EL FANTASMA Y LA SEÑORA MUIR. LA PRIMERA OBRA MAESTRA DE MANKIEWICZ

EL FANTASMA Y LA SEÑORA MUIR de Joseph L. Mankiewicz - 1947 - ("The Ghost and Mrs. Muir")

En 1947 Joseph L. Mankiewicz dirige dos películas, "El mundo de George Apley" y esta "El fantasma y la Señora Muir". Con ambas, muy diferentes, empieza a despuntar el gran director que en breve iba a entregar un enorme puñado de las más grandes obras maestras del Hollywood dorado. 

La premisa de "El fantasma y la Señora Muir" podría asustar a demasiados cinéfilos, y más viniendo el filme de la segunda mitad de los años cuarenta del pasado siglo, donde lo azucarado y lo políticamente correctísimo (de su época) estaba a la orden del día en las producciones comerciales de amor: la película narra un romance entre una mujer viuda y el fantasma de un viejo capitán en la vieja mansión que este tenía cerca del mar. 

Sí, de buenas a primeras suena a película romántica ñoña y extremadamente comercial (comercial en el peor de los sentidos). Pero nada más lejos de la realidad: "El fantasma y la Señora Muir" es la primera obra maestra de Mankiewicz y una muestra de maestría tras la cámara y tras el guión apabullante. 

Porque hay que ser un buen guionista y un buen director para hacer bien una historia de amor sobrenatural sin caer en las mencionadas ñoñerías, en el efectismo barato o en la tontería argumental. 

La historia que Mankiewicz narra es una maravilla que equilibra perfectamente el romanticismo con un ajustadísimo toque de comedia y que tiene unos diálogos brillantes (uno de los grandes puntos fuertes del director) y unas escenas para el recuerdo con un poder evocador y melancólico prodigioso.

Porque "El fantasma y la Señora Muir" emociona, vaya que sí, y lo hace sin recurrir a los trucos fáciles de los que suelen abusar este tipo de historias (las de su tiempo y las de hoy en día). 

Ayuda una dirección precisa y con el aura fantástica muy ajustada y una música absolutamente preciosa de Bernard Herrmann que pone los pelos de punta y que fue justamente valorada en su día. 

Y ayudan, sobre todo, las inolvidables interpretaciones de unos maravillosos Gene Tierney y Rex Harrison que despliegan una química envidiable como pareja estelar y que tanto en los momentos delirantes como en los tiernos tocan el alma del espectador. Ojalá la mitad de las películas románticas fuesen como ésta. Mankieciwz despegaba definitivamente con ella.

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¡Feliz domingo! 😊

HOGAR A LA DERIVA. UN BELLO RETRATO EMOCIONAL DEL PASO A LA MADUREZ

HOGAR A LA DERIVA de Hiroyasu Ishida - 2022 - ("Ame wo Tsugeru Hyouryuu Danchi")

No está oficialmente inspirada en el terrorífico y desasosegante manga "Aula a la deriva" del gran Kazuo Umezu según he leído, pero sí creo que esa inspiración, valga la redundancia, está en un porcentaje aunque sea mínimo en "Hogar a la deriva" del Studio Colorido, aunque el tono de ambas obras sea radicalmente diferente (eso aparte de que el tropo de niños que son transportados a otra dimensión o lugar similar está muy presente en el arte japonés desde siempre).

Segunda película de Hiroyasu Ishida, "Hogar a la deriva", (la primera es "Penguin Higway", que tenéis comentada en el blog en esta etiqueta) narra eso de nuevo: un grupo de estudiantes que están en la pubertad o cerca de alcanzarla son transportados, dentro de un edificio abandonado que va a ser demolido, a un mar inmenso e interminable donde flota dicho edificio y del que deberán buscar la manera de salir.

 Este mar interminable, junto con el mencionado edificio, que les sirve de barco surrealista y que antes de ser abandonado fue importante para estos niños, son además unos lugares emocionales que se constituyen en símbolos de lo que dichos niños están viviendo en la primera época complicada de sus vidas.

Con unos personajes muy bien desarrollados, Ishida nos lleva por un periplo de crecimiento personal y de procesamiento de la pérdida, de sentimientos ocultos o reprimidos y de falta de comunicación que culmina en un enfrentamiento con el final de la infancia y la entrada en la primera madurez, que vienen unidas a la necesidad y a la obligación de asumir un pasado que quedó atrás.

"Hogar a la deriva" habla de esa etapa que todo el mundo ha vivido, que puede ser apasionante y a la vez dolorosa, con diálogos magníficos además y con varias sorpresas en una trama que nunca se resiente en interés y en la que, si bien predomina lo realista mágico e incluso lo lírico, hay espacio para algún punto kafkiano o siniestro.

El segundo filme de Hiroyasu Ishida cuenta además con una animación deliciosa marcada por unos escenarios especialmente bellos y le confirma como un director prometedor de su país. Continuaré siguiendo su carrera.

EL JUEVES 26, ROCKY EN V.O.S. EN QUÉ GRANDE ES SER FRIKI, EN MÁLAGA

ROCKY, EN QUÉ GRANDE ES SER FRIKI

El próximo jueves 26 de marzo volvemos a "¡Qué grande es ser friki!" y vemos "Rocky" en V.O.S. en el Cine Albéniz de Málaga y luego hacemos coloquio con Santiago Bustamante en el que participo.

Te esperamos.😃

Entradas EN LA WEB DEL MUSEO DEL VIDEOJUEGO DE MÁLAGA.

Tened un feliz jueves.

MORIR TODAVÍA. EL PRIMER PATINAZO ARTÍSTICO DE KENNETH BRANAGH

MORIR TODAVÍA de Kenneth Branagh - 1991 - ("Dead again")

El primer patinazo de Kenneth Branagh como director fue, para mi por lo menos, su segunda película, esta "Morir todavía" que homenajea al cine negro del Hollywood clásico y, sobre todo, al cine del maestro del suspense Alfred Hitchcock. 

Después de una maravilla indiscutible como "Enrique V" y antes de otras grandes películas como "Mucho ruido y pocas nueces", "En lo más crudo del crudo invierno" o su versión de "Hamlet", Branagh se va por las ramas con este rollo macabeo de amor del más allá que mezcla, sin concretar ningún género, el mencionado thriller, la comedia romántica y el rollo fantástico familiar de postín. 

La cuidadísima estética (sobre todo en las excelentes escenas en blanco y negro) no ayuda a sacar del agujero a una intriga bastante ridícula en la que dos amantes que murieron de forma truculenta en los años cuarenta se encuentran en nuestros días para volver a unir sus caminos y descubrir quién fue el causante de sus desgracias. 

Ya de por sí la trama parece tonta dicho esto, pero lo es más, pues está conformada por un conjunto de escenas ridículas con hipnosis de risa, espiritistas baratos, psicólogos aún más baratos, diálogos a veces ridículos, persecuciones bochornosas y una construcción de la historia cien por cien predecible en el peor de los sentidos.

Los homenajes al cine del mencionado Hitchcock que la película introduce constantemente tienen su gracia (desde el ama de llaves al estilo "Rebeca" hasta las tijeritas asesinas de "Crimen perfecto" pasando por los recuerdos deformados de "Recuerda") pero el toquecito "freak" no salva todo lo antes expuesto, que además viene todavía más lastrado por las actuaciones nada creíbles de un reparto completamente desperdiciado. 

Kenneth Branagh (de nuevo como protagonista), Emma Thompson, Derek Jacobi, Robin Williams, Andy García... Todos son buenos actores (algunos más que buenos, excelentes) pero todos están desganados e incluso horribles (ese Jacobi, siempre tan genial, autoparodiándose al estilo de "Yo, Claudio" da vergüenza ajena). 

Y queda ahí todavía un desenlace espantoso con disparos pueriles, tijeras asesinas y psicópatas trasnochados que deja un malísimo sabor de boca. 

En fin, menos mal que Branagh se redimió y menos mal que "Morir todavía" no es más que un patinazo puntual ya muy olvidado dentro de su filmografía en líneas generales muy destacada. Sólo para completistas del actor y director.

BAJOS FONDOS. LA PRIMERA Y SOLVENTE PELÍCULA NEGRA DE STEVEN SODERBERGH

BAJOS FONDOS de Steven Soderbergh - 1995 - ("The Underneath")

A Steven Soderbegh se le puede acusar, y con razón, de ser irregular demasiadas veces, de ser tan prolífico (ha llegado a rodar varias películas por año, y no una vez o dos precisamente) que la calidad se le escapa de las manos o que deja dos proyectos sin terminar de pulir con tal de poder sacarlos los dos a la vez o casi a la vez. 

Sin embargo, tampoco se le puede acusar de encasillarse ni de no afrontar propuestas siempre nuevas. Y el tipo, con sus cosas buenas y malas, ha tocado toda clase de géneros: drama, fantástico, drama social, negro, comedia, ciencia ficción, documental, histórico, biográfico, experimental y hasta cine de acción. 

En su cuarta película, después de dos dramas y una excelente fantasía con Franz Kafka como protagonista, se metió de lleno por vez primera en el cine negro, uno de los géneros que más trataría. 

"Bajos fondos" es un remake de la famosa "El abrazo de la muerte" de Robert Siodmak, la cual por desgracia hasta este momento no he tenido el gusto de poder disfrutar, así que posiblemente mi crítica no esté completa sin poder comparar ambas versiones. 

Sin embargo, este hecho aparte, tengo que decir que "Los bajos fondos", a pesar de no ser una de las mejores obras de Soderbergh, cumple en casi todos los aspectos. 

El filme es un retrato negro de las relaciones humanas con la esperada aura fatalista que despliega, por medio de una estructura basada en flash-backs bastante resultona (el director casi siempre quiere intentar experimentar en sus obras, eso es otra cosa que no se le puede negar), un juego de realidades y mentiras donde el espectador se pierde con gusto.

"Bajos fondos" puede pecar de ser predecible, y en algún momento lo es (su final es un simple "ni fu ni fa" que creo que lastra el conjunto bastante), pero Soderbergh muestra un buen hacer tras las cámaras que pone la nota de una mínima personalidad. 

Lo que en manos de alguien que no fuese un autor habría sido un thriller más "de usar y tirar", en las de este director termina siendo un thriller con sus fallos, pero con una trama como he dicho atractiva gracias a su estructura, con una estética cuidadísima fría y nocturna (ideal) y con un Peter Gallagher muy destacado como protagonista. Steven Soderbegh seguía buscando su estilo y rubricar el reconocimiento, lo cual le llegaría años después.

LA MALDICIÓN DE SHELBY OAKS. TERROR QUE EMPIEZA BIEN Y ACABA MUY, MUY MAL

LA MALDICIÓN DE SHELBY OAKS de Chris Stuckman - 2024 - ("Shelby Oaks")

"La maldición de Shelby Oaks" es la enésima película de terror de la que escucho críticas excelentes y que, cuando la veo, no solamente me parece un "bluf", sino que me parece directamente mala. 

Se trata del debut en el largometraje de Chris Stuckman, y se presenta además apadrinada nada más y nada menos que por el mismo Mike Flanagan. Pero oigan, es que no entiendo de dónde vienen tantos halagos hacia ella, especialmente teniendo en cuenta lo terrible que es toda su segunda parte.

La película empieza interesante: como un homenaje a las cintas de metraje encontrado que popularizó "El proyecto de la Bruja de Blair" que además pone en la palestra un misterio interesante que tiene que ver con youtubers famosos que investigan fenómenos supuestamente paranormales y con la cultura del timo de las conspiranoias.

Por desgracia, todo se va pronto, muy pronto, al garete. Porque si bien en los inicios tenemos una intriga que promete con una ambientación resultona, con personajes que parecen ser interesantes, con su porcentaje de crítica social y, además, con algún primer susto efectivo, alrededor de la mitad del filme nos caemos de cabeza en el festival de tópicos más tópico, valga la redundancia, posible.

Las buenas intenciones con las que todo parte acaban en caracteres que de repente se vuelven planos, en una intriga que se revela de andar por casa, en una colección de giros de guión cutres y absurdos (ir de noche a un sitio abandonado peligroso, fuerza del mal invencible que hace tonterías, deux ex machinas gratuitos, lagunas del tamaño de acantilados...) que acaban en un desenlace que como he dicho es verdaderamente horrible por puro lugar común grueso.

"La madición de Shelby Oaks" es terror del malo y hasta del muy malo. No entiendo tanta alabanza. En serio. Todo lo que cuenta lo hemos visto mil veces y mucho mejor contado y, como he dicho, su final es una auténtica estafa.

-ESPACIO PARA SPOILERS: ¿En serio al final el diablo lo puede absolutamente todo "porque el diablo"? ¿En serio hay que recurrir para cerrar la trama al ente del mal absoluto de siempre que podría haber conseguido el resultado que consigue desde el principio pero que pierde el tiempo todo el rato "porque patata"? Vaya cosa más manoseada y cutre de desenlace.

LA CANCIÓN DEL MAR. TOM MOORE REFINA SU ESTILO EN OTRA NUEVA Y PELÍCULA PRECIOSA

LA CANCIÓN DEL MAR de Tom Moore - 2014 - ("Song of the sea")

Tom Moore, en su segunda película, de nuevo en el estudio irlandés Cartoon Saloon, vuelve a revistar la mitología y el folclore de su país natal para regalarnos otra historia sobre seres humanos enfrentados a algo que no conocen. Y esta vez, todo ha quedado mucho más redondeado: los personajes, la trama, la simbología. Los pequeñitos fallos que tuvo "El secreto del Libro de Kells" (que no la lastraron tampoco realmente) están aquí totalmente subsanados. 

Unos niños, ante la falta de sus padres, se van a vivir con su abuela y cambian el campo por la ciudad. En su nuevo ambiente, descubrirán algo que no imaginaban. 

"La canción del mar" combina a la perfección drama, aventura, un toque de comedia y una historia con mensaje moral que esquiva con gran habilidad las lecciones tontas o demagogas. Es un cuento moderno anclado como he dicho en las leyendas irlandesas y lleno de hábiles metáforas sobre toda clase de sentimientos y que además experimenta en la narrativa con las historias encadenadas. 

Esencialmente, el filme habla de la pérdida, pero alrededor de este asunto pivotan otros muchos, que se ordenan en base a las relaciones personales entre hijos, padres y abuelos: el salto generacional está siempre presente. 

La ausencia, la identidad, el amor, el desamor, el dolor, la frustración, la muerte, el autoconocimiento, la inocencia perdida o la naturaleza son estos asuntos. 

La película es un canto a la vida y a la alegría que, desde los sentimientos más tristes, trata de enseñar un camino para sobrevivir a lo que no nos gusta, a lo que perdemos nos guste o no a lo largo de nuestra siempre complicada existencia.

El de "La canción el mar" es un mensaje que cala sin problemas en los niños, que están aprendiendo a vivir y que siempre buscan respuestas para sus primeros encuentros con el sufrimiento humano, pero también en los adultos que no terminan de encontrar su lugar en el mundo. 

Sobra decir que la animación es, como la del primer filme de Tom Moore, una maravilla absolutamente soberbia. El original e imaginativo estilo icónico, de vidriera medieval en movimiento, repite más refinado, y nos transporta a universos maravillosos llenos de lirismo, romanticismo y capacidad evocadora y, además, poseedores de un sabio uso de la luz, del color y de las condiciones climáticas, que delinean los estados de ánimo de los personajes y los completan en cada momento. 

"La canción del mar" es la confirmación de un gran autor animado llegado desde el frío norte de las leyendas y otra obra más de una de las compañías animadas clave de Europa y ya podemos decir que de todo el globo.

EL LIBRO DE LA SELVA. LA AVENTURA CONTINÚA. EL PRIMER LIVE-ACTION DE DISNEY

EL LIBRO DE LA SELVA. LA AVENTURA CONTINÚA de Stephen Sommers - 1994 - ("Rudyard Kipling's The Jungle Book")

Estoy viéndome poco a poco los live-action de los clásicos de Walt Disney y hace no mucho descubrí que, aunque pensaba que el primero de ellos era la "Alicia en el país de las maravillas" de Tim Burton, realmente la serie había comenzado en los años noventa con la película que hoy comento y con las dos versiones de "101 Dálmatas" subtituladas "Más vivos que nunca".

Dirigida por Stephen Sommers, "El libro de la selva. La aventura continúa" es el primer live-action de esta franquicia de todos y he hecho una pausa en sus comentarios de este blog para incluirla (y haré lo propio con las dos partes de la mencionada "101 Dálmatas").

Y oigan, me ha parecido una película de aventuras más que notable. En este caso, se toma el punto de partida de la adaptación de Disney de la novela homónima de Rudyard Kipling para crear una obra totalmente nueva centrada en la adultez de Mogwli (luego, ya en 2016, vendría otra versión live-action de este clásico ya sí más fiel a la película de 1967).

Personajes entrañables, escenarios exóticos, naturaleza desbocada, ruinas de ciudades perdidas, amigos animales y unos efectos especiales magníficos con una ambientación llena de fascinación es lo que vamos a encontrar aquí.

Si bien la trama tiene algunas lagunas, sabe ser coherente y mostrar un nuevo perfil de la historia equilibrando perfectamente la mencionada aventura, el humor, la acción espectacular y el romanticismo. Todo ello con un mensaje ecologista, anti-colonialista y anti-racista básico pero bien expuesto.

Jason Scott Lee es un Mogwli excelente, con carisma, y lo mismo se puede decir de Lena Headey como Katherine, de Sam Neill como su padre, de Cary Elwes como el villano (creo que este actor siempre ha sido fantástico y que muchas veces no tiene el reconocimiento que merece) y de John Cleese como el doctor secundario cómico.

La película sabe enganchar a los niños haciéndose a la vez siempre divertida para los adultos y cuenta además con bastantes escenas que toman lo mejor del cine de aventuras de las décadas pasadas (sí, la sombra de Indiana Jones es alargada).

"El libro de la selva. La aventura continúa" es una live-action más que solvente, que juega bien sus cartas, que no da gato por liebre y que entrega un producto comercial dignísimo. Stephen Sommers siempre fue muy bueno en esto, aunque lleve bastante tiempo, tristemente, sin dirigir.

ARCO. UN HERMOSO DEBUT ANIMADO QUE TRATA ASUNTOS PROFUNDOS

ARCO de Ugo Bienvenu - 2025 - ("Arco")

"Arco", la primera película larga animada del francés Ugo Bienvenu, me ha parecido una bellísima joyita, exquisita en lo visual y llena de contenido profundo en lo argumental.

Influenciada claramente por el Studio Ghibli (se nota en ciertos diseños, en ciertos personajes y en su concepción paisajística), narra la historia de un niño del lejanísimo año 2932 que da nombre al filme y que cae desde su tiempo a la Tierra en el también lejano, aunque algo menos, año 2075. Allí, conocerá a Iris, una niña con la que entablará una relación especial y que le deberá ayudar a volver a su tiempo.

Con esta premisa que a priori puede parecer manida Bienvenu construye sin embargo una trama original, con sorpresas, con personajes hondos y con un mensaje ecologista que retrata dos mundos muy sugerentes: el primero, el del año 2075, está lleno de comodidades absolutas porque los robots hacen todo el trabajo pero, sin embargo, también ha quedado deshumanizado y poblado por familias donde los mencionados robots también hacen de padres porque, irónicamente, el mundo laboral se ha vuelto todavía más invasivo y nadie tiene tiempo para nada.

Paralelamente, el del año 2932 está movido por una tecnología extremadamente desarrollada que ya no se diferencia de lo que podríamos llamar hoy magia y que, sin embargo también, ha dejado a los humanos apartados de un planeta que para variar no han sabido cuidar ni manejar.

El filme, con una animación bellísima y sobre todo con unos escenarios preciosos (el tratamiento de la luz es especialmente una delicia), transita por ambos preguntándose qué es la humanidad y cuál es su objetivo, para qué sirve la tecnología y cuál es su relación con nosotros y con la naturaleza y, además, retratando asuntos universales como la familia, la amistad, el amor o la frustración vital.

Alguna irregularidad tiene, eso sí. Aunque dura solamente 82 minutos, hay un momento cerca del final en el que pierde un poco el ritmo. Además, algún personaje se queda un poco desdibujado y algún otro también aparece tarde.

No obstante, estos pequeños defectos no lastran una obra animada magnífica que cuenta con varias escenas que se quedan grabadas, con protagonistas muy carismáticos, con reflexiones lúcidas y con un final con sorpresa que resulta demoledor. Extremadamente recomendable cinta animada francesa.