RUROUNI KENSHIN. UN SHONEN HISTÓRICO Y FANTÁSTICO CLÁSICO SOBRE LA REDENCIÓN

RUROUNI KENSHIN de Nobuhiro Watsuki - De 1994 a 1999 - ("Rurouni Kenshin")

La obra más famosa de Nobuhiro Watsuki sigue siendo "Rurouni Kenshin", que tiene además una continuación todavía abierta llamada "Rurouni Kenshin Hokkaido". Su mezcla de estructura de manga shonen con historia y fantasía fue muy novedosa en su momento y, además, el autor supo aplicarla sin fisuras, de forma creíble y lógica.

Publicado en la revista Shonen Jump de Sueshia desde 1994 a 1999, cuenta con adaptación al anime, películas y novelas y se ambienta en los primeros años de la Era Meiji, la era en la que Japón se abrió al mundo después de siglos de aislamiento de forma definitiva tras los acontecimientos del Bakumatsu, en los que cayó la dinastía Tokugawa.

Kenshin es un maestro de la espada que fue una vez un asesino y que viaja como un vagabundo por Japón. En su camino, encontrará amigos, enemigos y el amor, y, sobre todo, una oportunidad para redimirse por su pasado.

Es éste el asunto central del manga: la redención. Kenshin ha matado a innumerables personas creyendo en el advenimiento de un tiempo mejor, pero eso no quita que haya sido un asesino. Hay una clave importante: en esta época, muchas personas habían matado, y el acto atroz de quitar una vida estaba desgraciadamente más normalizado que hoy. ¿Puede alguien como el protagonista dejar atrás este pasado?

"Rurouni Kenshin" estudia este asunto, que viene unido a una visión reformista y humanista del Japón del pasado, que dejó atrás en la mencionada Era Meiji un gobierno caduco e injusto que sustituyó por otro que, irónicamente, no se libró de la violencia, de la injusticia o de la corrupción. El retrato de Watsuki no es maniqueo: las revoluciones, aunque sean justas y salgan bien, no son siempre perfectas.

El manga clama además contra el autoritarismo y la tiranía, representadas en el villano del primer gran arco, el mítico Makoto Sishio, que quiere instaurar la ley del más fuerte en Japón y al que se oponen Kenshin y sus amigos con su pacifismo y su defensa de los más débiles.

Hay en el cómic una salvación de los valores samuráis de la vieja era, no obstante, pero adaptados a la nueva: se toma lo bueno que tenían y se deja atrás lo que volvió a los samuráis violentos, clasistas y corruptos.

Con un dibujo limpio pero lleno de detalles, carismático y dinámico, Nobuhiro Watsuki elabora un manga de acción y lucha cargado de drama político y personal con toques de humor también. La estructura del shonen habitual está siempre presente: enemigos que se vuelven amigos, personajes que evolucionan por medio de su entrenamiento físico y espiritual y varias sagas.

En sus inicios, "Rurouni Kenshin" presenta una serie de historias cortas con villanos independientes en las que se van presentando a los protagonistas y al Japón de esos primeros años Meiji. Posteriormente, llega la saga del mencionado Sishio, saga política sobre dos regímenes enfrentados, y luego la de Enishi Yukishiro, saga más emocional y centrada en el pasado de Kenshin.

La de Sishio es más interesante y perfecta: sus secuaces tienen más carisma que los de Yukishiro y su trama está más elaborada, pero la del mentado Yukishiro tiene una fortísima intensidad emocional y, con sus irregularidades (algunas lagunas de guión, personajes más desaprovechados -incluso los propios protagonistas-) es la que cierra de forma definitiva el ciclo de redención de Kenshin (además, Yukishiro es un villano interesantísimo lleno de sorpresas).

En septiembre de 2017 Nobuhiro Watsuki empezó a publicar la secuela de este manga, todavía inconclusa, como he comentado, "Rurouni Kenshin Hokkaido". En noviembre de ese mismo año el autor protagoniza un escándalo en Japón y fuera del país también que no puedo referir aquí porque me borrarían la entrada: los seguidores de este manga saben a qué me refiero y hay información sobrada de esto en Internet.

El debate sobre separar o no autor de obra estalla con fuerza alrededor de toda la franquicia, que es suspendida momentáneamente pero que luego vuelve porque Watsuki paga su correspondiente deuda con la ley japonesa. No es cancelado y las reacciones a todo esto son muy diferentes en su país y en el extranjero, ya que "Rurouni Kenshin" es una de las franquicias más importantes del manga dentro y fuera de las tierras japonesas, por lo cual Sueshia continúa como he dicho adelante con ella. El debate sigue y seguirá servido.

EL MALVADO ZORRO FEROZ. DESTERNILLANTE PARODIA FRANCOBELGA DE LOS CUENTOS

EL MALVADO ZORRO FEROZ de Benjamin Renner y Patrick Imberg - 2017 - ("Le Gran Méchant Renard et autres contes")

A "El malvado zorro feroz" le ocurre lo que le ocurre a las historias de Wallace y Grommit de Aardman Animation: su humor es tan, tan, tan particular, tan podríamos decir "puramente francobelga", que a mucha gente o le encanta o no lo soporta (el del dúo del inventor y el perro podríamos decir que es "puramente inglés").

A mí me hace desternillarme, pero entiendo que a alguna gente se le pueda atragantar. Es un humor absurdo, slapstick, paródico, irónico en unas ocasiones y tonto en otras de forma consciente que da la vuelta a los tópicos de los cuentos clásicos de animales antropomorfos. Todo ello contrasta con un estilo de dibujo que parece el de un cuento, valga la redundancia, para niños: por eso choca aún más.

Basada en un cómic de Benjamin Renner, que también es el director junto a Patrick Imbert, "El malvado zorro feroz" cuenta tres historias de animales diferentes unidas por el nexo de ser representadas en el mismo teatro por los propios animales.

En la primera un cerdo, un conejo y un pato tienen que entregar un bebé que una cigüeña no puede por circunstancias, en la segunda un zorro que no vale para ser zorro trata de demostrar que sí que es un zorro feroz y terrible (es la que da nombre al filme en su conjunto) y en la tercera el pato y el conejo la lían parda por Navidad. 

El filme enseña valores a través de ellas: cuidar a alguien no es fácil, no tenemos por qué desempeñar el papel que esperan de nosotros o de nosotras los demás, el amor puede cambiarnos o tenemos que asumir nuestras responsabilidades. Los niños se lo pasarán genial y aprenderán: los adultos, también.

Dibujada "a mano" y coloreada en estilo de acuarela, "El malvado zorro feroz" es una delicia visual y un divertimento genial, muy loco, con el que yo no he parado de reír. Los personajes tienen carisma, sus diálogos son chispeantes, la acción es divertidísima y tiene bastantes gags absolutamente memorables. Y además, y esto lo considero muy importante, presenta una animación que no es la habitual que copia a Pixar o a Ghibli: es puramente europea y personal. 

THE SNOWMAN AND THE SNOWDOG. UNA SECUELA COMERCIAL PERO MUY DIGNA

THE SNOWMAN AND THE SNOWDOG de Hilary Audus - 2012 - ("The Snowman and The Snowdog")

Aunque Raymond Briggs se resistió siempre bastante a esta idea, una secuela de "The Snowman", llamada "The Snowman and The Snowdog", se llevó finalmente a cabo para celebrar en las televisiones, en las Navidades del año 2012, el treinta aniversario del mítico cortometraje de Jimmy T. Murakami que se basaba en su libro de cuentos e ilustraciones.

Aunque volvió gran parte del equipo de animación original para esta segunda parte, el propio Murakami no lo hizo por encontrarse ya retirado (fallecería poco tiempo después, el 16 de febrero de 2014, a los ochenta años). 

Se pasa el testigo de la dirección a la animadora, diseñadora de efectos especiales y escultora Hilary Audus, que ya había trabajado en el mencionado equipo original de "The Snowman" y en otras películas del propio Murakami. 

Se emplearon exactamente las mismas técnicas (ya perfeccionadas, eso sí) para crear el cortometraje, que tuvo también una duración similar (23 minutos). 

"The Snowman and The Snowdog" es cierto que es una producción homenaje que, con la excusa de este homenaje, se dedica a calcar a su antecesora añadiéndole algunas cositas nuevas y poco más. Sin embargo, creo que esto y no otra cosa era lo que en esta ocasión los fans querían, y aunque se podría haber arriesgado mucho más, tampoco daba el cuento realmente para alargar mucho el chicle sin correr el riesgo de faltar a la esencia.

El mensaje es el mismo, la historia es la misma: ahora todo se desarrolla en Londres y ahora además de un muñeco de nieve el chico de marras tiene un perrito de nieve en honor a su perrito real, que murió. Hay una conexión con el filme de 1982 y el desenlace, aún siendo igualmente agridulce, tiene un punto algo más optimista y edulcorado. Llámenlo comercial si quieren, porque lo es, pero lo cierto es que tampoco es que desentone con el estilo general del cuento ni que falte a su mensaje. 

Hoy la crítica es muy corta, pero no hay mucho más en "The Snowman and The Snowdog". Homenaje nada arriesgado pero sentido y sincero y muy bien animado a uno de los cortos animados básicos de la década de los ochenta. Si sirve para promocionarlo y que no sea olvidado, me vale.

THE SNOWMAN. LA PRECIOSIDAD DE ADAPTACIÓN DEL CUENTO DE RAYMOND BRIGGS

THE SNOWMAN de Jimmy T. Murakami - 1982 - ("The Snowman")

Jimmy T. Murakami, un director irregular pero que cuenta con algunas de las obras animadas más importantes de los años ochenta en su haber, dirigió en 1982 la adaptación a las pequeñas pantallas de "The Snowman", el cuento ilustrado que el gran Raymond Briggs publicó en 1978. 

Aunque no es cien por cien fiel (especialmente porque le añade elementos navideños, tal vez más comerciales, a la trama original), sí que mantiene la esencia del relato y los dibujos sobre todo son idénticos. 

La historia es bien simple, es el cuento famoso que todos conocemos: un niño se hace amigo de un muñeco de nieve que construye en su jardín, el cual toma vida, y ambos viajan por mundos fantásticos.

Jimmy T. Murakami sabe captar toda la esencia de esta fábula sobre la pérdida de la inocencia, la entrada al mundo adulto, las ilusiones y los sueños confrontados con la realidad y la esperanza y la desesperanza que está abierta a otras miles de interpretaciones. 

En sus veintiséis minutos de duración, "The Snowman" consigue conmover, emocionar, poner los pelos de punta y hacer que cualquier niño dé rienda suelta a su imaginación y, sobre todo, hacer que cualquier adulto pueda volver a su infancia, a esos días maravillosos sin colegio donde todo era posible. 

La animación es una delicia: sencillamente maravillosa. Para calcar el estilo del cuento de Briggs, el director opta por realizarla toda por medio de las técnicas de animación más tradicional y le da un uso mayoritario a modos de hacer clásicos como el lápiz, el uso del color pastel y el dibujo directo en el celuloide, todo en unos tonos cálidos y evocadores, capaces de crear un romanticismo de ensueño. 

El resultado es precioso, y si lo unimos a la estupenda banda sonora, con el tema central "Walking in the air" de Howard Blake y Peter Auty, tenemos uno de los cortometrajes animados más míticos de la historia.

La guinda del pastel la pone el gran David Bowie, que colaboraría de nuevo con Murakami en su posterior obra, el largometraje "Cuando el viento sopla", y que realiza la introducción no animada de la pequeña película. 

"The Snowman", que tuvo una secuela muy tardía, ya en el año 2012, "The Snowman and the Snowdog", también recomendable y que comentaré mañana, es una maravilla mítica que no debe ser olvidada.

LLEGAN LAS AVENTURAS DEL AURIGA DEL VAPOR, MI PERSONAJE PULP STEAMPUNK

¿TE APETECE LEER LAS AVENTURAS DE MI PERSONAJE STEAMPUNK?

"Conspiraciones, ingenios mecánicos, sindicatos de hombres invisibles y un héroe como no hay otro se dan cita en 'El Auriga del Vapor'".

El Auriga del Vapor es mi conductor steampunk: un tipo misterioso que deshace entuertos en su coche victoriano. 

Su primera aventura ya está en Tentacle Pulp y habrá muchas más: será un personaje recurrente de esta gran app de relatos. 🙂

¿Te apetece leerla?

AQUÍ TIENES LA REVISTA DE TENTACLE PULP

EL ÚLTIMO GRAN HÉROE. EL DESTERNILLANTE Y GENIAL MCTIERNAN DE LA METAFICCIÓN

EL ÚLTIMO GRAN HÉROE de John McTiernan - 1993 - ("Last Action Hero")

"El último gran héroe" es desde mi punto de vista una de las mejores películas de John McTiernan, del John McTiernan de su buena etapa, la de sus entregas de "La Jungla de Cristal" o de películas como "La caza del Octubre Rojo" o "Depredador". 

Fue en su momento un rotundo fracaso tanto de taquilla como de crítica, aunque con el tiempo, y merecidamente, se ha ido convirtiendo por sus méritos entonces ignorados en una obra de culto. 

Antes de "Los Mercenarios" o de películas paródicas del cine de acción del mismo corte, "El último gran héroe" vino a proponer un ejercicio cachondísimo de metacine y de parodia, valga la redundancia, en el que un niño fanático de las películas de acción era transportado al mundo de Jack Slater, su personaje de ficción favorito, protagonista de una saga de este género e interpretado por Arnold Schwarzenegger, que le daba vida tanto a él como a sí mismo. 

La película es una sucesión de homenajes desprejuiciados, hechos con cariño, y de escenas delirantes en las que se mezcla incluso la animación (genial el detective felino). Los chascarrillos y los tópicos son constantes y desternillantes, y las coñas a otras sagas (ese "Terminator" protagonizado por Stallone es impagable) magníficas. 

Todo unido a unas escenas de acción muy destacadas, a unos diálogos muy entrañables y a unos personajes secundarios del todo imprescindibles: en especial, el villano interpretado por Charles Dance es absolutamente magnífico. 

No queda aquí la cosa, ya que McTiernan se permite pisar terrenos más serios y poner a caldo a los políticos norteamericanos en algunos gags y hacer la referencia al cine más "independiente" metiendo en la acción a películas de directores como Ingmar Bergman a modo de "crossover" (el desenlace es del todo insuperable). No entiendo, de verdad, como esta película fue tan machacada. Menos mal que el tiempo la ha puesto en su sitio: en el podio del culto. Lo merecía desde el principio.

SCARLET. UNA PREMISA INTERESANTE Y AMPLIA MAL LLEVADA QUE LASTRA EL FILME

SCARLET de Mamoru Hosoda - 2025 - ("Scarlet")

Aunque su animación híbrida entre 2D y 3D es una absoluta preciosidad, "Scarlet" es, desde mi punto de vista y hasta este momento, la peor película de Mamoru Hosoda, un director del que tengo aquí en el blog comentada toda su filmografía y que me encanta por norma general.

Su premisa, de la que no quiero decir nada porque es un elemento básico y sorpresivo de la película, es muy original y está llena de posibilidades. No obstante, está también usada de una forma bastante tramposa y está muy limitada para lo amplia que podría haber llegado a ser.

Mamoru Hosoda se sumerge en un contexto especial, que va más allá del tiempo y del espacio habitual "humano", pero usa este contexto para crear unas reglas propias que manipula o modifica según le va conviniendo para justificar lagunas de trama con el abuso de estas modificaciones y con el abuso de metáforas y simbolismos.

El filme, una reflexión sobre el odio y la venganza, sobre la violencia de todas las sociedades, sobre la historia mundial, sobre el perdón y la búsqueda de la felicidad, sobre el hecho de que con nuestros problemas vivimos en el mejor tiempo posible (este mensaje tan luminoso y clarividente es muy necesario hoy, pienso) y sobre la vida y la muerte, tiene por otra parte a dos personajes protagónicos muy carismáticos que, sin embargo, no están bien explotados. Lo mismo se puede decir de los secundarios, interesantes pero planos y hasta anecdóticos.

Todo esto es una pena, porque "Scarlet" acaba siendo por acumulación de problemas e imperfecciones una película improvisada, incoherente, forzada y desaprovechada, a pesar de que su aspecto visual es una absoluta pasada (las texturas son una delicia, y los combates, y muchas escenas de acción) y de que su punto de partida es como he dicho original y está lleno de posibilidades (que por desgracia no se cumplen).

LA ODISEA. UNA VERSIÓN MAGNÍFICA DEL MITO DE HOMERO FIERAMENTE ANTIBELICISTA

LA ODISEA de Christopher Nolan - 2026 - ("The Odyssey")

La versión de "La Odisea" de Homero de Christopher Nolan, recién estrenada, va a ser posiblemente la película del verano y, posiblemente también, la película del año. No es para menos viendo la trayectoria de su director y, además, estamos ante una obra ciertamente espectacular.

El realizador británicoestadounidense ha creado su particular versión de la epopeya griega clásica mezclándola con segmentos de "La Ilíada", el otro gran poema de Homero, y con hechos de la mitología y la historia griegas que no aparecen en dicho poema y, además, lo ha situado todo en su contexto histórico: el de la invasión de los misteriosos Pueblos del Mar que acabaron con la prosperidad de la Edad de Bronce, que todavía suscitan debates sobre quiénes fueron realmente.

Los temas son los del mencionado Homero y, además, Nolan añade los suyos, aunque hay uno que deja bastante de lado y que ha suscitado críticas: el de la intervención de los dioses, clave para entender la época. Es su versión de la historia, no obstante: no se le exige una fidelidad ni a él ni a nadie en sus decisiones.

El regreso a casa de Ulises, la identidad y su recuperación, la memoria, la fidelidad, el uso de la inteligencia frente a la fuerza bruta y la hospitalidad hacia los extranjeros como norma moral y religiosa son unidos a un abierto antibelicismo fiero que vertebra todo el relato, con el trauma de la guerra y de la destrucción de Troya marcando a un Ulises mucho más humanizado y adecuado a cómo pensamos en nuestros días.

El filme dura 172 minutos y nunca aburre: su ritmo es constante, y salta sin parar entre el presente y el pasado alternando la pura aventura propia del relato con el drama. 

Visualmente es un portento: la Grecia mítica de Nolan es un lugar absorbente, amenazante y bellísimo a la vez, de paisajes evocadores y de ciudades cutres (más alejadas del esplendor habitual del Hollywood clásico y también moderno) y de seres terroríficos magníficamente recreados.

El plantel, finalmente, es espectacular y está espectacular. Matt Damon como el protagonista brilla, pero cualquier secundario o secundaria, por muy poco que aparezca, también lo hace. Estamos ante una epopeya que recupera lo mejor del mentado Hollywood clásico que reunía a gigantes de la interpretación de varias generaciones.

"La Odisea" de Christopher Nolan es un viaje exterior e interior estupendo y una absoluta delicia para los sentidos. El director ha vuelto a darnos otra joya fílmica y ha vuelto a reinterpretar un mito aportándole su propia visión pero respetando sus orígenes.

HE-MAN Y LOS MASTERS DEL UNIVERSO. UNA ADAPTACIÓN DIGNA LLEGA POR FIN

HE-MAN Y LOS MASTERS DEL UNIVERSO de Travis Knight - 2026 - ("Masters of the Universe")

Si la "Masters del Universo" de 1987 fue un absoluto fiasco en todos los aspectos, tengo que decir que ésta de este 2026 me ha parecido una película magnífica hecha además con un cariño sin par por su franquicia.

Se nota que alguien como Travis Knight, autor de joyas como la animada "Kubo y las dos cuerdas mágicas" o "Bumblebee" (prácticamente la única película buena de toda la saga de "Transformers") está en la dirección. Todo está cuidadísimo y equilibrado en una producción que gustará a niños y a adultos.

He-Man, si bien tiene su trasfondo original algo trastocado, es un personaje con carisma, coherente, gracioso de verdad y, a la vez, heroico de verdad y con un conflicto lógico y profundo. Nicholas Galitzine, caracterizado a la perfección, sabe darle el toque ideal en todas sus vertientes.

Lo mismo se puede decir de los secundarios: todos y todas están interpretados por un plantel fantástico, lleno de caras conocidas o que ahora están despuntando y que, además, están como el protagonista perfectamente caracterizadas. Mención especial para el Skeletor de Jared Leto, que me parece terrorífico y a la vez ridículo, como era el de la serie de los años ochenta.

La trama se mueve constantemente entre el humor y el drama, y alterna momentos que son de puro cachondeo (sí, la sombra de "Guardianes de la Galaxia" y del Thor de Taika Waititi es alargada en estos momentos) con otros inesperadamente hondos y hasta violentos. 

Asuntos como la identidad, la lucha contra el mal, las relaciones entre padres e hijos y padres e hijas, la frustración vital, la tiranía o la integridad son muy bien tratados, y a través de diálogos buenos.

La ambientación es espectacular y preciosa, el vestuario el ideal (todos los personajes de los juguetes y de las series son reconocibles a la primera), los homenajes y las referencias son constantes pero vienen sin avasallar, la banda sonora de Daniel Pemberton es épica y frenética y las escenas de acción y de combates están llenas de potencia y de inventiva.

"He-Man y los Masters del Universo" de Travis Knight me ha parecido una joyita del cine fantástico y de acción y una relectura descacharrante y a la vez seria de la espada y brujería épica que se deconstruye a sí misma con lucidez. Ojalá sigua dando entregas esta saga.

MASTERS DEL UNIVERSO 1987. LA PRIMERA Y DECEPCIONANTE ADAPTACIÓN DE HE-MAN

MASTERS DEL UNIVERSO de Gary Goddard - 1987 - ("Masters of the Universe")

De niño, vi "Masters del Universo" de 1987 en la televisión (era aún muy pequeño para ir al cine) y la decepción, ya con esa edad, fue mayúscula. Esencialmente, por dos cosas: Eternia apenas aparece y hay muchos personajes inventados mientras que otros básicos faltan.

La película, con el tiempo, con su segunda vida en los videoclubs y con su tercera vida en las televisiones, fue adquiriendo la etiqueta de película de culto, pero lo cierto es que en su día fue vapuleada sin piedad y con razón porque representaba a un He-Man bastante de baratillo y su guión bueno no era tampoco.

El mencionado He-Man fue Dolph Lundgren, que entonces estaba en su cresta de la ola. Físicamente podía dar el pego, aunque no era igual al de la serie animada mítica, pero su carácter era demasiado serio (y además no aparecía en su versión del príncipe Adam). El Skeletor de Frank Langella sí que era bastante mejor, y posiblemente es de las cosas menos criticadas del filme.

Los secundarios fueron por otra parte planos y poco carismáticos, y en la película se inventaron a varios personajes nuevos que no aportaron demasiado, especialmente los terrícolas, cuando faltaban como he dicho bastantes de los básicos. 

Además, por las limitaciones del presupuesto no aparecieron ni Cringer ni Battle Cat y cambiaron al mítico Orko por un ser de diseño bastante pobre llamado Gwildor que, aunque con el tiempo también acabó siendo de culto y siendo introducido en la continuidad oficial de la franquicia, aquí fue bastante pesado e irritante.

Las mentadas limitaciones de presupuesto hicieron además que, como he señalado antes, la mítica Eternia apenas apareciese en el filme a favor de un pueblo de los USA típico, y lo poco que lo hacía era en escenarios muy limitados e incluso cutres.

Finalmente, el guión fue genérico en el peor de los aspectos: es simplón, predecible, con un drama muy básico y un humor bastante cansino. "Masters del Universo" de 1987 fue un fiasco enorme: se dio el batacazo tanto con la crítica como en las taquillas. La franquicia en el cine se detuvo durante décadas, como sabemos, hasta que volvió este 2026.

CIEN AÑOS DE SOLEDAD. TEMPORADA I. LA ADAPTACIÓN PERFECTA DE LA NOVELA

CIEN AÑOS DE SOLEDAD de Rodrigo García, Laura Mora Ortega y Alex García López - 2024 - ("Cien años de soledad")

Era difícil, bien difícil, adaptar para la pantalla una obra del realismo mágico, la que fuese, y llevarla a buen puerto. Aún más difícil era, pienso, adaptar una como "Cien años de soledad" de Gabriel García Márquez. Pues bien, esta serie, por lo menos hasta ahora, en lo que es su primera temporada, lo ha conseguido.

Sobre la trama, los personajes y los mensajes de la novela, tenéis justo en esta misma etiqueta la reseña que hice de ella ayer mismo. En esta crítica me voy a centrar exclusivamente en analizar esta primera batería de episodios de la serie, que son ocho.

"Cien años de soledad", creada y dirigida por Rodrigo García, hijo del escritor, Laura Mora Ortega y Alex García López, consigue plenamente llevar el mundo de Macondo como he dicho a la pantalla y con éste la primera mitad, más o menos, de la mencionada novela.

Con un plantel de actores y actrices espectacular, todos y todas perfectamente caracterizados como sus personajes, en un escenario que es el pueblo de la Colombia caribeña de la obra escrita recreado sin perder un detalle (construido en cuatro versiones diferentes para mostrar el paso del tiempo y espléndidamente fotografiado por Paulo Pérez y María Sarasvati Herrera), la serie va desarrollando la historia de dichos personajes y del mentado poblado desde su nacimiento mítico hasta, en este primer tramo, la guerra civil que lo asola.

Todos los temas de la novela están espléndidamente desplegados y construidos, con coherencia y con la pasión que la caracteriza, y todos los episodios tienen ritmo, drama lógico, giros de guión precisos y diálogos magníficos. 

Insisto: es difícil, muy difícil, llevar "Cien años de soledad" al formato del cine (porque además la novela no tiene muchos diálogos, es sobre todo descriptiva y narrativa), y aquí se ha logrado al cien por cien.

Por cierto que toda la serie está realizada en Colombia, con reparto y equipo totalmente colombianos y en castellano. Las críticas han sido favorables en general y se ha tratado de una de las grandes superproducciones de la historia del audiovisual de este país.

Estos primeros ocho capítulos están llenos de vitalidad, de potencia, de belleza, de pasión y de puro cariño por la obra de García Márquez, aunque alguna licencia lógica haya (es normal casi siempre en las adaptaciones). Estoy esperando con ansia los siguientes ocho de la segunda temporada, que la cerrarán.

CIEN AÑOS DE SOLEDAD. EL CLÁSICO INSTANTÁNEO UNIVERSAL DE GARCÍA MÁRQUEZ

CIEN AÑOS DE SOLEDAD de Gabriel García Márquez - 1967 - ("Cien años de soledad")

De "Cien años de soledad" podríamos estar hablando horas y horas y seguir sacándole jugo. La novela estrella de Gabriel García Márquez, la que terminó de lanzarle al firmamento y de instalar en la cultura de masas el realismo mágico es una de las grandes obras maestras de la historia de la literatura y es una de esas novelas que, perfectamente, podemos decir que "va de todo".

El pueblo del caribe colombiano llamado Macondo (inspirado en su propio pueblo natal, Aracataca) ya había aparecido en "La Hojarasca" y en varios cuentos previos suyos y también había sido nombrado en otros de estos cuentos o en "El coronel no tiene quien le escriba" y "La mala hora" (estas novelas y dichos cuentos, reunidos en "Los funerales de la Mamá Grande", están también en esta etiqueta del blog, por cierto). Aquí, no obstante, es el protagonista absoluto y un personaje más.

Gabriel García Márquez escribió "Cien años de soledad" durante dieciocho meses, entre 1965 y 1966, en Ciudad de México, y después de que Seix Barral de Barcelona la rechazase, la novela fue publicada en 1967 por Editorial Sudamericana de Buenos Aires, siendo un éxito instantáneo y fulminante.

La epopeya narra la historia del mencionado Macondo desde su fundación hasta su destrucción, que corre paralela a la de una de sus familias fundadoras, la familia Buendía. Narrada en tercera persona por un narrador, valga la redundancia, que ya conoce los hechos, y en un tono de leyenda cotidiana, "Cien años de soledad" trata montones de asuntos y presenta a una de las galerías de personajes más inolvidables de la literatura.

La riqueza con la que García Márquez reconstruye la historia de este Macondo desde su fundación hasta su final, alternándola con la de los montones de seres humanos que lo van poblando o visitando, es espectacular. 

También lo es su descripción de costumbres y de eventos históricos que alzan a este pueblo y que a la vez lo hunden y que lo convierten en un lugar mítico y a la vez cotidiano que puede ser perfectamente un símbolo de la propia Colombia en su conjunto e incluso del propio continente sudamericano en su conjunto, valga la redundancia.

El asunto central de la novela, ubicada temporalmente entre mediados del siglo XIX y mediados del XX, es la soledad. La hay de todos los tipos: física y emocional, familiar y amorosa, social e intelectual. El título lo indica. 

Alrededor giran otros (montones) como el paso del tiempo, la concepción circular y de eterno retorno de este paso del tiempo, los errores generacionales que no dejan de repetirse, el destino ya marcado y el libre albedrío, la memoria individual y colectiva, el olvido, la muerte, la familia, el amor, la amistad, la violencia atávica colombiana y la violencia que nace de la pasión, el poder y su mal uso, la opresión estatal, la guerra, la corrupción, los problemas de la modernización y del progreso, el colonialismo comercial de los Estados Unidos en Sudamérica, la pobreza, el odio.

Lo articula todo el mencionado realismo mágico, "lo real maravilloso": los hechos más cotidianos conviven con lo extraordinario, con lo mágico. Lo hemos visto en otras obras largas y cortas del autor como las antes mencionadas, pero nunca hasta sus últimas consecuencias. Además, este realismo mágico crea hábiles metáforas y simbolismos que complementan a la obra.

"Cien años de soledad" tuvo desde su publicación un impacto inmenso en la cultura universal y todavía lo tiene. Es una delicia de la lectura, una novela llena de contenidos universales y a la vez puramente colombianos y sudamericanos y un retrato humano que nunca dejará de mostrarnos como somos. Clásico imprescindible.