciosidad. Sorprende en una obra de principios de los años ochenta tal nivel de detalle, tal fluidez de personajes y objetos en movimiento, tal maestría a la hora de diseñar y colorear, tal realismo y expresividad. 

El poder evocador de "El último unicornio" es increíble, y a todo ello hay que unirle una banda sonora de ensueño y un reparto de voces inolvidable (Mia Farrow, Alan Arkin, Jeff Bridges, Christopher Lee...). Me entristece pensar lo que habría sido capaz de hacer el estudio de Rankin/Bass Productions si hubiese tenido más medios y más margen para actuar o si hubiese conocido las técnicas de animación de hoy, más rápidas y más baratas a pesar de toda su polémica artística.

"El último unicornio" es una película para niños pero también para adultos. Habla sobre la búsqueda de la identidad y la autorealización esencialmente, pero también sobre el sentido de la vida, sobre la soledad, sobre la amistad, sobre el amor, sobre la superación de los problemas, sobre el poder curativo del viaje y también lanza una arenga ecologista incluso. 

Nada tiene que envidiar al mejor cine de animación, ese que disfrutan personas de todas las edades y que enseña valores a todos. Arthur Rankin Jr. y Jules Bass se recuperan con esta obra maestra del batacazo que les supuso la precipitada versión del libro de "El Señor de los Anillos", "El retorno del rey", una de sus peores creaciones.

CHICKEN RUN: AMANECER DE LOS NUGGETS. OTRA SECUELA GENIAL DE AARDMAN

CHICKEN RUN: AMANECER DE LOS NUGGETS de Sam Fell - 2023 - ("Chicken Run: Dawn of the Nugget")

"Chicken Run", que tenéis comentada en esta etiqueta del blog, fue la primera película del gran estudio Aardman Animations, y hago una pausa en las reseñas de sus producciones, que estaba haciendo en orden, para, como hice con la saga de Wallace y Gromit, comentar esta secuela que llevaba tiempo faltándome.

"Chicken Run: Amanecer de los nuggets" tiene de nuevo todo lo mejor de su antecesora con una animación mejorada que es una absoluta delicia para los sentidos (en especial, los escenarios y su detalle son una pasada).

Ahora el director es Sam Fell, que se encargó de "Ratónpolis" (también la tenéis en este blog comentada, en esta etiqueta de nuevo), de "El valiente Despereaux" y de "El alucinante mundo de Norman".

Retomamos la trama años después de la huida de la granja y tenemos a Ginger y a Rocky viviendo en un idílico pueblo de pollos y gallinas situado en una apartada isla de interior donde llevan una vida tranquila en una comunidad autogestionada. Y han tenido una hija además que, como Ginger, es rebelde, atrevida, justiciera y aventurera.

A partir de aquí, se articulará una trama de nuevo divertidísima, cargada de peripecias, con escenas de acción geniales y un humor inteligente y cargado de ironía y con un mensaje sobre la responsabilidad que tenemos todas las personas a la hora de ayudar a las demás, aunque no sean cercanas, aunque sean incluso desconocidas.

Otros asuntos se articulan alrededor de éste: la familia, las relaciones entre madres y padres e hijas, la amistad, la integridad, la valentía y, también, el ecologismo y el animalismo, con la denuncia a la explotación de los animales que vuelve de la primera entrega ahora todavía más frontal al encontrarnos ante un medio de producción aún más deshumanizado y agresivamente capitalista.

Con diálogos chispeantes, secundarios delirantes, detalles fantásticos, homenajes a clásicos como "Pinocho", "Misión Imposible" o "El amanecer de los muertos" que viene parodiado en el título, "Chicken Run: Amanecer de los nuggets" es otra maravilla de Aardman Animations. Una tercera parte me gustaría.

LA HIJA OSCURA. CRUDO, POLÉMICO Y SIN CONCESIONES DEBUT DE MAGGIE GYLLENHAAL

LA HIJA OSCURA de Maggie Gyllenhaal - 2021 - ("The Lost Daughter")

No he leído la novela de la italiana Elena Ferrante en la que se basa "La hija oscura", pero la película, la ópera prima de Maggie Gyllenhaal en la dirección, me ha parecido espectacular por su crudeza y especialmente atrevida porque toca un asunto de esos que hoy verdaderamente es polémico con todas las letras.

"La hija oscura" habla nada más y nada menos que de maternidad, pero no de esa maternidad idealizada, bella, que puede encontrarse con ciertos problemas en el camino pero que son finalmente esquivados. No. "La hija oscura" habla de la maternidad que también equivale a frustración, a estrés, a pérdida de la identidad, a agotamiento, a culpa y a arrepentimiento, a daño emocional y a abandono.

Leda, la protagonista, es interpretada en su juventud por Jessie Buckley y en su madurez por Olivia Colman. Ambas están extraordinarias, espectaculares: ambas se meriendan la pantalla y ambas duelen de verdad dentro de ti cuando las ves sufrir.

Saltando constantemente entre el pasado y el presente, Maggie Gyllenhaal, con una dirección intimista a veces brutal y usando unos escenarios luminosos que llegan a ser desasosegantes y visualmente invasivos delinea un drama sin concesiones que pone en la picota la cultura de la maternidad en las mujeres, la exigencia social que cae sobre ellas, pero también la actitud de la propia protagonista a la hora de tratar con seres indefensos que la necesitan, su egoísmo, su necesidad de escapar y la injusticia que es capaz de cometer por todo esto.

"La hija oscura" no juzga: sólo muestra. No es una película fácil. Es más, es una película dura de digerir, profundamente incómoda, que enciende debates y que tiene la valentía de sumergirse en un asunto que como he dicho hoy es polémico (y lo es además normalmente en todos los espectros ideológicos).

Acompañan a Buckley y a Colman un plantel de intérpretes igualmente magnífico en el que están Dakota Johnson, Ed Harris, Peter Sarsgaaard o Paul Mescal. 

"La hija oscura" es un debut fulgurante, que no deja indiferente y que destroza sistemas de tópicos y de creencias completos dejando en evidencia temas complejos, llenos de carillas, de contradicciones y de, también, profunda humanidad. 

NUEVO ÉXITO DE QUÉ GRANDE ES SER FRIKI CON ROBOCOP. GRACIAS A TOD@S

¡GRACIAS A QUIENES VINISTEIS A QUÉ GRANDE ES SER FRIKI AYER!

Otra sesión inolvidable de "¡Qué grande es ser friki!" con "Robocop". Gracias a todas las personas que habéis venido. 

El mes que viene, "Rocky". 🙂

HOY, JUEVES 26, ROBOCOP EN V.O.S. EN QUÉ GRANDE ES SER FRIKI, EN MÁLAGA

ESTA TARDE, ROBOCOP EN QUÉ GRANDE ES SER FRIKI

¡ES HOY! 🤠 Esta tarde a las 19.00 horas te ponemos "Robocop" en el Cine Albéniz de Málaga en V.O.S. y luego hacemos coloquio sobre la película, el director... 

¡Nos vemos allí! 😃 

METRÓPOLIS. LA LLEGADA DE LA PRIMERA MADUREZ EN LA OBRA DE OSAMU TEZUKA

METRÓPOLIS de Osamu Tezuka - 1949 - ("Metoropirisu")

Aunque tuvo grandes éxitos con sus primeros y ya revolucionarios mangas, como "La nueva isla del tesoro" o "Lost World", está considerado en líneas generales que con "Metrópolis" Osamu Tezuka alcanza un primer peldaño de madurez plena en su carrera.

Aunque él solamente había visto imágenes en revistas del filme homónimo del alemán Fritz Lang, su inspiración en éste fue según él mismo comentó clara en lo estético (y en lo temático también, aunque tal vez ya de casualidad). 

Igualmente existe otra influencia clara que además está presente en su primera etapa: los dibujos "redondeados" de Walt Disney (al que homenajea sin cesar: aparecen aquí incluso varios trasuntos de Mickey Mouse) y de las tiras de George McManus y su línea clara.

"Metrópolis", que forma parte de una trilogía temprana de ciencia ficción del autor junto con la mencionada "Lost World" y con la siguiente "Next World" ("Metrópolis" estaría en el centro y las otras dos espero comentarlas en el blog en algún momento), narra la historia de un niño robot, Michi, que crece en un mundo con profundas desigualdades sociales y una tecnología punta que es usada por el Duke Red, un villano muy de opereta, para propósitos malvados de dominación y terror.

Creado en los años inmediatamente posteriores a la Segunda Guerra Mundial, en medio del trauma que a causa de ella enfrentó el derrotado y empobrecido Japón, en este manga encontramos ya muchos temas que estarían en obras futuras de Tezuka: el mal uso de la tecnología y la responsabilidad moral que tiene quien la utiliza y quien la crea, la vida artificial, la identidad humana y esta identidad en los seres creados artificialmente, la lucha de clases o el capitalismo agresivo y sin control. 

En una de las obras posteriores del autor en la que más se verán estos temas es en la mítica "Astroboy", cuyo protagonista es una versión más desarrollada y ampliada de Michi, que por cierto además puede cambiar de género... En 1949 (esto anticiparía también a "La princesa caballero" del mangaka).

Osamu Tezuka elabora un manga que es claramente para niños pero en el que también introduce estos mencionados asuntos para adultos. Algunos los trata de forma afinada y otros solamente los esboza. Todavía está lejos el autor de "Adolf", "Buda", "Black Jack" o "Ayako", pero se está claramente formando.

La trama de "Metrópolis" es también descompensada: a veces sigue un orden, a veces va improvisando, a veces es coherente y a veces es deslavazada. No todo lo que hizo Tezuka era redondo y perfecto, en especial teniendo en cuenta que fue prolífico hasta lo prácticamente inhumano. Los logros están ahí, y los perfeccionaría en sus cómics posteriores.

Estéticamente, ya tenemos su habitual detalle y su dibujo característico en casi todo su esplendor, así como su dinamismo frenético, aunque a veces haya saltos bruscos de viñetas. En especial, los escenarios son ya una maravilla de la imaginación (se nota especialmente la fascinación de Tezuka por los Estados Unidos y por su cultura) y las multitudes un dechado de detalle. 

Los personajes, "interpretados" por "actores" que saldrían en otros mangas suyos realizando otros papeles (Tezuka veía toda su producción como una compañía de teatro de seres ficticios que participaban en todas sus obras), son todos carismáticos, y hay diálogos verdaderamente lúcidos y un final ciertamente sorprendente.

"Metrópolis" inauguraba definitivamente el principio de la maestría del autor en el cómic y tuvo, en 2001 ya, una tardía adaptación dirigida por Rintaro y en la que estuvo el gran Katsuhiro Otomo participando como guionista.

EL COLOR PÚRPURA. EL DURO DRAMA SOCIAL NEGRO DE STEVEN SPIELBERG

EL COLOR PÚRPURA de Steven Spielberg - 1985 - ("The color purple")

Siempre se dice que Steven Spielberg empezó a ser reconocido como un director "serio" (denominación que de punto de partida ya me parece injusta en este contexto, porque creo que toda su obra anterior ya era "seria") con "La lista de Schindler", pero el caso es que mucho antes de esta película ya había dirigido dos joyas durísimas que eran "El color púrpura" y "El imperio del Sol" (y también hay que recordar que "Loca evasión", su segunda obra, era un drama social, aunque fuese un fracaso en su momento).

La primera de las dos antes mencionadas, de 1985, fue ya un éxito tanto comercial como crítico, aunque puede que sea cierto que, con el tiempo, haya sido algo eclipsada por otras obras del director más digamos "masivas". 

Basada en la novela homónima de Alice Walker de 1982, que ganó el Premio Pulitzer y el Premio Nacional del Libro de Ficción y que recibió también duras críticas en su día por su violencia, narra la historia de una mujer negra de principios del siglo XX que, abusada por su padre, es obligada a casarse con un repugnante marido maltratador en un entorno rural oscuro.

Aunque vino también la película con polémica (por ser Spielberg blanco y por ser acusado de perpetrar estereotipos masculinos negros) fue también apoyada por la escritora, que estuvo en la producción como consultora, y fue nominada a 11 Oscars (aunque no ganó ninguno).

"El color púrpura" es un retrato monstruoso de cómo las mujeres negras del mundo rural de las primeras décadas del siglo XX son marginadas y maltratadas por sus propios padres y maridos y condenadas a vivir enclaustradas en casa como madres y prácticamente como esclavas domésticas. 

La protagonista, una Whoopi Goldberg espectacular e inolvidable que fue lanzada a las estrellas por su interpretación, queda embarazada de su propio y asqueroso padre, que encima le da sus bebés a otra pareja, y luego es entregada a un granjero repugnante, egoísta y tiránico. La justificación moral que ella acepta al principio es la religión: la vida es corta pero la eternidad es para siempre, y en la primera hay que aguantarlo todo para ganarse la segunda.

Su relación con otras mujeres le hará cambiar y empoderarse. La sororidad es el tema central de una película que muestra a la comunidad negra presa, como la blanca también, de los prejuicios de un mundo oscurantista, beato, opresor y, además, pobre, muy pobre. Hay también una crítica brutal a los mencionados blancos, que viven normalmente mejor que los negros y que, especialmente los ricos, se comportan de forma paternalista e hipócrita con ellos cuando son racistas o sólo los quieren como empleados baratos.

Además hay un retrato histórico de cómo la sociedad cambia a lo largo de estas convulsas décadas y de cómo la música negra tiene un papel básico en la cultura de los USA, así como uno humano de personas que rompen con las normas de esta sociedad y que la cambian.

Las actuaciones son espectaculares (además de Goldberg hay un Danny Glover que produce verdadera repulsión o una Oprah Winfrey magnífica), la narrativa deliciosa (con un Spielberg destapando sus esencias más delicadas), el drama potente y tremendista (el filme es dolor puro casi constante) y la ambientación bellísima.

"El color púrpura" es la película en la que realmente aparece por vez primera en todas sus consecuencias ese Steven Spielberg "serio" del que tanto se habla a veces sin conocimiento y una obra maestra sobre la superación social y la lucha por la justicia. 

MONSTRUOS: LA HISTORIA DE LYLE Y ERIK MENÉNDEZ. DIFERENTE E INCÓMODA

MONSTRUOS: LA HISTORIA DE LYLE Y ERIK MENÉNDEZ de Ryan Murphy - ("Monsters: The Lyle and Erik Menéndez Story")

Entiendo, después de una temporada tan espectacular como fue la de Jeffrey Dahmer, que esta segunda historia de la serie "Monstruos", dedicada a los hermanos Lyle y Erik Menendez, haya decepcionado. El listón estaba altísimo y ciertamente no es, ni de lejos, tan buena como la primera, pero también ofrece algo totalmente diferente, y eso es algo que yo valoro muchísimo.

"Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menendez" tiene, como he dicho, una intención y un tono que no tienen nada que ver con el de "Dahmer". Explora, además, otro asunto social y moral diferente. Y es muy digna, pienso, aunque ciertamente en sus últimos capítulos se desinfla por la propia inconcreción que incluso a día de hoy tiene el propio caso que retrata.

En 1989, los hermanos Lyle y Erik Menendez, hijos de José Enrique Menéndez Llanio, un rico productor musical, y Mary Louise Menéndez, asesinaron a estos, su padre y su madre, y fueron descubiertos poco después. Alegaron maltrato emocional, físico y sexual de la peor brutalidad pero fueron condenados a una cadena perpetua que siguen cumpliendo hoy en día. La fiscalía argumentó que lo que querían era cobrar ya su herencia y nada más.

Esta temporada de "Monstruos" bucea en todas las posibles versiones de lo que pudo haber ocurrido en este caso y juega a marearnos, a inquietarnos, a ponernos contra las cuerdas como si fuésemos literalmente el jurado que ha de condenarles o salvarles. En este sentido, es más incómoda que "Dahmer", porque de este asesino sabemos que cometió verdaderamente sus crímenes, y fueron muchos: de los hermanos Menéndez no tenemos la seguridad de ello, y además solamente hay en la palestra dos asesinatos que son, sin embargo y para colmo, el de sus propios progenitores.

Vamos a ver a unos Menéndez abusados, a unos Menéndez fríos y calculadores, a unos Menéndez con la vida destrozada en la cárcel, a unos Menéndez sin ninguna empatía haciendo ostentación de riqueza tras la supuesta matanza. Y no, no sabemos y parece que a estas alturas nunca sabremos qué ocurrió en realidad: antes de empezar la serie lo sabemos, valga la redundancia.

"Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez" toca uno de los grandes temas polémicos de los últimos años: si una víctima puede ser mala persona e, incluso, si una víctima puede ser a la vez criminal. La ambigüedad pura del ser humano, que tanto molesta últimamente a los adalides de la corrección política, está aquí expuesta en todo su esplendor crudo. Y sí, vas a sentir compasión por los dos hermanos y seguidamente vas a sentir asco, y luego vas a volver a la compasión.

Además, les rodean personajes interesantísimos que tocan otros asuntos que pivotan alrededor del central: desde el padre de la actriz asesinada Heather O'Rourke (sí, la de "Poltergeist") hasta abogados y psicólogos interesados pasando por unos propios padres de los hermanos Menéndez a los que también vamos a ver, como a sus hijos, con compasión y con repugnancia.

La trama está perfectamente llevada siempre, si bien es cierto que llega a ser algo confusa por el montaje, aunque como he dicho esto se atribuye también a la propia niebla que todavía presenta el caso. 

Hay capítulos espectaculares por otra parte (el quinto ha creado su propia leyenda) y los diálogos son de una lucidez que asusta. Y se tratan además temas como los juicios mediáticos, el veneno de los medios de comunicación, el interés de los psicólogos y los abogados en usar estos casos por fama y por dinero, la hipocresía de las clases altas americanas y el propio Sueño Americano, aquí además personificado en un inmigrante cubano que vino de la pobreza absoluta y que se acabó forrando.

Por cierto, el plantel de intérpretes de la temporada está escandalosamente soberbio. Nicholas Alexander Chavez y Cooper Koch lo bordan como los hermanos. Lo bordan absolutamente. Y Javier Bardem también, como siempre, y una Chloë Sevigny impresionante. Una matrícula de honor para todos.

"Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez" es además mucho, pero muchísimo menos violenta y sangrienta que "Dahmer". Ojo, el asesinato aparece con todo lujo de detalles, pero ya está. La búsqueda de distanciamiento es clara, tanto temática como estilística. 

En conjunto, y a pesar de ser más irregular, Ryan Murphy nos ha dado otra serie profundamente incómoda, que trata temas que ahora la sociedad no quiere asumir y que bucea de nuevo en el lado más oscuro de los USA.