TOY STORY 5. SECUELA DIGNA, PERO ABRUPTA Y CON TEMAS QUE NO DESARROLLA

TOY STORY 5 de Andrew Stanton - 2026 - ("Toy Story 5")

"Toy Story 5" me ha parecido la película más floja de su saga, y con bastante diferencia (y eso que está a la dirección Andrew Stanton). Esencialmente porque, siendo buena en general (porque no, mala no es, desde luego) tiene dos problemas importantes: el primero, que es muy errática, y el segundo, que pone sobre la palestra un tema muy actual e interesante que se queda en la indefinición más absoluta.

Vamos con el primero: "Toy Story 5" está hecha de varias subtramas solapadas que van por libre hasta que se van uniendo de forma un tanto abrupta. No hay tampoco demasiado ritmo ni equilibrio entre ellas y mientras que algunas son interesantes otras importan y aportan bien poco (alguna, como la de los Buzzlightear, hasta prácticamente nada).

A esto añadimos otros problemas más ligeros pero que restan: hay asuntos secundarios que hemos visto ya en las otras entregas y que ya están muy manoseados y hay personajes que salen "porque tienen que salir" y ya está (y ello afecta a protagonistas principales como el propio Woody incluso).

Y ahora vamos con el segundo problema: el filme plantea, por vez primera, el enfrentamiento entre los juguetes tradicionales y una tablet. La irrupción de la tecnología desbocada con su idiotización de las personas, con su capacidad salvaje para aislarlas aunque prometa comunicarlas y para destrozar su atención era lo más sugerente del filme. 

Por desgracia, este asunto se presenta... Y se resuelve en un pis-pas, deprisa y corriendo, sin mucha coherencia, sin reflexión siquiera. Es tremendamente decepcionante esto, especialmente teniendo en cuenta que es prácticamente el único aliciente de una quinta entrega de una saga que ya se ve que no da más de sí por lo menos hasta nueva orden.

Oigan, que luego el filme tiene personajes carismáticos, como toda su serie, y chistes que funcionan, y momentos dramáticos bellos y escenas de acción imaginativas y una animación que como siempre es deliciosa. Pero todo esto no logra sacar de lo simplemente funcional a una secuela que, a pesar de ser digna, no deja de verse floja, a medio gas. Si hay una sexta "Toy Story" o afinan muy, muy bien en Pixar o posiblemente la saga se vaya ya a la mediocridad.

ERNEST Y CÉLESTINE. UNA PRECIOSIDAD ANIMADA SOBRE EL ODIO A LO DIFERENTE

ERNEST Y CÉLESTINE de Benjamin Renner, Stéphane Aubier y Vincent Patar - 2012 - ("Ernest & Célestine")

"Ernest y Célestine" es una absoluta joya del cine franco-belga dirigida por el francés Benjamin Renner (que después co-dirigiría también la genial "El malvado zorro feroz" y la recién estrenada "Migración. Un viaje patas arriba"), por el belga Stéphane Aubier (que venía de dirigir "Pánico en la granja" y que luego dirigiría la serie y la película de Perro Apestoso) y por el también belga Vincent Patar (que había dirigido con el anterior "Pánico en la granja" y que también estaría con él en las adaptaciones mencionadas de Perro Apestoso).

Basada en los libros homónimos de la autora belga Gabrielle Vincent y con guión del escritor francés Daniel Pennac, "Ernest y Célestine" ha ganado numerosos premios de cine de animación, ha obtenido menciones especiales en el Festival de Cine de Cannes y ha sido nominada a los Oscars de su categoría.

Creada en un estilo tradicional-digital, en dos dimensiones y con estética de cuento ilustrado en movimiento y colores de acuarela (inspirado todo en los propios libros de Gabrielle Vincent), la película es una preciosidad visual que se erige como un cine animado diferente en una época regida por el 3D de forma esencial.

En un mundo de osos y ratones antropomorfos donde los primeros viven en la superficie y los segundos bajo tierra, una ratona, Célestine, se hace amiga de un oso, Ernest. Las sociedades de ambos, llenas de miedo, de prejuicios y de odio a lo diferente, van a hacer todo lo posible para que su amistad no prospere.

Manejando un tono de fábula anclada sin embargo en un realismo muy humano, el filme, con un ritmazo que a veces es frenético, cargado de humor, de diálogos irónicos e inteligentes y de drama justo y poderoso, es una crítica social absolutamente feroz al racismo, a la mencionada intolerancia, a los autoritarismos, al clasismo y al conformismo que, además, es una lección perfecta de cómo no ser maniqueo: tanto en el mundo de los osos como en el de los ratones hay individuos y actitudes buenas y despreciables (de hecho, tanto Ernest como Célestine son marginados por sus propios ambientes).

Además, rompe una lanza a favor de la mencionada amistad como cura de los prejuicios y del odio y el miedo y otra por la libertad y la libre elección de una vida frente a unas familias opresivas, intransigentes y víctima de tradiciones rancias.

"Ernest y Célestine", con escenas que ponen los pelos de punta (hay varias en el final que me hicieron llorar) es una obra maestra de la animación que es capaz de cautivar a los niños y a los adultos y ya un clásico total del último cine franco-belga y europeo.

POMPOKO. UNA MAGISTRAL Y BELLÍSIMA FÁBULA ANIMALISTA Y ECOLOGISTA

POMPOKO de Isao Takahata - 1994 - ("Heisei Tanuki Gassen Ponpoko")

"Pompoko" surgió de una idea original de Hayao Miyazaki que Isao Takahata tomó finalmente y desarrolló en solitario. Sigue el director japonés despuntando con un cine único y maravilloso tras "La tumba de las luciérnagas" y "Recuerdos del ayer" y, como deseaba en aquel momento cambiar de género y aparcar el drama, se lanzó a rodar este filme fantástico con animales antropomorfos y magia por doquier. 

El asunto central vuelve a ser, cómo no viniendo del Studio Ghibli, la lucha ecológica, unida al de la pérdida de las tradiciones clásicas japonesas, absorbidas por la modernidad y también por la "invasión" de las costumbres y hábitos de la cultura occidental. 

Un grupo de mapaches lucha por conservar su hábitat natural frente a la ciudad creciente que es su vecina, que cada vez va comiéndoles más terreno y cambiando los bosques por urbanizaciones. Estos mapaches son los llamados "Tanuki" o "perros-mapache" en Japón. Según la mitología antigua de este país, dichos animales tienen la capacidad de transformarse en aquello que desean con sólo pensar en ello. 

Isao Takahata, de nuevo desplegando una animación fascinante, llena de imaginación, de fluidez y de calidad, narra una historia romántica y melancólica cargada también de humor que pone un especial acento en la unión ante la adversidad, en el antibelicismo (una vez más presente en una obra suya y representado en los mapaches que dejan de luchar entre ellos para afrontar el enemigo común), en el cuidado de la naturaleza y en el buen trato a los animales.

Los personajes de "Pompoko" son una delicia, tanto los mapaches como los zorros, y los diálogos un ejemplo de lucidez social. Las escenas de "acción" son fascinantes: en especial es magnifica e inolvidable esa misteriosa procesión de fantasmas que recorre la ciudad. El desenlace del filme es también una maravilla, una melancólica revisión de por qué cambian los tiempos y qué se llevan por delante estos cambios.

"Pompoko" fue un éxito abrumador en Japón, tanto que llegó a ser la primera película japonesa de animación elegida para representar al país en los premios Oscar. Imprescindible en todos los aspectos.

HOPPERS. UNA BELLA FÁBULA ECOLOGISTA SOBRE LA COMUNICACIÓN

HOPPERS de Daniel Chong - 2026 - ("Hoppers")

"Hoppers" no es la quintaesencia de Pixar, y lo digo desde ya, desde el principio de la reseña, pero sí creo que es una película magnífica con un mensaje positivo y coherente sobre el cuidado de la naturaleza y sobre la unión de seres diferentes.

Debut de Daniel Chong en el largometraje, el filme es una fábula ecológica con tecnología punta de por medio que narra la lucha de Mabel Tanaka, una joven idealista, por salvar de la especulación urbanística un paraje natural conformado por un lago y sus alrededores que está al lado de su casa y que ha sido desde que era una niña un lugar especial para ella.

Por medio de la aventura incesante, del humor fino habitual del estudio y de un bien insertado drama Mabel evolucionará y también los personajes que la rodean (el protagonista de hecho es prácticamente coral: creo que estamos en una de las películas del estudio de "Toy Story" con más caracteres tanto principales como secundarios, y todos están bien desarrollados).

Un punto que marca especialmente a "Hoppers" es la hondura de dichos personajes. Encantadores, especialmente los de los animales, presentan, especialmente los principales, valga la redundancia, un claroscuro notable: aún marcados esencialmente por los buenos sentimientos, tienen dilemas, tienen enfrentamientos, y aportan sorpresas inesperadas (sobre todo, creo que el del alcalde y el del rey mapache son los más redondos e interesantes).

Los temas son varios de los habituales en Pixar, además del mencionado ecologista: la búsqueda de la identidad, el autodescubrimiento, el paso a la madurez, la comunicación (perfectamente ejemplificada en las relaciones entre los humanos y los animales y entre los propios animales, de especies diferentes, en un ecosistema hostil pero ordenado con lógica), la guerra por malentendidos y ambiciones soterradas y el enfrentamiento entre el mal uso de la tecnología y la ética y la empatía.

Los diálogos son inteligentes y divertidos, las escenas de acción son locas y frenéticas, el guión sabe dar los giros necesarios para no aburrir en ningún momento y la animación es, como siempre en Pixar, impecable y bellísima. "Hoppers" es otra buena película de esta compañía. No, no está al nivel de las mejores, pero es en todo momento destacada también.

SUPER MARIO GALAXY: LA PELÍCULA. UNA SECUELA ERRÁTICA Y DECEPCIONANTE

SUPER MARIO GALAXY: LA PELÍCULA de Aaron Horvath y Michael Jelenic - 2026 - ("Super Mario Galaxy: The Movie")

"Super Mario Bros: La película" me pareció, y en esta etiqueta del blog tenéis la reseña, la mejor adaptación de un videojuego vista en mucho tiempo. Rompió, y de forma radical, esa maldición que cae sobre las adaptaciones de este arte normalmente, que acaban siendo, salvo honrosas excepciones, malas películas e incluso sonados e infames bodrios.

Pues bien, por desgracia, su secuela, "Super Mario Galaxy: La película", me ha resultado todo lo contrario, y además de forma radical. Y es extraño, porque repite todo el equipo y repite su dúo de directores, pero, lamentablemente, aquí se cae todo con todo el equipo.

El principal problema que tiene esta segunda parte es su indefinición absoluta. No sabes de dónde viene y no sabes a dónde va. Todo se divide en subtramas alocadas que no aportan casi nada y que hacen que la principal apenas avance para resolverse de golpe al final. Ves peripecias, aventuras, chistes, homenajes bonitos a videojuegos, pero no ves que se articule nada ni interesante ni coherente.

Por si fuera poco, los nuevos personajes no tienen apenas desarrollo (Estela, siendo tan importante y tan poderosa, prácticamente no sirve para nada, Bowser Jr. no tiene entidad fuerte como nuevo villano y Yoshi no puede tener menos interés siendo quién es), mientras que los antiguos no aportan y hasta resultan incoherentes (creo que lo que hacen con Bowser no tiene nombre).

Sí hay cosas que tocan el corazoncito, como la aparición de Wart, el algo olvidado villano de "Super Mario Bros II" y sus míticos secuaces, la del gran Fox McCloud de "Starfox" o el homenaje a las aún más míticas maquinitas "Game & Watch" de Nintendo. También, como siempre, la animación es una joya. Pero ¿y el resto?

"Super Mario Galaxy: La película" es un refrito de escenas encadenadas, desordenadas en batiburrillo, e insertadas en una trama mínima y errática que no hace justicia ni a su universo ni a sus personajes. Una verdadera pena. Espero que la siguiente entrega se ponga las pilas, porque vaya decepción.

LIFI, UNA GALLINA TOCADA DEL ALA. UNA PRECIOSA JOYA ANIMADA ANIMALISTA

LIFI, UNA GALLINA TOCADA DEL ALA de Oh Seong-yoon - 2011 - ("Madangeul Naon Amtak")

No conocía al surcoreano Oh Seong-yoon y la que es su primera película: "Lifi, una gallina tocada del ala". Una película que me ha parecido fantástica y maravillosa y una obra maestra de la animación. Si hay una obra, animada o no, en las últimas décadas que define a la perfección el cine animalista es tal vez ésta. Es, además, una película educativa, pero educativa de verdad, sin maniqueísmos y sin moralinas baratas. 

"Lifi" (me ahorro el horrendo subtítulo para la versión española) narra una historia de dualidades en la que nada es o blanco o negro. Su protagonista escapa del corral en el que es explotada para poner huevos por un granjero y huye a la naturaleza, pero descubre que el mundo natural es también un mundo despiadado en el que hay que sobrevivir día a día. Idealización cero. Allí, va a encontrar alegrías y tristezas, y una lucha por la vida ambigua en la que nadie es completamente malo o completamente bueno. 

"Lifi" es una fábula que habla de la libertad, de la superación, del especismo (que se da también entre los propios animales aquí y que puede ser perfectamente extrapolado a la crítica al racismo), de la valentía, de la comprensión, de la amistad, del sacrificio, de las relaciones a veces complicadas entre madres e hijos. 

También habla sin embargo de la lucha por la supervivencia, que a veces crea enemigos donde no tendría a priori por qué haberlos. Desmitifica a la naturaleza, aunque también la alaba como lugar de salvación y libertad a pesar de todo. Es coherente y lúcida, y no se anda por las ramas.

Oh Seong-yoon, valiéndose de una animación preciosa, naif y sencilla pero de bellos diseños y con un tratamiento muy hermoso de la luz y el color, nos lleva por la historia de esta gallina valiente alternando muy bien el drama, el humor (genial el personaje de la nutria alcalde), la acción y el puro divertimento. 

"Lifi" es una delicia para los sentidos y para el alma: en serio lo digo. Sus personajes son maravillosos, su mensaje muestra la dualidad de la vida en todos sus aspectos y su desenlace, cargado de sorpresas llenas de significado, pone absolutamente los pelos de punta. Lloré viendo esta película, de verdad. No se la pierdan: es además bastante desconocida y hay que reivindicarla porque se lo merece de sobra. "The Underdog", la segunda obra de su autor, se estrenó en 2018 pero no hay manera de encontrarla, por desgracia, por ninguna parte.

RUBEN BRANDT, COLECCIONISTA. IRREGULAR PERO DIFERENTE, SUGERENTE Y PRECIOSA

RUBEN BRANDT, COLECCIONISTA de Milorad Krstic - 2018 - ("Ruben Brandt, a gyujto")

"Ruben Brandt, coleccionista", primera película del animador y también pintor y artista multimedia esloveno Milorad Krstic (la segunda, de 2025, se llama "MouMoush, The King of Plastic", y está por estrenarse según leo) y coproducción entre Eslovenia y Hungría, país en el que él reside, es una película de animación de esas que, en un mercado algo saturado, pienso, de obras que copian el estilo de Pixar y el de Ghibli, podemos etiquetar perfectamente como "diferente".

A caballo entre el "noir", el filme de ladrones y el drama psicológico, "Ruben Brandt, coleccionista" es un homenaje el arte en todos sus ámbitos y especialmente al pictórico que establece una loca aventura moderna en una sugerente Europa cultural donde cada ambiente y personaje está recreado según un estilo artístico diferente.

Ruben Brandt es un famoso psicólogo especialista en trabajar los traumas por medio del arte que tiene constantes pesadillas con cuadros famosos que tratan de atacarle. Un grupo de ladrones profesionales a los que trata en su terapia buscarán la manera de robar estos cuadros para él y tratarle a su vez por este medio como él los trata a ellos, valga la redundancia.

Sirviéndose de una intriga interesante y de unas escenas de acción geniales (la primera persecución en el coche es espectacular), el filme desarrolla una parábola sobre cómo el arte está en todas partes, nos condiciona, nos cambia. Para bien y para mal. 

La animación, mezcla de 2D y 3D, es lo más maravilloso que tiene sin ninguna duda. Cada escenario, cada personaje, cada escena, es una delicia para los sentidos. Vamos a tener seres y espacios expresionistas, cubistas, surrealistas, picassianos, art-deco y hasta "clásicos" reinterpretados en un juego constante de referencias, símbolos y plasticidad.

Además, hay más homenajes, esta vez cinéfilos: en especial, al cine negro clásico norteamericano y europeo. Desde la Nouvelle-Vague a Alfred Hitchcock pasando por Luís Buñuel o Fritz Lang o títulos clave como "El Halcón Maltés" o "Rififí".

El único problema que el filme tiene es que presenta muchos personajes y muchos de ellos no son muy profundos y que, en su parte final, adolece de un ritmo bastante abrupto y de una trama errática que, combinados, hacen que el conjunto decaiga y se pierda un poco. Empieza todo muchísimo mejor de lo que termina, y eso es una verdadera pena.

Pero a pesar del desinfle que encontramos en dicha última parte, "Ruben Brandt, coleccionista" es una obra animada como he dicho muy diferente a lo que vemos hoy, con una estética impresionante e inolvidable, personalísima, y con un trama extremadamente original. Lástima, insisto, en que no quede pulida como debiera por sus irregularidades.

CASTLEVANIA: NOCTURNO. UNA SEGUNDA TEMPORADA QUE CIERRA TODO MUY BIEN

CASTLEVANIA: NOCTURNO de Clive Bradley - De 2024 a 2025 - ("Castlevania: Nocturne")

La segunda temporada de "Castlevania: Nocturno" cierra hasta nueva orden la serie, que se encuentra según Sam Deats, uno de sus directores, "en pausa" (puede haberla, puede no haberla finalmente: imagino que todavía se estará evaluando su rendimiento).

El cierre que tiene ahora es no obstante, de ser definitivo, coherente y lógico, y si bien deja tramas abiertas no las deja cortadas de golpe, mientras que por otro lado todos los personajes terminan de desarrollarse.

Retomamos la historia donde la dejamos y volvemos a tener una aventura de lucha contra el mal, de anhelos humanos y de batalla política (la ambientación en tiempos de la Revolución Francesa le sentó genial a la primera temporada y aquí se repite el logro) llena de lecturas interesantes (en este caso, se llega incluso a tocar un tema tan actual como las cazas de brujas y las revanchas y venganzas políticas y sociales, aquí representadas en el incipiente Reinado del Terror francés).

Los protagonistas y los villanos continúan (con todo su carisma) su enfrentamiento, y las relaciones entre todos ellos se van estrechando: amor, amistad, familia, relevo generacional, odio, perdón, trauma y peso del pasado, competición brutal, opresión y revolución, colonialismo e imperialismo europeo en otros continentes... Todos estos asuntos vuelven y vuelven con diálogos magníficos.

Los personajes, además, no son planos, no son blancos ni negros cien por cien: existe una gran escala de grises en todos ellos que se acentúa todavía más tras la primera temporada en las conclusiones de esta segunda.

El sentido épico de la acción se mezcla de nuevo con el terror propio de la franquicia del mítico videojuego al que adapta, que sigue explotando un plantel de criaturas de las tinieblas magnífico y lleno de su imaginación característica.

Finalmente, encontramos de nuevo esa descompensación en la calidad de la animación de la primera temporada: a veces dicha animación es verdaderamente espectacular y a veces es esquemática. Por suerte, estas segundas veces quedan en un segundo plano ante las primeras: cuando la animación, valga la redundancia, es buena en esta serie, es buena de verdad, y en especial sus combates son una delicia, una maravilla de la fluidez y de la potencia.

"Castlevania: Nocturno" se cierra hasta nueva orden dejando un listón alto y complementando perfectamente a su primera serie, "Castlevania". Gustará al fandom del videojuego y a la persona profana.

HOGAR A LA DERIVA. UN BELLO RETRATO EMOCIONAL DEL PASO A LA MADUREZ

HOGAR A LA DERIVA de Hiroyasu Ishida - 2022 - ("Ame wo Tsugeru Hyouryuu Danchi")

No está oficialmente inspirada en el terrorífico y desasosegante manga "Aula a la deriva" del gran Kazuo Umezu según he leído, pero sí creo que esa inspiración, valga la redundancia, está en un porcentaje aunque sea mínimo en "Hogar a la deriva" del Studio Colorido, aunque el tono de ambas obras sea radicalmente diferente (eso aparte de que el tropo de niños que son transportados a otra dimensión o lugar similar está muy presente en el arte japonés desde siempre).

Segunda película de Hiroyasu Ishida, "Hogar a la deriva", (la primera es "Penguin Higway", que tenéis comentada en el blog en esta etiqueta) narra eso de nuevo: un grupo de estudiantes que están en la pubertad o cerca de alcanzarla son transportados, dentro de un edificio abandonado que va a ser demolido, a un mar inmenso e interminable donde flota dicho edificio y del que deberán buscar la manera de salir.

Este mar interminable, junto con el mencionado edificio, que les sirve de barco surrealista y que antes de ser abandonado fue importante para estos niños, son además unos lugares emocionales que se constituyen en símbolos de lo que dichos niños están viviendo en la primera época complicada de sus vidas.

Con unos personajes muy bien desarrollados, Ishida nos lleva por un periplo de crecimiento personal y de procesamiento de la pérdida, de sentimientos ocultos o reprimidos y de falta de comunicación que culmina en un enfrentamiento con el final de la infancia y la entrada en la primera madurez, que vienen unidas a la necesidad y a la obligación de asumir un pasado que quedó atrás.

"Hogar a la deriva" habla de esa etapa que todo el mundo ha vivido, que puede ser apasionante y a la vez dolorosa, con diálogos magníficos además y con varias sorpresas en una trama que nunca se resiente en interés y en la que, si bien predomina lo realista mágico e incluso lo lírico, hay espacio para algún punto kafkiano o siniestro.

El segundo filme de Hiroyasu Ishida cuenta además con una animación deliciosa marcada por unos escenarios especialmente bellos y le confirma como un director prometedor de su país. Continuaré siguiendo su carrera.

LA CANCIÓN DEL MAR. TOM MOORE REFINA SU ESTILO EN OTRA NUEVA Y PELÍCULA PRECIOSA

LA CANCIÓN DEL MAR de Tom Moore - 2014 - ("Song of the sea")

Tom Moore, en su segunda película, de nuevo en el estudio irlandés Cartoon Saloon, vuelve a revisitar la mitología y el folclore de su país natal para regalarnos otra historia sobre seres humanos enfrentados a algo que no conocen. Y esta vez, todo ha quedado mucho más redondeado: los personajes, la trama, la simbología. Los pequeñitos fallos que tuvo "El secreto del Libro de Kells" (que no la lastraron tampoco realmente) están aquí totalmente subsanados. 

Unos niños, ante la falta de sus padres, se van a vivir con su abuela y cambian el campo por la ciudad. En su nuevo ambiente, descubrirán algo que no imaginaban. 

"La canción del mar" combina a la perfección drama, aventura, un toque de comedia y una historia con mensaje moral que esquiva con gran habilidad las lecciones tontas o demagogas. Es un cuento moderno anclado como he dicho en las leyendas irlandesas y lleno de hábiles metáforas sobre toda clase de sentimientos y que además experimenta en la narrativa con las historias encadenadas. 

Esencialmente, el filme habla de la pérdida, pero alrededor de este asunto pivotan otros muchos, que se ordenan en base a las relaciones personales entre hijos, padres y abuelos: el salto generacional está siempre presente. 

La ausencia, la identidad, el amor, el desamor, el dolor, la frustración, la muerte, el autoconocimiento, la inocencia perdida o la naturaleza son estos asuntos. 

La película es un canto a la vida y a la alegría que, desde los sentimientos más tristes, trata de enseñar un camino para sobrevivir a lo que no nos gusta, a lo que perdemos nos guste o no a lo largo de nuestra siempre complicada existencia.

El de "La canción el mar" es un mensaje que cala sin problemas en los niños, que están aprendiendo a vivir y que siempre buscan respuestas para sus primeros encuentros con el sufrimiento humano, pero también en los adultos que no terminan de hallar su lugar en el mundo. 

Sobra decir que la animación es, como la del primer filme de Tom Moore, una maravilla absolutamente soberbia. El original e imaginativo estilo icónico, de vidriera medieval en movimiento, repite más refinado, y nos transporta a universos maravillosos llenos de lirismo, romanticismo y capacidad evocadora y, además, poseedores de un sabio uso de la luz, del color y de las condiciones climáticas, que delinean los estados de ánimo de los personajes y los completan en cada momento. 

"La canción del mar" es la confirmación de un gran autor animado llegado desde el frío norte de las leyendas y otra obra más de una de las compañías animadas clave de Europa y ya podemos decir que de todo el globo.

ARCO. UN HERMOSO DEBUT ANIMADO QUE TRATA ASUNTOS PROFUNDOS

ARCO de Ugo Bienvenu - 2025 - ("Arco")

"Arco", la primera película larga animada del francés Ugo Bienvenu, me ha parecido una bellísima joyita, exquisita en lo visual y llena de contenido profundo en lo argumental.

Influenciada claramente por el Studio Ghibli (se nota en ciertos diseños, en ciertos personajes y en su concepción paisajística), narra la historia de un niño del lejanísimo año 2932 que da nombre al filme y que cae desde su tiempo a la Tierra en el también lejano, aunque algo menos, año 2075. Allí, conocerá a Iris, una niña con la que entablará una relación especial y que le deberá ayudar a volver a su tiempo.

Con esta premisa que a priori puede parecer manida Bienvenu construye sin embargo una trama original, con sorpresas, con personajes hondos y con un mensaje ecologista que retrata dos mundos muy sugerentes: el primero, el del año 2075, está lleno de comodidades absolutas porque los robots hacen todo el trabajo pero, sin embargo, también ha quedado deshumanizado y poblado por familias donde los mencionados robots también hacen de padres porque, irónicamente, el mundo laboral se ha vuelto todavía más invasivo y nadie tiene tiempo para nada.

Paralelamente, el del año 2932 está movido por una tecnología extremadamente desarrollada que ya no se diferencia de lo que podríamos llamar hoy magia y que, sin embargo también, ha dejado a los humanos apartados de un planeta que para variar no han sabido cuidar ni manejar.

El filme, con una animación bellísima y sobre todo con unos escenarios preciosos (el tratamiento de la luz es especialmente una delicia), transita por ambos preguntándose qué es la humanidad y cuál es su objetivo, para qué sirve la tecnología y cuál es su relación con nosotros y con la naturaleza y, además, retratando asuntos universales como la familia, la amistad, el amor o la frustración vital.

Alguna irregularidad tiene, eso sí. Aunque dura solamente 82 minutos, hay un momento cerca del final en el que pierde un poco el ritmo. Además, algún personaje se queda un poco desdibujado y algún otro también aparece tarde.

No obstante, estos pequeños defectos no lastran una obra animada magnífica que cuenta con varias escenas que se quedan grabadas, con protagonistas muy carismáticos, con reflexiones lúcidas y con un final con sorpresa que resulta demoledor. Extremadamente recomendable cinta animada francesa. 

EL ÚLTIMO UNICORNIO. LA ÚLTIMA OBRA MAESTRA DE RANKIN/BASS PRODUCTIONS

EL ÚLTIMO UNICORNIO de Arthur Rankin Jr. y Jules Bass - 1982 - ("The last unicorn")

Tras sus incursiones en el mundo de J.R.R. Tolkien con la destacable "El Hobbit" y la fallida "El retorno del Rey", Arthur Rankin Jr. y Jules Bass rodaron dos de sus mejores películas prácticamente a la vez. Una fue directa a la televisión y otra no, pero ambas son excelentes y poseen una animación maravillosa. 

"El último unicornio" y "El vuelo de los dragones", de 1982, son dos de las últimas, por desgracia, producciones de la compañía de ambos animadores, Rankin/Bass Productions, que realizó unos cuantos cortometrajes y especiales televisivos de Navidad hasta tener que cerrar tristemente en marzo de 1987. 

Que es una compañía que hay que reivindicar sin descanso lo dejan bien claro estas dos cintas imprescindibles y trabajos anteriores como la comentada en esta etiqueta "Mad Monster Party". 

Hoy hablamos de "El último unicornio" ("El vuelo de los dragones" la tenéis ya comentada en esta etiqueta) una película que, basada en el libro homónimo de Peter S. Beagle, fue uno de los mayores éxitos de sus dos autores tanto de crítica como de público. 

La animación es obra de Topcrath, un estudio japonés. Se nota la influencia del manga de este país y su excelente mezcla con las influencias americanas clásicas: todo es, visualmente, una total y absoluta preciosidad. Sorprende en una obra de principios de los años ochenta tal nivel de detalle, tal fluidez de personajes y objetos en movimiento, tal maestría a la hora de diseñar y colorear, tal realismo y expresividad. 

El poder evocador de "El último unicornio" es increíble, y a todo ello hay que unirle una banda sonora de ensueño y un reparto de voces inolvidable (Mia Farrow, Alan Arkin, Jeff Bridges, Christopher Lee...). Me entristece pensar lo que habría sido capaz de hacer el estudio de Rankin/Bass Productions si hubiese tenido más medios y más margen para actuar o si hubiese conocido las técnicas de animación de hoy, más rápidas y más baratas a pesar de toda su polémica artística.

"El último unicornio" es una película para niños pero también para adultos. Habla sobre la búsqueda de la identidad y la autorealización esencialmente, pero también sobre el sentido de la vida, sobre la soledad, sobre la amistad, sobre el amor, sobre la superación de los problemas, sobre el poder curativo del viaje y también lanza una arenga ecologista incluso. 

Nada tiene que envidiar al mejor cine de animación, ese que disfrutan personas de todas las edades y que enseña valores a todos. Arthur Rankin Jr. y Jules Bass se recuperan con esta obra maestra del batacazo que les supuso la precipitada versión del libro de "El Señor de los Anillos", "El retorno del rey", una de sus peores creaciones.