sábado, 14 de agosto de 2021

EXIT THROUGH THE GIFT SHOP. BANKSY NOS METE UN TORTAZO DE IRÓNICA REALIDAD

EXIT THROUGH THE GIFT SHOP de Banksy - 2010 - ("Exit through the gift shop")

No andan nada, pero nada desencaminados, esos que afirman que "Exit Through the Gift Shop" es una suerte de heredera del "Fraude" de Orson Welles. 

El artista callejero y multidisciplinar Banksy, ese cuya identidad todo el mundo quiere saber y algunos afirman conocer, ese que camina siempre en la cuerda floja entre lo "independiente" y lo más comercial o que deja un regalo tanto en la Franja de Gaza como en la super cool París, rueda una película que muchos creyeron en su día que versaba sobre su carrera y su personalidad... Hasta que la vieron. Sí, nada más lejos de la realidad que una película sobre Banksy. 


"Exit Through the Gift Shop"
es un documental atípico sobre el arte y sobre su relación con la sociedad que explora, como su propio nombre indica ("Salida por la tienda de regalos", como suele ocurrir en los museos) cómo algunas disciplinas y trabajos artísticos pueden acabar o bien resultando un timo de proporciones épicas o bien traicionándose a sí mismos y terminar como deseado objeto que ha de ser conservado (el arte callejero precisamente es un hermano de lo efímero, de la invasión silenciosa de los núcleos urbanos, destinado en su esencia a tener un momento de gloria o de clarividencia y a ser exterminado por los poderes del orden). 

Lo que empieza como una colección de alabanzas más o menos descaradas al mencionado arte urbano y, por supuesto, y aquí también hay ironía consciente e impostada, al ombligo ególatra de Banksy, que se ha convertido en el exponente mundial más famoso de esta disciplina (algunos critican que de forma injusta y que no es el mejor de los que la practican), sabe virar rápidamente y con sorpresa a un documental que despelleja a las concepciones más esnobs y comerciales del arte contemporáneo y reflexiona sobre su verdadero valor y su verdadero objetivo.

Mitomanía, coleccionismo, esnobismo y postureo, traición de la esencia de las disciplinas que nacieron de la rebeldía, transformación de esta rebeldía para hacer de ella un producto comercial "cool" que venda mucho merchandising, la producción de arte en masa, el plagio, el paso del arte que nace como "del pueblo", en los barrios, en la calle, a ser una suerte de McArte. 

Banksy juega con la realidad y la mentira, con los mitos urbanos y de las redes, con las leyendas baratas de la era de Internet, y nos regala (si es que realmente lo dirige él) un fascinante documental cargado de ritmo, que no agobia con datos, que lo dosifica todo a la perfección y que se burla de nosotros en nuestra cara para hacernos reflexionar a golpe de tortazo sobre la verdadera esencia y finalidad de un arte verdaderamente crítico y auténtico. "Exit Through the Gift Shop" nunca perderá su actualidad. Imprescindible.

viernes, 13 de agosto de 2021

HÉRCULES. EL CLÁSICO DISNEY QUE FUE UNA PELÍCULA DE SUPERHÉROES

HÉRCULES de John Musker y Ron Clements - 1997 - ("Hercules")

Después de la gravedad, la oscura épica y la sexualidad implícita, incluso tratándose de un filme para niños, de "El Jorobado de Notre Damme" de Walt Disney, llegó "Hércules", que se posicionaba en un estilo totalmente contrario pero que no por ello dejó de ser una película deliciosa. 

Al parecer, sus directores, Ron Clements y John Musker, querían realizar una versión futurista de "La isla del tesoro" que el estudio entonces no vio comercialmente rentable. Por ello, les ofrecieron crear esta "Hércules" a cambio de poder dirigir más tarde el otro filme, que se materializó en 2002 como "El planeta del tesoro". 

"Hércules" es, según sus directores, una película de superhéroes. Encubierta o no, lo es. Su estructura es esa, e incluso el protagonista recuerda a ese Superman o a ese Spiderman que han de elegir a veces entre sus grandes poderes o entre una vida normal junto a los suyos. 

Tenemos en el filme un trasfondo esperable de amor por encima de todas las cosas, de amor que supera todos los obstáculos (hasta la muerte). Alrededor de él dan vueltas los otros habituales: amistad, deber, responsabilidad del gran poder adquirido, lucha contra el mal, búsqueda de la identidad, viaje iniciático.

Clements y Musker saben tratarlos con limpieza, con gracia, con humor y drama bien mezclados y equilibrados. Sí, es cierto que se pasan por el forro e infantilizan los mitos griegos clásicos (llenos de violencia, de dioses y mortales cabrones o estúpidos, de sexo, de infidelidades, de venganzas, de traiciones y de héroes caídos en desgracia), pero también es comprensible y, a pesar de todo, esta "Hércules" sabe hablar perfectamente tanto a pequeños como a adultos.

El aspecto animado es una maravilla, por otra parte. Sobra decir que la animación de los estudios de Walt Disney siempre cumple por encima de todo, incluso en sus obras más mediocres, pero en este caso además de cumplir tiene una personalidad única y combina perfectamente el mundo de la mitología clásica, anacrónico, con reminiscencias a la cultura de masas norteamericana de nuestros días (un diez para el coro, motor de los dramas y comedias griegas de la Antigüedad). Lo han intentado y lo intentan muchas películas para niños, y pocas lo consiguen en condiciones. 

Los personajes, por otra parte, rezuman carisma y resultan hasta sexys (Hércules y Mégara lo son) y, sin ser el colmo de la hondura, tampoco son planos ni tontos. 

El "Hércules" de Walt Disney es otra película más que notable dentro de sus clásicos, otra vuelta de tuerca exitosa a un viejo mito que sus animadores saben revitalizar con sobrado éxito.

miércoles, 11 de agosto de 2021

¿QUIERES LEER MI NOVELA ESTE VERANO?

¿TE APETECE LEER MI NOVELA, IMAGEN CORPORATIVA, ESTE VERANO?

Son días de nuevas lecturas, de descanso, de vacaciones, de llevarse libros a la playa o a la piscina.

¿Te gusta lo que escribo por aquí?

Pues tengo también una novela publicada.

Se llama "Imagen Corporativa", la edita Ediciones El Transbordador y ha tenido buenas críticas.

Si te apetece leerla, te la envían a casa. Y si la quieres en digital, también está disponible. 

AQUÍ LA TIENES.

E incluso está como audiolibro, narrada por el gran Óscar Chamorro. 

AQUÍ.

¡Espero que te animes!

Y feliz miércoles de agosto :)

martes, 10 de agosto de 2021

EL ESCUADRÓN SUICIDA. UNA SORPRESA GAMBERRA Y CON MENSAJE POLÍTICO

EL ESCUADRÓN SUICIDA de James Gunn - 2021 - ("The Suicide Squad")

Antes de empezar la reseña afirmo que "Escuadrón Suicida" y especialmente "Aves de presa" me parecieron dos bodrios infames. Sin gracia, sin sentido, sin estilo, sin nada. Pero ahora, seguidamente, afirmo también que "El Escuadrón Suicida" me ha gustado, y bastante.

El fichaje de James Gunn creo que a DC en el cine le ha sentado bien. El director aporta ganas, cariño, cachondeo deprejuiciado, personalidad visual y, también, una crítica a la política exterior de los Estados Unidos que yo, la verdad, no me esperaba.

"El Escuadrón Suicida" es una segunda parte y a la vez eso que está tan de moda hoy y que mucha gente llama con merecido desprecio "un remake encubierto". Lo es. De prácticamente todos los personajes de su antecesora se olvidan y todo empieza de nuevo, como si aquella no hubiese apenas existido. Normalmente, no perdono estas cutrerías infectas: creo los fans se merecen un universo cohesionado y coherente, donde importe un mínimo de desarrollo de una trama colectiva (mínimo, por lo menos) y no el ensayo y error y el "bueno, pues si sale mal reiniciamos y se acabó".

No obstante, en esta ocasión lo voy a perdonar. Y además, hay que tener en cuenta lo mal que hasta este momento le ha ido a DC en el cine, con su universo tambaleándose, con actores largándose, con actores volviendo de repente y con sonados fracasos y polémicas como las de Zack Snyder. Poco más se podía hacer aquí salvo este "remake encubierto".

"El Escuadrón Suicida" es una gamberrada que se permite meter caña, como he dicho, a la política exterior de los USA. Por eso creo que, sin ser perfecta, es tan completa.

Tiene unos personajes, para empezar, mucho más carismáticos que los de la anterior entrega. Y aquí además Harley Quinn, si bien creo que está algo descolocada y forzada, no es una payasa que trata de emular a Deadpool en plan salchichero.

Margot Robbie por fin se ve cómoda en su papel. De una vez. Y el resto del reparto está también muy bien. Especialmente, muy divertidos todos y todas.

Por otra parte, la trama es entretenida de principio a fin, y combina sin fisuras y con gracia la sordidez, la violencia (o la ultraviolencia en algunos momentos) y la comedia negra con escenas emotivas y sentidas que desarrollan relaciones de amistad y de afecto inesperadas. 

Estéticamente también cumple de sobra: es personal y trata de conseguir muchas escenas "artísticas". La banda sonora está espléndidamente elegida, por otra parte, y ya si hablamos de las escenas de acción podemos afirmar que son frenéticas, dinámicas, divertidas, loquísimas y totalmente desprejuiciadas. Puro espectáculo.


"El Escuadrón Suicida"
es serie B hecha con dinero, pero Gunn es muy consciente de ello y se lo toma como tal. Y no obstante, el cachondeo y la falta de pretensiones no dominan al conjunto, como ocurre por ejemplo en películas para mí tan horrorosas como "Deadpool II" o la mencionada "Aves de presa", donde todo da exactamente igual, incluso el articular un guión medianamente bueno, en pos de echar un rato de risas alocadas.

En esta segunda parte de "Escuadrón Suicida" James Gunn, como he dicho, mete caña. Y se la mete al gobierno de su país. Hay más mensaje en esta película de lo que puede parecer en un principio, y eso es algo más que fantástico.

El universo DC del cine lleva un tiempo mejorando y "El Escuadrón Suicida" viene a refrendar esta tendencia. Espero que siga todo en esta línea: a pesar de ser todavía un rompecabezas roto, puede salvarse.

lunes, 9 de agosto de 2021

TIEMPO. M. NIGHT SHYAMALAN VUELVE A SUS ORÍGENES EN PLENA FORMA

TIEMPO de M. Night Shyamalan - 2021 - ("Old")

M, Night Shyamalan tuvo una década mala pero, ciertamente, la ha dejado atrás hace tiempo ya: desde "Múltiple" y la posterior "Glass". Y ahora, con "Tiempo" ("Old" en la versión original) ha vuelto a sus inicios en una película que a mí me ha gustado bastante.

Estamos ante una de estas obras que pienso que hay que ver sin saber absolutamente nada de ella. El póster, y poco más. Estamos, valga la redundancia, ante una cinta que nos devuelve a la primera etapa de este director, la de "El sexto sentido", "El protegido", "Señales" o "El bosque".

"Tiempo" es una película de misterio y de tensión. Y mucho, mucho mal rollo. Es envolvente y es terrorífica en su propuesta y también en su desarrollo y en su desenlace. Y este desenlace es, como los de la mencionada primera etapa del creador, una agradable sorpresa. No tiene tal vez la brillantez de obras como las cuatro antes señaladas, pero es un guantazo muy interesante que además nos hace reflexionar sobre cuestiones interesantes de nuestro tiempo.

Estoy muy atado de pies y manos a la hora de decir más cosas de esta película. No quiero estropearla e insisto: es una creación que hay que disfrutar sabiendo lo mínimo de ella. 

Sí puedo decir que el elenco actoral está magnífico, que la ambientación enrarecida está muy cuidada, que el ritmo está llevado de manera notable y que la capacidad para impactar y para enganchar con continuas y aterradoras vueltas de tuercas del mejor Shyamalan está aquí de nuevo.

"Tiempo" es dura, cruda y terrorífica. Terrorífica de una forma especial, muy especial. Este director, por fin, parece haber salido definitivamente de su mala etapa creativa de la década pasada. Muy recomendable, pienso.

viernes, 6 de agosto de 2021

EL TREN DE LAS 3.10. UN SOBERBIO WESTERN CON PERSONAJES INOLVIDABLES

EL TREN DE LAS 3.10 de James Mangold - 2007 - ("3:10 to Yuma")

Los tres mejores filmes de James Mangold, para mi "Copland", "El tren de las 3:10" y "Logan", comparten asunto central: el de la búsqueda de la justicia en una sociedad podrida.

Remake del filme del mismo nombre de Delmer Daves de 1957 (no soy muy amigo de los remakes pero cuando han pasado cincuenta años entre filme y filme el último tiene muchísima más razón de ser y lo puedo perdonar), "El tren de las 3:10" de 2007 es un western absolutamente fantástico y excelentemente rodado, con una ambientación maravillosa y evocadora, con una banda sonora genial, con unas escenas de acción apabullantes y, sobre todo, con unas interpretaciones deliciosas entre las que brillan con luz propia las de su dúo principal, unos inolvidables Russell Crowe y Christian Bale que establecen una química prodigiosa. 

El primero de ellos es el bandido despiadado de turno, y el segundo el justiciero a su pesar que, sin embargo y con un trasfondo de dinero por medio también, hará justicia aunque ello le cueste todo y aunque sea un hombre claramente débil ante el primero y ante la sociedad. 

Sin embargo, el bandido tiene una sorpresa reservada en su papel que hace al espectador reflexionar sobre numerosos asuntos como el peso del pasado en cualquier vida, el encuentro con la muerte, los sueños perdidos, la fraternidad o la amistad.

El personaje de Russell Crowe es el mejor personaje de "El tren de las 3:10", un ser tan brutal y a veces monstruoso como inesperadamente magnánimo e incluso soñador y melancólico que sorprende en su ambigüedad como el público de ninguna manera espera y que enriquece a la película psicológicamente de una forma que la acerca a los clásicos del Hollywood dorado, aquellos en los que los personajes eran delineados en pocos trazos y escondían mundos interiores fascinantes que salían a la luz en escenas cumbres. 

El de Christian Bale también es igualmente muy interesante (y muy parecido al que Sylvester Stallone interpretaba en la mencionada "Copland") y segundarios como el mítico Peter Fonda, Ben Foster o Logan Lerman terminan de construir el complejo mundo de este gran western.

miércoles, 4 de agosto de 2021

RAYUELA. LA NOVELA CON LA QUE JULIO CORTÁZAR DINAMITÓ TODO UN MUNDO

RAYUELA de Julio Cortázar - 1963 - ("Rayuela")

"Rayuela", la tercera novela de Julio Cortázar, es una de las cumbres de la literatura del "boom" sudamericano y de la literatura mundial en general. Sin eufemismos. 

No sólo por su representación del ser humano perdido intelectual y emocionalmente en la segunda mitad del pasado siglo XX, una época de cambios y revoluciones sin parangón, sino por ser una novela que destruyó a la propia palabra novela. El mismo autor la llamó "contranovela", y muchos críticos la han llamado "antinovela".

"Rayuela" tiene varias formas de ser leída y varios finales. Una primera es la que propone Cortázar como "tradicional": leer, de sus 155 capítulos, solamente del 1 al 56.

Luego, existe una segunda: usando el tablero de dirección que viene al inicio del libro, y que salta y alterna episodios hasta construir un mosaico en el que, además de los escritos del propio escritor, valga la redundancia, hay otras aportaciones y otros materiales.

También hay una tercera: "Rayuela" puede ser leída en el orden que el lector desee. Y una cuarta: en un orden estrictamente lineal, con los 155 capítulos seguidos.

"Rayuela", con todas estas posibilidades, pretende, como he señalado, destruir la propia concepción clásica de lo que es una novela. Y la dinamita, vaya que sí. Depende de como se lea la experiencia será diferente o hasta radicalmente diferente, e incluso cambiará el final.

Julio Cortázar amplía en esta novela el tema central de su relato "El perseguidor", incluido en la colección de cuentos "Las armas secretas y otros relatos" de 1959: la búsqueda del sentido de la existencia.

En dicho relato el protagonista era el músico de jazz Johnny Carter: en "Rayuela" es Horacio Oliveira, un tipo bastante más mediocre pero que, como él, busca sin cesar ese sentido que pueda tener o no la vida.

Como Johnny, Oliveira es un intelectual atormentado, antipático e insoportable. Ambos pueden caer mal a los lectores, y con razón: llegan a ser verdaderamente despreciables. Sólo que al segundo lo vamos a acompañar en sus padeceres cotidianos a lo largo de muchas, muchísimas más páginas.

El periplo de Oliveira, argentino que al inicio de la novela vive en París, se articula entre la referida capital francesa y Buenos Aires, la ciudad en la que transcurre la otra parte principal de la trama.

En París, lleva una existencia bohemia con una mujer uruguaya llamada "La Maga" (personaje mítico donde los haya y que no deja de inspirar historias u otros personajes), con la que tiene una relación sentimental, y con el Club de la Serpiente, un grupo de amigos de varias nacionalidades que, intelectuales y artistas, se reúnen para beber y fumar y hablar de literatura, de música, de cine, de filosofía.

La Maga es una mujer que tiene menos formación intelectual que Oliveira y que todo el referido Club de la Serpiente y que por ello a menudo es tratada de forma condescenciente y paternalista, como si fuese una suerte de niña pequeña (el propio Oliveira es el que más lo hace).

Una serie de acontecimientos desembocará con el protagonista en la mencionada capital argentina, en donde pasará a convivir con su antigua novia, Gekrepten, una mujer simple a la que desprecia pero de la que se aprovecha monetariamente, y con su amigo de toda la vida, Manuel Traveler, y la mujer de éste, Talita Donosi.

No voy a decir mucho más. Y además, podría rellenar páginas y páginas si decidiese desarrollar los dos nucleos duros de la novela, que se contraponen en muchos aspectos, desde el simple hecho de que estén ambientados entre una ciudad europea y fría como París y una sudamericana y cálida como Buenos Aires.

Sí voy a decir que "Rayuela" es una de esas obras que podemos calificar de "compendio" o "universales". El tema central ya lo he dicho, pero habla también de amor, de amistad, de paso del tiempo, de muerte, de angustia vital, de hipocresía (especialmente por parte de los intelectuales), de fracaso, de metafísica, de arte, de filosofía, de historia, de literatura. Sobre todo, de ésta última. 

Porque como he dicho, "Rayuela" rompe con las reglas habituales de la novela en su propuesta de varias lecturas donde quien la lee toma un papel activo en su propia construcción (y además teoriza sobre todo esto en los textos de Morelli, un personaje tan protagonista como secundario de la parte parisina de la obra del que no puedo decir mucho más).

El estilo es variado. Hay capítulos lineales, los hay con intromisiones psicológicas, los hay ensayísticos, los hay experimentales, los hay líricos, los hay sustentados en gran base en el diálogo o en la descripción, los hay narrados en varias personas. Incluso en esto la gran novela de Julio Cortázar es un compendio de técnicas.

También se mueve constantemente entre el drama y el humor, y entre el realismo y el absurdo. Lo mezcla todo, y cambia de situación sin cesar, y en un momento terrible torna al chiste de repente y viceversa. 

"Rayuela", siendo de 1963 y habiendo sido escrita en los años anteriores a esta fecha, tiene bastantes pasajes machistas. Es una obra de su tiempo. En varios de ellos los hombres usan a las mujeres como moneda de cambio para sus "peleas de gallo". Insisto: estamos a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta del siglo pasado.

La gran novela de Julio Cortázar es toda una experiencia. Y es única. Su nombre alude al juego de la rayuela y a la condición de la obra, a la que se puede volver varias veces y volver a releer luego otra vez y seguir encontrando cosas nuevas que habían pasado inadvertidas. 

Pocas creaciones existen en la literatura universal como "Rayuela". Pocas que hayan roto tantas puertas de una patada, pocas que hayan revolucionado tanto, a la vez: en temas, en lenguaje, en experimentación de todo tipo, en representación de toda una época.

martes, 3 de agosto de 2021

THE CORNER. SEIS CAPÍTULOS MAGISTRALES QUE SON LA ANTESALA DE THE WIRE

THE CORNER de David Simon y Charles S. Dutton - 2000 - ("The Corner")

"The Corner", la clara simiente de la posterior "The Wire", es una de las mejores series que nunca se han rodado sobre la droga no sólo en los Estados Unidos, sino a nivel general, ya que su retrato sobre la caída de una familia en la miseria total a causa de las referidas drogas se puede desgraciadamente extrapolar a cualquier sociedad de cualquier lugar del planeta. 

En un estilo documental, David Simmon, el guionista Ed Burns y el actor y también director Charles S. Dutton (que dirige los capítulos) siguen los itinerarios de las vidas de los miembros de la referida familia protagonista y de otros personajes que les rodean en el barrio degradado de Baltimore en el que viven. 

La crónica viaja constantemente desde el pasado, cuando dicho barrio era un lugar completamente normal e incluso próspero, hasta el presente, cuando la suciedad, el abandono, la criminalidad y la violencia se lo han comido todo. 

El problema central es la droga, y de él emanan el resto: la serie hace una dura crítica al tráfico de estas sustancias, que todo lo pudre, mientras que además toca otros asuntos sociales como el racismo, la poca eficacia de ciertos servicios sociales, la falta de oportunidades, la brutalidad de las mafias o de la policía o la hipocresía.

Sin embargo, el mensaje de "The Corner" se puede considerar positivo: hay personajes que caen para siempre, pero hay otros que luchan por salir de su situación o por cambiar el barrio en el que viven. 

El encuentro con los protagonistas reales de la historia que Simon narra al final de los seis capítulos de la colección confirma esto: se puede salir de la droga y se pueden cambiar las cosas, aunque haya que pasar a veces por auténticos calvarios. 

Con sólo los mencionados seis capítulos dedicados a cada personaje o grupo de personajes (Blues se llaman) presenciaremos las vidas diarias, las ocupaciones y también las opiniones de toda clase de seres de los barrios bajos de Baltimore: desde los que como he señalado luchan por salir adelante y desintoxicarse hasta los que han tirado completamente la toalla porque sus vidas no tienen sentido sin la droga pasando por los que no la consumen pero ven sus existencias arruinadas por su culpa. 

El elenco actoral está genial, y todos consiguen, en algún momento, poner al espectador los pelos de punta. 

"The Corner" es una serie magistral, didáctica, maravillosa, que no se corta un pelo en ninguno de sus minutos y que todo el mundo debería ver. Es un manual completo sobre la droga y sus peligros convertido en arte fílmico. Luego, vendría "The Wire" (que por cierto tenéis comentada en esta misma etiqueta).

domingo, 1 de agosto de 2021

EL JARDÍN DE LAS PALABRAS. UN MAGISTRAL MEDIOMETRAJE DE MAKOTO SHINKAI

EL JARDÍN DE LAS PALABRAS de Makoto Shinkai - 2013 - ("Kotonoba no Niwa")

Makoto Shinkai me parece un director irregular, a veces excesivamente pasteloso, demasiado pedante y pretencioso y con una poética engolada y cargante. No en todas sus obras, desde luego, pero sí en algunas de ellas o en fragmentos importantes de algunas de ellas. 

"El jardín de las palabras", que es un mediometraje de 2013 poco conocido en general, me parece hasta ahora la mejor de su carrera con diferencia. 

En 45 minutos escasos condensa una de sus habituales historias de amor frustrado y de sentimientos contradictorios y emociones escondidas pero, en esta ocasión, y por primera vez, todo va rodado: todo es perfecto. 

Los dos protagonistas son reconocibles y llegan al espectador sin problemas, y están cargados de carisma, y tienen conflictos vitales en los que cualquiera se puede sentir representado en por lo menos algún periodo complicado de su vida. 

La poesía de la trama está cuadrada al milímetro para resultar lírica y delicada sin cargar y sin caer en las ñoñerías innecesarias, los diálogos están preñados de delicadeza, el ritmo es el perfecto y atrapa desde el primer momento, las escenas contemplativas y minimalistas están llenas de sugerentes significados y matices, la animación y la ambientación es cien por cien pura aura romántica urbana y evocadora y el desenlace es una total y absoluta obra maestra que pone los pelos de punta.

Makoto Shinkai está aquí en estado de gracia, totalmente pulido ya, en plenitud de ideas, de experiencia y de recursos para transmitir sensaciones y emociones en estado puro y sincero. 

"El jardín de las palabras" es una obra maestra cortita pero del todo inolvidable, una joya de la animación comprimida en menos de una hora (y para qué queremos más) que toca la fibra sensible de cualquiera que tenga un mínimo de sensibilidad, valga la redundancia. 

Me parece una obra imrpescindible y creo que, por desgracia, es una de las creaciones tal vez menos conocidas del director japonés, aplastada por el gran éxito de largometrajes suyos como "Viaje a Agartha" o "Your name" (está situada entre ambos filmes famosos). Creo que hay que reivindicarla sin parar.

miércoles, 28 de julio de 2021

BIG FISH. UN PRECIOSO CUENTO SOBRE PADRES E HIJOS DE UN INSPIRADO TIM BURTON

BIG FISH de Tim Burton - 2003 - ("Big Fish")

Después del fiasco de su fallido remake de "El planeta de los simios", Tim Burton volvió a entregar una de sus mejores películas antes de entrar de forma definitiva en un ciclo de irregularidad en el que todavía está y en el que ha alternado buenas obras con otras mediocres e incluso con sonadísimos bodrios. 

"Big Fish" tomaba los elementos de los mejores cuentos de hadas del director (como "Eduardo Manostijeras" o "Pesadilla antes de Navidad") para relatar la historia sencillísima pero tremendamente emotiva de un hijo que, ante la próxima muerte de su padre, un hombre con el que nunca se ha sentido especialmente identificado y al que no cree demasiado, se enfrenta al dilema de reorganizar lo que ha sido para él la mencionada figura paterna. 

El propio Tim Burton había sufrido la dura muerte de su propio padre en el año 2000 y la película, que fue rechazada por Steven Spielberg por encontrarse trabajando en otros proyectos, significaba para él algo especial. 

Con un reparto excelente encabezado por unos absolutamente brillantes Albert Finney e Ewan McGregor, "Big Fish" retrata una preciosa historia de confianza familiar y de reconciliación paterno-filial que se ambienta en un maravilloso mundo de realismo mágico poblado de personajes verdaderamente entrañables y divertidos.

Asuntos universales como el amor, la amistad, el paso de la juventud a la madurez y de la madurez a la vejez, la muerte y el enfrentamiento contra ella, los sueños y su relación con la realidad, el viaje iniciático o la fraternidad complementan la trama principal, llevada con un gran ritmo por Burton, que salta entre "cuento y cuento" con agilidad y que, por supuesto, vuelve a crear un universo propio que bebe de los grandes mitos de la cultura norteamericana y también de su historia e idiosincracia para homenajearlos y también parodiarlos (en esta ocasión, desde el más sentido cariño). 

Sobra decir que el aspecto técnico y visual de "Big Fish" es una joya y un prodigio más de imaginación e inventiva. Este filme es un cuento lleno de encanto y otro de los mejores del director gótico de Hollywood.