LAS TORTUGAS NINJA II. EL SECRETO DE LOS MOCOS VERDES. UN DESASTRE DE SECUELA

LAS TORTUGAS NINJA II. EL SECRETO DE LOS MOCOS VERDES de Michael Pressman - 1991 - ("Teenage Mutant Ninja Turtles II. The Secret of Ooze")

Tras el enormísimo éxito de “Las Tortugas Ninja” llegó “Las Tortugas Ninja II. El secreto de los mocos verdes”, escrita y rodada en menos de un año con el objetivo de ser inmediatamente estrenada. Aunque cumplió en las taquillas (de hecho, se grabó una tercera entrega a los dos años), fue un brutal desastre en el resto de los apartados. 

Prácticamente todo el equipo de la primera parte no participó en esta: Judith Hoag dejó de ser April O’Neall y la tarea de dar vida a este personaje recayó en Paige Turco, mientras que Elias Koteas tampoco continuó como Casey Jones, lo que propició que el carismático personaje no apareciese en esta secuela (no entiendo cómo no fue encarnado por otro actor) y, además, sin que se diese ninguna explicación de su ausencia (a pesar de este momentáneo abandono, Koteas volvería a interpretarlo en la tercera parte). 

“Las Tortugas Ninja II. El Secreto de los Mocos Verdes” es un desastre en todos los aspectos: la historia es predecible y lineal hasta decir basta, sus cuatro protagonistas actúan exactamente igual, como una unidad (no hay diferencia entre ninguna tortuga y el eterno conflicto de Raphael con Leonardo se ha perdido); los villanos resultan ridículos (especialmente el Shredder mutante), las escenas de acción son vulgares y repetitivas, el metraje es verdaderamente corto, fílmicamente está dirigida con notable torpeza (incluso se pierde la atmósfera pulp que Steve Barron otorgó a la anterior entrega) y el humor que desprende es verdaderamente vergonzante y, para colmo, se abusa de este elemento sin control (la película es ya una comedia en toda regla -por cierto que la escena del baile no me hace ninguna gracia-). 

La poca seriedad de la cinta aumenta además por el hecho de que, ante algunas críticas que se lanzaron contra la primera parte a causa de su supuesta violencia (no era violenta en absoluto), en esta segunda se limitó el uso de las armas de los protagonistas terriblemente.

“Las Tortugas Ninja II. El secreto de los mocos verdes” es un enormísimo despropósito que ni siquiera alcanza dignidad por el hecho estar dirigido a un público infantil. La siguiente entrega mantuvo, por desgracia, esta línea.

LAS TORTUGAS NINJA. LA PRIMERA E INTERESANTE PELÍCULA DE LOS QUELONIOS

LAS TORTUGAS NINJA de Steve Barron - 1990 - ("Teenage Mutant Ninja Turtles")

Los cómics de “Las Tortugas Ninja” nacieron a mitad de la década de los ochenta de la mano de Kevin Eastman y Peter Laird como una parodia de acción de aires pulp de otros cómics (entre ellos algunos de Frank Miller como “Ronin” o sus versiones de “Daredevil” y “Elektra”). 

Fue tal su inesperado y fulminante éxito que han seguido publicándose hasta hoy en día y han llegado a conformar sus protagonistas uno de los grupos de héroes más famosos y carismáticos de las últimas décadas. Por supuesto, y como era de esperar, también han protagonizado sus correspondientes series de animación y bastantes largometrajes ya hasta este momento. 

La primera de las películas basada en sus aventuras fue una producción realizada entre los USA y Raymond Chow que supuso uno de los grandes éxitos mundiales de taquilla de principios de los años noventa, el momento de mayor apogeo de los quelonios.

“Las Tortugas Ninja” sigue la estela de la serie animada que se emitió desde 1987 hasta 1996, la primera que se creó y tal vez la más infantil de todas. Dicha serie no era del todo fiel a los cómics de Eastman y Laird, suavizaba de sobremanera los actos de sus protagonistas y enemigos y eliminaba prácticamente toda clase de violencia (que en el original si existía). 

El filme que nos ocupa se aleja un poco curiosamente de esta serie para retornar a los cómics originales aunque sin el toque oscuro de estos. Tiene aciertos y desaciertos: es una obra en la que el humor es el protagonista casi absoluto pero muestra también los conflictos internos de la tortuga Raphael (la más ambigua, sombría y brutal de las cuatro), conflictos que en la serie de animación casi no existían (de hecho, Raphael era el carácter menos desarrollado de dicha serie). 

También es rescatado con acierto un personaje primordial de los cómics que en la mencionada primera entrega de dibujos animados fue inexplicablemente relegado a simple secundario (tal vez por su carga violenta y marginal): el pandillero amigo del grupo Casey Jones, interpretado con gracia por Elias Koteas.

A pesar de estos detalles, el tono naif, paródico y humorístico es el que predomina en el filme, dirigido con solvencia por Steve Barron, que sabe recrear bastante bien la atmósfera pulp con un consciente aliento de serie B que poseía la obra escrita, atmósfera que viene espléndidamente apoyada por el vestuario creado por la Jim Henson’s Creature Shop, que es toda una delicia de buen hacer artesanal (en especial el traje del Maestro Splinter, maravilloso). 

“Las Tortugas Ninja” es una película que tiene encanto, a pesar de que su humor se ha quedado notablemente desfasado. Sus escenas de acción son divertidas (y muy difíciles de rodar dado el peso de los trajes de los actores), su historia a pesar de ser simple y lineal resulta interesante y su villano (el eterno Shredder) tiene carisma. 

Hay que tener en cuenta, por supuesto, que la cinta está enteramente dirigida a un público infantil, y es así como hay que valorarla, ya que como esta clase de producto cumple con mucha dignidad su cometido. Eso sí: sus dos inmediatas secuelas fueron terribles incluso para los que en la época éramos niños.

LA MONJA II. UNA SECUELA TERRIBLE QUE NO DA MIEDO NI APORTA NADA

LA MONJA II de Michael Chaves - 2023 - ("The Nun II")

Ampliar el universo de "Expediente Warren" con películas independientes dedicadas a sus principales o más famosos espíritus malignos es una jugada comercial más que buena: diría incluso que espectacular. No obstante, esto no es sinónimo de calidad y muchas de estas películas no han sido nada buenas, valga la redundancia.

"La monja" era una obra mala y su secuela, esta "La monja II" que acaba de estrenarse, es todavía peor. Es más: es una de las peores de la serie de spin-offs de esta saga, que no se ha caracterizado, como he dicho, por ser una colección de obras maestras (que tampoco tendría que serlo, ojo, pero sí por lo menos dar cosas medianamente dignas aunque fuese de vez en cuando).

"La monja II", del ya habitual de la franquicia Michael Chaves, continúa con la historia de su antecesora y por desgracia amplía sus errores. Recupera a algunos personajes (a otros, que además eran importantes, se los ventila de mala manera y se quedan al guión tan panchos) y ambienta la trama en un internado donde todo vuelve a pasar otra vez con variantes.

La historia es muy tonta, llena de lagunas y de incoherencias y de hechos montados uno tras otro de cualquier forma. Es además errática: va de un lado para otro sin demasiado ritmo y mostrando sustos alargados que no aportan nada y que además no dan miedo.

Los personajes, los clásicos y los nuevos, son por otra parte planos y tópicos, y los diálogos mediocres. La monja de marras además está agotadísima como villana y los nuevos que se introducen son muy, muy lamentables y totalmente inútiles (en serio, es que no dan ni una: parecen espíritus malignos en prácticas).

El final del filme consiste, para terminar, en una media hora interminable de carreras por pasillos oscuros, de combates absurdos, de efectos especiales desbocados que terminan de cargarse la poca sugerencia que había en el conjunto y de resoluciones sacadas de la manga para salir del paso y "aquí no ha pasao ná". Sólo me ha gustado el epílogo, que por fin hace que la sub-saga avance algo en el mapa de la saga general.

"La monja II" es un completo desastre. De arriba abajo y sin paliativos. No da miedo, no interesa, no aporta casi nada y aburre. No se puede fallar en más elementos en una película que supuestamente es de terror. Absolutamente terrible.

PERRO LADRADOR, POCO MORDEDOR. LA INTERESANTE ÓPERA PRIMA DE BONG JOON-HO

PERRO LADRADOR, POCO MORDEDOR de Bong Joon-ho - 2000 - ("Flandersui gae")

"Perro ladrador, poco mordedor", la primera película de Bong Joon-ho, es, a todos los efectos, una suerte de antesala de "Parásitos", la obra suya que pienso que hasta este momento es la más famosa (merecidamente: me parece magistral).

El director surcoreano comenzaba su carrera en el año 2000 con un filme que tuvo una recepción fría en taquilla en su momento y que no es perfecto pero que anticipa varios méritos que tendría el posterior cine de su autor, que menos mal que siguió dirigiendo.

"Perro ladrador, poco mordedor" es una comedia negra satírica de enredos que, a partir de una premisa muy simple (un tipo quiere matar al perro cojonero de su vecino, que no para de ladrar de forma desquiciante) hilvana una historia casi coral que sirve para exponer una Corea del Sur supuestamente dinámica y moderna que sin embargo en realidad tiene bastantes cosas en común con la de su pasado más brutal. El símbolo: los perros, que en el país según leo se comieron mucho en tiempos pretéritos y que en aquellos primeros 2000 al parecer para algunas personas eran todavía platos deliciosos.

El filme es un retrato de una lucha de clases enrarecida, ambientada en un macro-edificio de viviendas de un barrio urbano que parece más o menos digno. Los personajes están llenos de claroscuros y ninguno es blanco o negro, y los conflictos que tienen son mediocres y a veces hasta patéticos pero articulan con lucidez unas vidas ancladas en la rutina y en la insatisfacción perfectamente reconocibles.

Alrededor de estas premisas pivotan asuntos como la pobreza, la corrupción, el maltrato animal, la frustración vital, el abandono de los ancianos, el abuso laboral, la culpa, la falta de aspiraciones y oportunidades.

Hay un uso del espacio simbólico que estará también en la mencionada "Parásitos": el bloque de apartamentos es un personaje más del filme, con sus azoteas luminosas y sus sótanos negros y abandonados. Las clases están separadas de forma más que metafórica.

"Perro ladrador, poco mordedor" no es tan perfecta como la de nuevo mencionada "Parásitos". Le falla el ritmo a veces, y muchos de sus elementos se introducen de forma abrupta y hay personajes y hechos mejor desarrollados que otros. No obstante, es una ópera prima bien realizada, con géneros bien mezclados, original y prometedora. Ha quedado algo olvidada en la filmografía de su autor, eclipsada por otras obras ciertamente mejores, pero es un muestrario interesante en su imperfección de lo que vendría después.

BRAVEHEART. LA GRAN PELÍCULA ÉPICA HISTÓRICA DE MEL GIBSON

BRAVEHEART de Mel Gibson - 1995 - ("Braveheart")

“Braveheart” es una película para ver sin prejuicios. Puede gustar más o menos Mel Gibson, pero hay que olvidar esto tanto como si es el caso como si no lo es para afrontarla y sacarle el máximo partido. Hay que sentarse frente a la pantalla y hacerse a la idea de que lo que se va a ver es una película épica al uso, de esas con gran reparto, banda sonora muy bonita, dramatismo efectista, excelente fotografía, realistas escenarios, rico vestuario, esplendorosas escenas abarrotadas de extras y, por supuesto, manipulación histórica, y de la más irreal y descarada. 

Pero bueno… tampoco importa demasiado con un filme de estas características. Salvando las distancias, “Braveheart” es un “Los Diez Mandamientos”, un “El Cid”, un “Espartaco” o un “Ben-Hur” de los años noventa (como algunas de ellas, falsea parte de la historia real en la que se basa).

“Braveheart” es, precisamente por todo esto, tan disfrutable como tantos filmes clásicos épicos (y como lo es su compañera de década "Gladiator", otro descalabro histórico tremebundo pero bellísimo). 

Realmente, y no se puede negar, Mel Gibson hace en ella una labor excelente en todos los sentidos. El guión de Randall Wallace presenta a un personaje perfecto para este tipo de filme: un héroe libertario de fondo bondadoso pero implacable con sus enemigos que no cede ante nada. Éste es el Wallace de Randall Wallace y de Mel Gibson, y está bien.

En la película encontramos lo de siempre: el amor, la amistad, la venganza, el odio, el patriotismo, la búsqueda de la libertad… A veces manipulados por el montaje y la banda sonora, a veces realmente bien llevados. 

El envoltorio es el de la acción, el de las grandes batallas, el de las escenas de amor intimistas, el de los desenlaces de brutales catarsis… Todo en escenarios naturales, con un excelente reparto y con un gran ritmo. 

“Braveheart” puede gustar y emocionar sin problemas. Para eso está hecha: para gustar a todo el mundo (o a casi todo el mundo). Tampoco es malo ¿no? Mientras se trate de un cine comercial aceptable... ¡Viva la historia-ficción!

KILL BILL. VOLUMEN 2. UNA SEGUNDA PARTE SOBRIA, REFLEXIVA Y SORPRENDENTE

KILL BILL. VOLUMEN 2 de Quentin Tarantino – 2004 – (“Kill Bill. Volume 2”)

En “Kill Bill. Volumen II” se desarrolla la historia a la que “Kill Bill. Volumen I” sirvió como prólogo. La Novia, de la que poco a poco vamos sabiendo más secretos, se enfrenta a los dos esbirros de Bill que le quedan por asesinar: Budd (un muy solvente Michael Madsen) y Elle Driver (una genial Daryl Hahnnah) para, posteriormente, enfrentarse al propio Bill en un duelo dialéctico primero y físico después. 

La acción frenética que contenía la primera entrega de las dos que conforman el conjunto se relaja notablemente para que la trama se desenvuelva y se muestren las razones de la búsqueda de venganza de La Novia en lo que queda por exponer de su turbio pasado, unido sentimentalmente al de Bill (el fallecido David Carradine, que es homenajeado por Tarantino y que realiza un papel soberbio y aterrador en todo su cinismo desencantado y asesino). 

La narración se vuelve a mover entre este pasado y el presente, y el tono épico aumenta hasta un clímax muy bien resuelto y alejado de los efectismos y excesos conscientes del resto del metraje. Por supuesto, no dejan de aparecer constantes referencias culturales de todo tipo y el humor negro inteligente y absurdo característico del autor sigue presente.

El único combate realmente espectacular que muestra “Kill Bill. Volumen II” es el de La Novia contra Elle Driver, lo cual es de agradecer después del enorme y delirante festival de artes marciales de la anterior entrega. 

Los diálogos mejoran y son más abundantes, y los personajes están más desarrollados que los del primer volumen a excepción del bastante desperdiciado Budd (un notable punto negativo del filme que, sin embargo, no lo hunde), que, la verdad, podía haber dado mucho más juego del que da, especialmente siendo el hermano del antagonista principal y viniendo interpretado por un experto en dar vida a villanos sádicos como Michael Madsen (recuerden su soberbio papel como el Señor Rubio de "Reservoir Dogs"). 

Las escenas de violencia vuelven a ser completamente desprejuiciadas y de alto voltaje, en especial la mencionada y muy sangrienta lucha contra Elle Driver y el intento de entierro en vida de La Novia agonizante por parte del también mencionado Budd. 

El desenlace resulta por momentos muy emotivo, lo que demuestra que Tarantino además de la comedia negra y canalla domina bien el drama, y lo hace hasta con una gran delicadeza que ya se mostró en la injustamente subvalorada "Jackie Brown". 

Otro momento para el recuerdo es el tópico (de manera consciente) entrenamiento de La Novia con su viejo maestro oriental Pai Mei, entrenamiento que aporta las escenas más desternillantes de la cinta.

“Kill Bill”, como conjunto, es una producción tremendamente entretenida y que como collage funciona muy bien, ya que Quentin Tarantino es un mezclador de influencias muy bien dotado que además mejora con los años. 

Es, sobre todo, es un refrito con mucho estilo (y plenamente consciente de su condición de refrito, lo cual no es en absoluto algo negativo) de géneros, y, aunque a mi parecer como conjunto no es la mejor obra de su creador, sí que queda para el recuerdo como el mencionado "tuti-frutti" cargado de buen hacer con desenlace sorprendente e inesperadamente trascendental y hasta lírico.

KILL BILL. VOLUMEN 1. TARANTINO HOMENAJEA AL MANGA Y A LAS ARTES MARCIALES

KILL BILL. VOLUMEN 1. de Quentin Tarantino – 2003 – (“Kill Bill. Volume 1.”)

“Kill Bill” es el cuarto largometraje dirigido por Quentin Tarantino tras las excepcionales “Reservoir Dogs” y “Pulp Fiction” y la muy buena e infravalorada “Jackie Brown”. Presentado en dos entregas debido a su muy larga duración, el filme vuelve a ser un ejercicio de estilo en el que su creador mezcla todo tipo de influencias estéticas, narrativas y argumentales para configurar un loco homenaje a las series y películas de acción y artes marciales orientales y también a los clásicos mangas japoneses (sus tres filmes anteriores eran homenajes al cine negro clásico y moderno, al pulp y al blaxploitation). 

“Kill Bill” no trae nada nuevo, pero como el cóctel espectacular (spaghetti western, serie B, cine de yakuzas, animación oriental…) y la parodia que es funciona perfectamente. 

Tarantino, hábil creador de collages fílmicos, presenta una película tremendamente simple que logra hacer pasar un buen rato frente a la pantalla (ambas entregas) mientras reproduce de nuevo una personalidad artística destacada. 

Su estructura, al contrario que la de las mencionadas “Reservoir Dogs” y “Pulp Fiction”, no presenta una construcción ni innovadora ni imaginativa: es, tal vez, conscientemente lineal (salvo en ciertos momentos iniciales). La historia que narra es bien simple: una mujer misteriosa, La Novia, despierta de un letargo de varios años para vengarse de los que destrozaron su vida. Estos son cuatro grandes guerreros y su líder, Bill, un personaje también misterioso. 

Mientras las identidades de La Novia y de este último se van desvelando por el divagar de la trama, que contiene numerosos flashbacks y que se mueve adelante y atrás en el tiempo (aunque se estabiliza posteriormente, como he comentado), la primera va asesinando uno a uno a los guerreros mencionados en espectaculares combates por todo lo alto. Y fin de la obra.

“Kill Bill” narra, con mucho desenfado y mucho cachondeo, lo que hemos visto en miles de series y mangas (y videojuegos) de lucha: el protagonista pelea contra unos combatientes con poderes especiales y se enfrenta a un “jefe final” cuando ya los ha vencido. Como fondo, hay una historia, además de venganza, de amor y de desamor, de decepciones, de ambiciones, de mentiras y de engaños que no revelo con el asunto principal centrado en la necesidad que puede aflorar en una máquina de matar de integrarse en la sociedad y "sentar la cabeza". 

Tarantino le da a esta obra un toque épico que ninguna de sus anteriores cintas ha tenido y que se fusiona sin problemas con su ya sí característico humor negro canalla, absurdo, delirante y completamente desprejuiciado. 

La violencia vuelve a ser cruda y vistosa, brutal y sádica, y los diálogos vuelven a ser chispeantes, ágiles, divertidísimos; a veces inteligentes, a veces zafios, a veces directamente surrealistas. 

Los personajes también siguen su línea: estrambóticos, esperpénticos, con un cierto toque tierno y otro brutal (estos personajes poseen además, y cómo no viniendo de Tarantino, un gran carisma y personalidad, mientras que como es costumbre vienen interpretados por grandes actores y actrices, algunos -los secundarios especialmente- en horas bajas en su momento, a los que el director sabe extraerles todo su jugo: Uma Thurman, Lucy Liu, Vivica A. Fox, Michael Madsen, Daryl Hannah y David Carradine). 

Por supuesto, todo el metraje está lleno de guiños y referencias culturales de todo tipo, especialmente en lo referente al cine y a la música (la banda sonora vuelve a ser genial y a estar exquisitamente escogida). También, por supuesto, hay referencias divertidas y autocomplacientes hacia los propios filmes de su creador.

Respecto al “Volumen 1”, que es el que ahora comento, hay que decir que no es más que un larguísimo prólogo al “Volumen 2”: es una presentación escueta de los personajes principales y un interminable muestrario de escenas de acción y homenajes desquiciados. 

Es lo que pretende ser, y es muy divertido y directo, aunque sí que se echan en falta más escenas que aporten algo a la trama principal: apenas existen cinco o seis apuntes argumentales que sirven como excusa para una imparable y frenética orgía de luchas y sangre (entre las que destaca el delirante combate contra los 88 Maníacos). 

Por otra parte, se echa en falta en este primer volumen, también, más desarrollo de los personajes; las dos guerreras a las que La Novia (una muy carismática Uma Thurman) se enfrenta (Vivica A. Fox y Lucy Liu) apenas tienen peso en la trama: son dos personajes planísimos y que, salvo sus aspectos y actitudes extravagantes, no aportan absolutamente nada (y en, por ejemplo, “Pulp Fiction”, hasta el más insignificante secundario aportaba algo a la historia). A pesar de todo es este un primer volumen, un prólogo, como he comentado, y se le pueden perdonar estos fallos en vista a la segunda entrega.

EL JUEGO DE GERALD. UN APASIONANTE Y BRUTAL DESCENSO A LOS INFIERNOS

EL JUEGO DE GERALD de Mike Flanagan - 2017 - ("Gerald's Game")

En 2017 Mike Flanagan ya se estaba convirtiendo por méritos propios en uno de los mejores directores de terror actuales. Había tenido sus patinazos, pero películas como "Oculus" o "Hush" le habían colocado en un muy buen lugar e incluso con simples precuelas de encargo como era "Ouija: El origen del mal" lo había hecho bien y había aportado algo útil y digno. 

Antes de la serie "La maldición de Hill House", que terminó de confirmarle al año siguiente como el gran director de nuevo terror que era, adaptó la novela de Stephen King "El juego de Gerald", y la verdad es que lo hizo de forma genial. 

Carla Gugino está absolutamente inolvidable como la protagonista de esta película, una mujer que vive una desagradable aventura. Creo que es mejor no contar casi nada de su trama: tan sólo decir que la vean sin prejuicios. 

A mí me ha parecido apasionante, no solamente por lo que narra, que es extremadamente angustiante y brutal (tiene algunas escenas que ponen de verdad los pelos de punta), sino también por la capacidad que tiene la historia para bucear en el universo personal de la protagonista con escenas oníricas y simbólicas maravillosas y llenas de lúcidas metáforas. 

"El juego de Gerald" es un descenso a los infiernos interiores y exteriores reflexivo, serio, y que además está cargado de sorpresas. Sólo el desenlace y la forma en la que está resuelto es ya de por sí un portento. Véanla: es una de las películas de su género más serias y redondas en bastante tiempo.

CENICIENTA. UNO DE LOS PEORES LIVE-ACTION DE DISNEY... Y ES DE KENNETH BRANAGH

CENICIENTA de Kenneth Branagh - 2015 - ("Cinderella")

He presentado a Kenneth Branagh en este blog con obras como "Thor" o como esta "Cenicienta" live-action de Disney que, pienso, están muy, muy lejos de lo mejor que este cineasta ha hecho. Pero como comenté el Universo Cinematográfico de Marvel en orden y ahora estoy comentando los referidos live-action en orden, es lo que toca (prometo hacer ciclo de Branagh desde su primera obra y analizarlas poco a poco).

Ciertamente, esta versión con intérpretes reales de "Cenicienta" rodada para la casa Disney no es lo mejor de este director. De hecho, es posiblemente lo peor (o casi lo peor). Intenta en este caso aprovechar el tirón del éxito de la primera "Maléfica" (que sí que era una buena película desde mi punto de vista) y aportar una nueva versión revisada del clásico animado.

No me parece mal esto, aunque últimamente se haya abusado de la fórmula y hayan salido de ella producciones de una calidad bastante baja: lo que me parece mal es que la película de marras sea tan pésima (como luego me lo parecieron otras posteriores que ya comentaré). 

La mítica obra animada de 1950 en la que se basa le de miles de millones de vueltas, y eso que tiene ya muchas décadas detrás y que su mensaje hoy es extremadamente rancio (estamos en 1950, no lo olvidemos). 

Me resulta del todo inexplicable, inconcebible, que Kenneth Branagh haya perpetrado esto. Los personajes son estereotipos de la peor calaña (Cenicienta es tontísima y la Madrastra es ridícula hasta la vergüenza ajena), los actores están pésimos y sobreactuados hasta la náusea (Cate Blanchett, ¿qué te ha ocurrido?), los diálogos son terribles, la trama se basa en meternos por la boca sobredosis de pasteles y azúcar en vena sin piedad (madre mía, es que no puede ser más ñoña y más tontamente edulcorada) y la ambientación se salva algo pero tampoco dice nada. 

Triste, muy triste es esta cosa infame. Y más triste aún viniendo de quien viene. Y poco más hay que decir, la verdad. El de "Cenicienta" es uno de los peores live-action de toda la colección, y miren que los hay malos.

NO TENGAS MIEDO. TERROR MÁS QUE EFECTIVO QUE TRATA DE INNOVAR EN SU GÉNERO

NO TENGAS MIEDO de Samuel Bodin - 2023 - ("Cobweb")

El pasado miércoles comentaba aquí lo reseñable que me había parecido la australiana "Háblame", una película de terror que con sus fallos pienso que es muy fresca y digna, y hoy voy a decir exactamente lo mismo de "No tengas miedo", que está ahora mismo en las salas.

De nombre real "Cobweb", esta película es el primer largometraje (del que yo tenga noticia: no me aparecen más en Internet) del francés Samuel Bodin, que obtuvo notoriedad hace pocos años con la serie "Marianne", que cosechó buenas críticas (no la he podido ver todavía).

"No tengas miedo" tal vez no muestre nada nuevo (esto es dificilísimo en todos los géneros y en el del terror especialmente) pero, como la mencionada "Háblame", tiene un buen hacer y una decidida voluntad por innovar y por conseguir algo diferente dentro de sus parámetros que son extremadamente loables.

Samuel Bodin sabe crear una película de horror con una trama que sabe dar varias vueltas sobre sí misma y que nos coloca varias capas de realidad por delante que se van desgajando como las de una cebolla hasta mostrarnos hechos que ciertamente sorprenden.

No voy a decir que no tiene tópicos: los tiene. Y no voy a negar que en el desenlace (el principal problema de tantas películas del género) al director se le va la trama un poco de manos y acaba en lugares comunes llenos además de lagunas (es, sobre todo, muy, muy precipitado). Pero tampoco voy a negar que tiene escenas perturbadoras de verdad, que tiene sustos conseguidísimos y que tiene una ambientación muy lograda.

El resto lo completan unos actores más que notables (el niño protagonista, Woody Norman, lo hace muy bien) dando vida a unos personajes muy creíbles, un ritmo muy bien llevado, unos diálogos muy bien delineados y un retrato social de cierto hogar familiar con problemas muy bien construido.

"No tengas miedo" es buen terror, y a pesar de sus lagunas y de su desenlace, es muy digna y sabe sacar algo novedoso de donde a priori no lo hay. Va de menos a más, y eso se le agradece además muchísimo. Muy recomendable.