LAS VACACIONES DEL SEÑOR HULOT. LLEGA EL GRAN PERSONAJE CÓMICO DE TATI

LAS VACACIONES DEL SEÑOR HULOT de Jacques Tati - 1953 - ("Les vacances de M. Hulot")

Con "Las vacaciones del Señor Hulot", su segundo filme tras "Día de fiesta", aparece ya plenamente el arte cinematográfico y la visión de la comedia que caracterizaría a partir de ahora a Jacques Tati. Su "democracia del gag" es la que sustenta la acción, mientras que su mítico personaje, el Señor Hulot, que protagonizaría también el resto de sus películas importantes ("Mi tío", "Playtime" y "Traffic"), es ya el protagonista principal.

Muchos calificaron en su día, y todavía hoy lo siguen haciendo, a esta película como "el paso humorístico en el cine más importante desde los Hermanos Marx". Tal vez sea pasarse o tal vez sea plenamente correcto. No lo sé. Lo que sí sé es que el estilo de "Las vacaciones del Señor Hulot" no deja indiferente ni siquiera hoy en día, más de setenta años después de su estreno, e imagino que en su momento, en 1953, tuvo que ser totalmente revolucionario.

El filme es casi mudo, y se centra en retratar gags basados en sonidos y en hechos que se reparten a menudo por espacios en los que conviven varias personas. Por eso lo de "democracia del gag". Aunque el delirante Señor Hulot (el propio Tati) es el conductor de todo en general, los demás personajes, incluso meros figurantes a veces que no tienen mayor importancia en la trama, tienen un lugar para hacer su pequeña pirueta cómica. 

El director usa a menudo planos generales y hasta lejanos para mostrar estas escenas. Son deliciosos, por ejemplo, los que muestran en la playa a un grupo de personas enredándose en diversas escenas cómicas, todos a la vez. En la playa, o en un restaurante, o en la sala de ocio de un hotel... Todos participan en el gag general con pequeñas aportaciones. 

Es un estilo de hacer comedia que yo por lo menos no he vuelto a ver y que cuando lo he visto ha sido como puro homenaje intencionado a Jacques Tati. Y como he dicho a veces estos gags son visuales y sin demasiado sonido, a veces incluso casi mudos, pero todos tremendamente ingeniosos e inteligentes.

El otro punto importante del filme es el mencionado Señor Hulot, que aparece por primera vez en la filmografía de Jaques Tati. Él mismo interpreta al que es su Charlot particular, su Harpo Marx particular. El Señor Hulot es un hombre alto (Tati era casi gigantesco), desgarbado, con un chaquetón largo, un divertido sombrero y una pipa perenne en su boca. Es ingenuo, simple, bonachón, y torpe, muy torpe.

El Señor Hulot representa la perplejidad ante el mundo moderno de las apariencias, de la hipocresía, de la automatización y del capitalismo agresivo. Él es la vida sencilla frente a un ambiente cada vez más complicado. La crítica social está presente en todo momento, e iría aumentando en las posteriores "Mi tío", "Playtime" y "Traffic".

La burquesía francesa de los años cincuenta se reúne en hoteles de playa para aparentar, para practicar el postureo. Tati se burla de la hipocresía, de la cultura del "quedar bien", de los remilgos y de las ínfulas de una clase social patética y triste por medio de su personaje, que se pasa por el forro todos estos convencionalismos estúpidos muchas veces sin ni siquiera proponérselo y que con su candidez y sinceridad da una lección de vida tranquila y feliz. "Las vacaciones del Señor Hulot" es una obra maestra maravillosa.

SUPERGIRL. GENÉRICA, PERO CUMPLIDORA Y CON ALGUNOS BUENOS DETALLES

SUPERGIRL de Craig Gillespie - 2026 - ("Supergirl")

A lo mejor no tendría que empezar en este blog con Craig Gillespie con "Supergirl", que, siendo digna, pienso que no es ni de lejos su mejor película, pero se ha estrenado ahora y es la segunda del nuevo Universo Cinematográfico de DC y toca reseñarla.

"Supergirl" es, como he dicho, el nuevo capítulo del mundo compartido que empezó el pasado año con el "Superman" de James Gunn. Desarrollamos ahora a la prima del hombre de acero y ampliamos un poco el contexto de ambos.

La película es correcta pero también es genérica. Empiezo por ahí. No es mala, es coherente, está bien hecha y también tiene algunos espacios para desarrollarse en lo artístico, aunque son pocos. Estamos, una vez más, ante una de esas aventuras de personaje en solitario cumplidora de las que en Marvel ya hemos visto miles.

Supergirl, interpretada por una carismática Milly Alcock, esconde un drama y en la misión que se le pone por delante va a tener que enfrentarse a sus causas y consecuencias y a descubrirse a sí misma. Lo hemos visto millones de veces, pero está todo bien desarrollado.

Gillespie le imprime ritmo a la trama, que nunca aburre, y sobre todo trata de aportarle algo más allá de los parámetros de la mera obra de encargo al poner a Supergirl como a una superheroína con aristas, hastiada, nada simpática de partida, que tiene muchos nudos interiores que desatar. Es de agradecer que no se haya conformado con darnos a un personaje plano y se acabó.

Por otra parte, los villanos, si bien no son un dechado de carisma, sí son lo suficientemente malvados y sórdidos como para dar su parte de mal rollo y suponer una amenaza de verdad. Mientras, los secundarios tienen su desarrollo también y resultan interesantes, y aunque Lobo (un divertido Jason Momoa que cambia al Aquaman del universo anterior por éste mítico antihéroe de DC) podría tener más enjundia, entiendo que estamos todavía ante una presentación del personaje.

La estética está muy lograda y es evocadora, las escenas de acción son dinámicas y potentes, las conexiones con "Superman" están bien expuestas y hay algún momento fantástico como el del Sol fuera de la nave que sorprende.

"Supergirl" es genérica, sí, pero intenta jugar con lo que tiene para ir más allá. No lo consigue del todo y se queda en entretenida con buenos detalles. Me esperaba más para la que es la segunda película de este universo, pero cumplir creo que cumple.

OBSESIÓN. TERROR COTIDIANO SURREALISTA SIN CONCESIONES Y MAGNÍFICO

OBSESIÓN de Curry Barker - 2025 - ("Obsession")

Decía la semana pasada, cuando comentaba "Backrooms", que entendía perfectamente que se hubiese convertido en una película de terror de culto instantáneo. Hoy, tengo que decir que pienso lo mismo de "Obsesión", la segunda obra de Curry Barker.

"Obsesión" es una absoluta locura. Una absoluta locura con sus pies bien encajados en clásicos del género como los relatos de horror cotidiano y surrealista de Richard Matheson, clásicos como "La pata de mono" de W.W. Jacobs, clásicos modernos como "Cementerio de animales" de Stephen King u otros filmes de culto relativamente recientes como "It follows".

En "Obsesión" tenemos una trama cotidiana, como he dicho, en la que de repente hace acto de presencia un elemento discordante y hasta absurdo que lo cambia todo. A partir de este momento, dicha cotidianeidad se pone patas arriba y se desquicia y nos muestra lo peor de lo peor de los seres que pueblan su relato y, también, de su contexto social.

Aquí, en concreto, tenemos una relación tóxica llevada al peor grado inimaginable que sirve a Barker para satirizar dichas relaciones dependientes y desiguales, lo más chungo del amor romántico mal entendido y las relaciones humanas en general en el mundo de las app de citas. Todo por medio de unos personajes que son, la mayoría, bastante viles en lo suyo.

En el aspecto del terror en sí, "Obsesión" es una montaña rusa de inquietud y miedo con un looping tras otro. Nos va a golpear sin parar una y otra vez, y va a rizar el rizo de la locura cuando menos te lo esperas y luego va a volver a rizarlo. No se esperen el más mínimo descanso: esto traspasa lo esperable, lo lógico y lo políticamente correcto.

Y además, Inde Navarrette da puñetero miedo. Qué descubrimiento, qué actriz. Una genio de la mueca, de lo inesperado, de la transpiración de inquietud. Michael Johnston la acompaña muy bien, pero es que ella directamente se merienda todo y nos entrega uno de los papeles del año.

"Obsesión" es una película de terror del duro, del que no hace concesiones, del que te deja pensando y pensando y del que trata temas incómodos de una forma incómoda. No se la pierdan.

THE MANDALORIAN AND GROGU. UNA PELÍCULA DE AVENTURAS BUENA Y EMOTIVA

THE MANDALORIAN AND GROGU de Jon Favreau - 2026 - ("The Mandalorian and Grogu")

A "The Mandalorian and Grogu" se le ha acusado un poco, dentro del fandom de "Star Wars", de ser un capítulo alargado de la serie de la que viene que no da grandes pasos hacia adelante (o incluso prácticamente ninguno). Es cierto. Tampoco pienso que sea esto algo malo, especialmente teniendo en cuenta que el universo de esta gigantesca franquicia sigue ampliándose sin cesar y que habrá, estoy seguro, más películas de estos dos personajes.

"The Mandalorian and Grogu" es, ciertamente, una aventura de 132 minutos que podría ser ese capítulo alargado de su serie. Creo que es la intención, no obstante, desde el principio. Como he dicho va a haber más películas de ambos, estoy seguro, y esta primera es una suerte de "toma de contacto" que busca sentar claves futuras. Se lo puede permitir su director, Jon Favreau.

Y ojo, aunque no encontremos grandes avances aquí para el crossover gigantesco de este universo siempre en expansión, sí que nos presentan a nuevos personajes magníficos. No voy a revelar el principal, pero tiene relación con la trilogía clásica de George Lucas y me parece toda una sorpresa cargada de carisma.

También cuenta la cinta con momentos fantásticos que sí que afianzan la relación entre los dos protagonistas y que son verdaderamente emotivos. Van directos al corazón y son un regalito para quienes hemos seguido la serie de "The Mandalorian" hasta ahora. Además, está muy bien situada históricamente en un momento clave del trasfondo central que sí que retrata algunas de sus facciones en diversos puntos interesantes.

Igualmente, el filme cuenta con una combinación magnífica de thriller, de filme de acción y de filme de aventuras y las referidas escenas de acción son espectaculares todas, desde la primera hasta la última (y la última es una auténtica pasada que remite a los mejores momentos de la también mentada trilogía clásica de "Star Wars").

Para terminar, los escenarios son los habituales, evocadores y llenos de encanto, la galería de criaturas, androides y naves ídem, y los efectos especiales los perfectos. "The Mandalorian and Grogu" es una magnífica película de aventuras de dos personajes que ya son clave de su mundo. Eso sí, en una segunda entrega esta fórmula ya no va a funcionar: a partir de ésta sí debe avanzar la trama significativamente.

HOKUM. UNA IMPERFECTA PERO LOABLE PROPUESTA DE TERROR FOLK IRLANDÉS

HOKUM de Damian McCarthy - 2026 - ("Hokum")

"Hokum", la nueva película del irlandés Damian McCarthy, la tercera tras "Caveat" y "Oddity", que no he podido ver aún, es una loable propuesta de terror puramente irlandés, valga la redundancia, que tiene un ligero problema no obstante de indefinición y de lagunas.

También tiene bastantes méritos, y eso la hace, como he dicho, loable. Yendo de inicio con lo bueno, comento que McCarthy sabe desarrollar bien a sus personajes y, en especial, al protagonista, un escritor de éxito que sin embargo está quemado porque arrastra bastantes traumas y pérdidas a sus espaldas. Está además interpretado de forma genial por Adam Scott, que sabe aportarle la dosis justa de cinismo y aburrimiento vital y, también, dar vida a un ser muy desvalido.

Los secundarios no se quedan atrás: tienen el desarrollo justo para no ser carne de cañón ni para quedar olvidados por la trama, aunque alguno que otro finalmente se quede algo colgado.

Luego, tenemos una intriga bien llevada, un hábil retrato de la contraposición de lo peor del ser humano con lo supuestamente paranormal y un uso del terror popular y del folclore irlandés acertado. Especialmente además contamos con un escenario fantástico (un hotel rural de la Irlanda profunda) bien explotado y con una ambientación de diez tanto en los interiores como en los exteriores.

"Hokum" viene por otra parte con un miedo bien explotado y con varias escenas de sustos que consiguen hacerte saltar en la silla y otras varias de tensión muy bien desplegadas.

Le falla la mencionada indefinición, en primer lugar. Es terror, es thriller y es drama. No termina de desarrollar a ninguna de las tres fuentes ni tampoco las equilibra muy bien. Esto influye en una trama que a veces es abrupta en sus cambios constantes de tono y estilo.

En segundo lugar, hay bastantes lagunas en dicha trama. Se deja a la imaginación demasiado en algunos momentos, especialmente en el final, que se siente cortado de golpe y poco redondeado.

"Hokum" es una buena propuesta de terror irlandés, de terror folk diferente al que tenemos costumbre de ver más, y aunque tiene los fallos mencionados es, como he dicho, loable. La recomiendo con sus imperfecciones.

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BACKROOMS. UNA PELÍCULA DE CULTO INSTANTÁNEA Y PERTURBADORA

BACKROOMS de Kane Parsons - 2026 - ("Backrooms")

Entiendo perfectamente que "Backrooms" se haya convertido instantáneamente en una película de culto. Es novedosa e innovadora de verdad, es terrorífica y angustiosa de verdad y consigue que le des vueltas al coco de verdad. Posiblemente, ya, recién estrenada, haya marcado a toda una generación y más allá de amantes del género.

Basada en una leyenda urbana de Internet, en un creepypasta, y dirigida por Kane Parsons, de sólo veinte años y creador de la serie "The Backrooms" en YouTube, que explota el mismo concepto, la película es una cinta de terror liminal (el concepto viene de "limen", "umbral" en latín), terror de corte borgiano que explota los espacios que están entre dos lugares sin pertenecer a ninguno de ellos.

"Backrooms" es una de esas obras de las que pienso que hay que saber poco o muy poco (o incluso mejor nada de nada) antes de lanzarse a verla. Es así cuando tiene más impacto, cuando es capaz de golpearte más con su propuesta. Por eso aquí acaban las referencias a su trama en esta reseña.

Sí voy a decir que el filme es una creación absolutamente rompedora, cargada de imaginación y de mal rollo, con unas escenas inquietantes verdaderamente pesadillescas, con unos sustos que se quedan grabados y con un uso del espacio y de los personajes que lo pueblan demoledor. Soñarás con dicho espacio, lo aseguro, y también con dichos personajes.

Le añadimos a todo esto una dosificación magnífica de la información dentro de una trama que avanza siendo interesante y con enigmas hasta el último minuto y unos personajes con profundidad, que no son en absoluto carne de cañón y que además están espléndidamente interpretados (Chiwetel Ejiofor y Renate Reinsve están geniales del todo) y tenemos una obra única que, aunque adolece de ser algo larga a veces y de tener un final coherente pero con algunos flecos, es ya un referente del terror de la década. Vayan a ver "Backrooms".  

MICHAEL. PRIMERA PARTE DEL BIOPIC SOLVENTE PERO TAMBIÉN GENÉRICA

MICHAEL de Antoine Fuqua - 2026 - ("Michael")

Me gusta mucho Michael Jackson y conozco las vicisitudes generales de su carrera pero no soy un mega fan acérrimo de él tampoco. Creo, desde mi punto de vista, que "Michael", la primera parte de su biografía cinematográfica, es una película correcta y, sobre todo, visual y musicalmente espectacular.

Jaafar Jackson, sobrino del fallecido artista, le interpreta, y el filme, dirigido por el siempre solvente en general Antoine Fuqua, tiene sus mejores bazas en una banda sonora impresionante (cómo no) y en unos números musicales magníficos.

El joven Jaafar borda a su tío en absolutamente todo, hasta en el gesto más nimio, y secundarios como Colman Domingo o Nia Long están fantásticos. Los mencionados números son una pasada y la película, que cuenta la primera parte de la vida del cantante y músico centrándose en su conflictiva relación con su padre (el mentado Domingo), se pasa en un vuelo porque tiene un ritmazo y es, en algunos momentos, casi un musical en sí.

Desarrolla bien también, para profanos incluso, de dónde viene el estilo de Michael Jackson y sus ideas revolucionarias de música, de baile y de videoclips, la infancia y adolescencia duras que le marcaron, su primera etapa con los también míticos The Jackson Five y la mencionada relación con un padre tirano, egoísta, maltratador y chantajista emocional que veía a todos sus hijos como herramientas para que su familia se enriqueciese y fuese famosa.

La película es correcta siempre y nunca aburre. Ahora bien, adolece de ser también demasiado genérica. Le falta riesgo muchas veces, y retrata solo lo mejor, lo inmaculado del personaje. Se nota demasiado que su familia está metida en todo. 

No obstante, habrá una segunda parte. Es algo que pilla de sorpresa porque, por lo menos que yo recuerde, no se había anunciado. En esta segunda parte, presumiblemente, llegarán las etapas más oscuras y polémicas de Michael Jackson. Supedito el resto de la "saga" a lo que nos cuenten en ésta y a cómo nos lo cuenten. Por lo pronto, "Michael" es una obra correcta en todos los sentidos, aunque no vaya más allá de lo cómodo.

LA VIDA ES BUENA SI NO TE RINDES. EL INOLVIDABLE DEBUT LARGO DE SETH

LA VIDA ES BUENA SI NO TE RINDES de Seth - De 1993 a 1996 - ("It's a good life, if you don't weaken")

Seth es el seudónimo del canadiense Gregory Gallant, miembro de la tríada canadiense, valga la redundancia, que conforman él, Chester Brown y Joe Matt (aunque éste es estadounidense, vivió con ellos muchos años en Canadá -y en este blog tenéis comentada su obra "Pobre cabrón"-). Los tres fueron muy amigos (Seth y Brown siguen siéndolo) y compartieron existencia diaria durante muchos años (Matt por desgracia murió en 2023 de un infarto con sólo 60 años) y también aparecieron todos asiduamente en las viñetas de los demás.

Seth es un hombre obsesionado con el pasado, con un pasado que muchas veces piensa que era mejor que el presente (aunque sabe en el fondo que no es así, por lo menos en muchos aspectos) y que incluso viste como un tipo de los años 10 a los años 60: con gabardina larga, chaqueta, corbata y sombrero de ala.

Sus primeras historias aparecieron en su propia revista, Palooka-Ville, que comenzó como una crónica de su vida diaria y que acabó acogiendo cómics como el que nos ocupa, "La vida es buena si no te rindes", el que llamó la atención sobre él y lo hizo famoso.

"La vida es buena si no te rindes" es una crónica ficticia de cómo el propio Seth trata de encontrar a Kalo, un dibujante canadiense de tiras cómicas del New York Times que publicó unas cuantas y luego desapareció de la vida pública. Esta narración no es real: Seth no vivió esta aventura cotidiana y Kalo nunca existió. Mucha gente todavía sigue pensando que todo esto era cierto y ocurrió.

Obsesionado con un pasado que cree que fue mejor, como he comentado, y atrapado en un presente que le desagrada, Seth es un joven inseguro y pedante, culto y pretencioso, que vive, a sus 31 años, autoretenido en su infancia y adolescencia, sumido en la melancolía por lo no vivido y evitando constantemente los problemas, a los que no sabe enfrentarse (además, es un negligente emocional de cuidado). 

Él se retrata así, de la misma manera que Chester Brown (el amigo que aparece constantemente en este cómic) y Joe Matt se retrataban también con sus defectos: era algo muy típico del cómic independiente canadiense y también estadounidense de la época.

Su viaje en busca del rastro de Kalo, de saber si está aún vivo, de rebuscar en archivos y de preguntar a personas que lo conocieron le lleva, por la Canadá profunda de su infancia, a reflexionar sobre la nostalgia y los peligros de vivir en el pasado, sobre si dicho pasado era realmente tan ideal o no, sobre el paso del tiempo, sobre el sentirse solo aún estando rodeado de personas, sobre la responsabilidad en el amor o en la familia, sobre la amistad y, especialmente, sobre la lucha por sacar adelante el arte en medio de un mundo que exige obligaciones cotidianas que hacen esta lucha muy difícil, tema representado en Kalo y en el propio Seth, que vive "al día" pidiéndole dinero a amigos como el propio Chester Brown cuando tiene una emergencia económica.

Con un dibujo aún en perfeccionamiento pero ya claramente propio, simple, de línea bastante clara, con figuras realistas pero que a la vez beben de ciertos dibujos animados contrahechos y de escenarios habitualmente o atiborrados de multitudes o desolados (en constante contraposición), "La vida es buena si no te rindes" está narrada de forma lineal y simple pero, a la vez, consigue una identificación muy íntima con Seth.

Es un cómic minimalista, a veces son subtramas cotidianas largas insertadas en la principal que completan la figura del protagonista, pero cargado de una lucidez emocional conmovedora que logra tocar las fibras más sensibles. Su desenlace es una auténtica preciosidad que pone los pelos de punta.

La primera gran obra de Seth se publicó en su mencionada revista Palooka-Ville entre 1993 y 1996. Fue como he dicho un gran éxito y lanzó la carrera del autor al reconocimiento que no ha dejado de tener. Una joyita imprescindible.

LA NUEVA ISLA DEL TESORO. COMIENZA LA CARRERA DE OSAMU TEZUKA

LA NUEVA ISLA DEL TESORO de Osamu Tezuka - 1947 - ("Shintaka Rajima")

"La nueva isla del tesoro" fue el primer manga largo realizado por Osamu Tezuka (con sólo 19 años) y en él, además de su característico dibujo ya bastante desarrollado en sus fluidas dinámicas, encontramos varios de sus temas y un desenlace absolutamente inesperado que sorprende en una obra para niños de 1947.

Inspirado en los dibujos de los hermanos Fleischer y de Walt Disney en esta primerísima etapa suya, el futuro Dios del manga se basó ligeramente en "La isla del tesoro" de Robert Louis Stevenson, que mezcló con su particular versión de Tarzán, para hacer una epopeya para niños llena de peripecias y de imaginación.

"La nueva isla del tesoro" narra la aventura de un niño llamado Pete que se enrola en un barco para buscar el referido tesoro y acaba enfrentándose, junto con su capitán, Mostacho, y junto a un perrito al que acoge, a unos piratas que también lo quieren y a otras amenazas como tiburones y caníbales.

Lo que Tezuka nos pone por delante es una loca historia de acción frenética, humor desenfadado, rupturas con las tramas lineales y final, como he dicho, con sorpresa. El ritmo es cinematográfico: aunque parezca increíble, no era lo habitual en el arte de las viñetas del Japón de esa época. Tampoco lo era crear una historia larga, de cerca de 200 páginas: en el país se vendían solamente mangas cortos entonces porque se pensaba que los largos no iban a funcionar.

El tono es infantil e inocente: la trama avanza saltando de giro en giro con ingenuidad total y los personajes son planos y predecibles. No obstante, hay ya un bonito retrato de amistad intergeneracional y, también, una interesante reflexión sobre la realidad y los sueños que sorprende por su relativa seriedad en un cómic que, como he dicho, es para niños japoneses de finales de los años cuarenta.

"La nueva isla del tesoro", encargada por el también mangaka Shinichi Sakai, fue modificada por éste a disgusto de Tezuka: se eliminó su final y se quitaron páginas. El creador de Astroboy llegó a considerarla una obra que no representaba su trabajo. 

Por suerte, décadas después, la volvió a dibujar de memoria (el original al parecer estaba perdido y las copias muy, muy deterioradas) para recopilarla en sus obras completas con el final real: esta edición, de 1984, es la considerada definitiva y la que comento.

Este manga vendió en su día la friolera de 400.000 ejemplares. En una época en la que el manga tal y como lo conocemos estaba prácticamente en pañales y, como he dicho, solamente se publicaba en formato de historias cortas. A partir de aquí, se empezaron a crear historias largas como ésta "La nueva isla del tesoro", clásico primigenio del cómic japonés y del autor que ya nos da pistas de su maestría futura y que es revelador de su estilo inicial y muy divertido.