MIS COSITAS PREFERIDAS DE TODO ESTE AÑO 2024. ¡Y FELIZ AÑO 2025!

LO QUE MÁS ME HA GUSTADO DE 2024

Voy, como todos los años, con las cositas que más me han gustado de las que he disfrutado a lo largo de los últimos doce meses. ¡Y feliz entrada a 2025! 😊

Un cómic que me ha encantado este año 2024: "La carretera". Manu Larcenet ha sabido llevar la estremecedora novela de Cormac McCarthy a las viñetas con una maestría hipnótica. Sólo el dibujo y el color merecen miles de premios. Una obra maestra.

Una reedición de cómic que me ha encantado este 2024: "La chica a la orilla del mar". Inio Asano es un certero retratista de las relaciones humanas y aquí nos sobrecoge con una historia de amor adolescente con el primer vacío vital planeando sobre ella. Una cruda preciosidad. 

Una novela que me ha encantado este 2024: "La vegetariana". No conocía a Han Kang hasta que le dieron el Premio Nobel de Literatura y este primer contacto con su obra me ha fascinado: un retrato brutal de una Corea del Sur machista, reprimida y clasista que no deja títere con cabeza.

Un libro de relatos que me ha encantado este 2024: "La era del futuro degradado". Desgraciadamente, hemos perdido recientemente a su autor, Mark Samuels, pero su obra inmortal siempre nos quedará. Una maravilla que Valdemar nos haya traído esta recopilación en una edición espectacular.

Un ensayo que me ha encantado este 2024: "La plaga de los cómics" de David Hajdu. Un brutal retrato de cómo los cómics fueron en los años 50 el chivo expiatorio de la pacata sociedad ultraconservadora de los USA. Un ensayo necesario para no repetir estas aberraciones. 

Una reedición que me ha encantado este 2024: "Mientras escribo". Porque el libro en el que Stephen King te enseña a armar una obra literaria de forma sencilla y a través de sus propias experiencias vitales me parece una obra imprescindible para toda persona que quiera escribir.

Una película que me ha encantado este 2024: "Segundo premio" de Isaki Lacuesta. Porque, independientemente de que hable o no de cómo Los Planetas crearon su gran disco, es un filme que retrata en última instancia lo dura que puede ser cualquier creación artística. 

Una película animada que me ha encantado este 2024: "Transformers One". Porque no esperaba mucho de ella y me dejó con un palmo de narices para bien: aparte de su preciosa animación, es una joyita adulta y seria sobre el clasismo, la lucha contra la opresión y la amistad. 

Una serie que me ha encantado este 2024: "El Pingüino". Un spin-off que, sin faltar al respeto a su propio universo, ha sabido erigirse como una obra aparte sobre la ambición más salvaje y el poder más inhumano. Y con un Colin Farrell y una  Cristin Milioti espectaculares.

Un disco que me ha encantado este 2024: "That! Feels Good!" de Jessie Ware. Este retorno a la música disco de los años setenta me ha parecido luminoso, optimista y absolutamente espectacular y hoy mismo me va a poner a bailar como un loco. Una enorme Jessie Ware.

Y mi premio especial del año 2024 va para la Biblioteca de Conan el Bárbaro. Porque disfrutar de todas las etapas del cimmerio reunidas en orden y en esta edición espectacular es una absoluta delicia y lo estoy viviendo como si las hubiese descubierto en su día.

Finalmente... ¿Qué es lo que me ilusiona más de 2025 a nivel artístico? Pues el nuevo inicio del Universo de DC en el cine dirigido por James Gunn y con su "Superman" como cabeza. Espero que esta vez sí funcione y no acabe en la cancelación. Tiene todo muy buena pinta. 

¡FELIZ 2025!

RECUERDOS DEL AYER. UNA PRECIOSIDAD MINIMALISTA DE ISAO TAKAHATA

RECUERDOS DEL AYER de Isao Takahata - 1991 - ("Omohide Poro Poro")

Después de la maravilla magistral que fue "La tumba de las luciérnagas", Isao Takahata se mantuvo ya plenamente en el nivel de calidad que mostró para aquella película. Ya dentro del Studio Ghibli que él también fundó, sus obras lograron una cota siempre alta y siempre uniforme. 

"Recuerdos del ayer", basada en el exitoso manga "Los recuerdos no se olvidan" de Otaru Okamoto y Yuko Tone es, como lo era "La tumba de las luciérnagas", una película algo atípica en el Ghibli de su momento. 

Las temáticas de Takahata han sido, por lo general, más realistas y cotidianas que las de otros creadores de dicho estudio como su amigo Hayao Miyazaki, que casi siempre ha recurrido al género fantástico para analizar nuestro mundo. 

"Recuerdos del ayer" es un drama costumbrista, de tono minimalista, sobre el paso del tiempo y todos los demás asuntos que pivotan a su alrededor. Tiene un ritmo muy pausado, y se recrea en el deleite que producen sus escenarios naturales y reales, espléndidamente representados, y en los diálogos, el plato más fuerte de la película. 

El quinto filme de este sensei de la animación es un filme, podemos decir, literario. Es una novela visual, al estilo de muchas películas de, por ejemplo, el francés Eric Rohmer. Los personajes se desarrollan por medio de los referidos diálogos, lúcidos e inteligentes y cargados de significado, y tienen una gran importancia las acciones que solamente se sugieren. Se recorren varias décadas de historia reciente social japonesa, y se contraponen varias generaciones de padres e hijos que son completamente diferentes y que hacen referencia a los cambios en el Japón de nuestros días.

Como he dicho, el paso del tiempo es el asunto central del filme, pero alrededor de dicho asunto pivotan otros como el paso de la infancia a la madurez, la amistad, el amor, la familia, las relaciones paterno-filiales, la contraposición de la vida en el campo y en la ciudad, el peso de las tradiciones en Japón y el hecho de que, siendo la misma persona, uno mismo cuando es adulto es a pesar de todo una persona totalmente diferente de cuando era un niño (esta dualidad está presente en el filme de forma incesante). 

Por supuesto, está el asunto ecologista: la necesidad de cuidar el medio ambiente y a los animales y la necesidad también de escapar al campo, en donde la vida es más pura y sencilla, alejada del estrés de las urbes. 

"Recuerdos del ayer" es una maravilla que en su país supuso un éxito enorme y que, tal vez por no ser nada comercial teniendo en cuenta que es una película animada, estuvo más de quince años sin ser distribuida fuera de Japón.

CÓNCLAVE. EL BRUTAL Y HUMANÍSIMO CONFLICTO DE LA ELECCIÓN DE UN PAPA

CÓNCLAVE de Edward Berger - 2024 - ("Conclave")

De Edward Berger me gustó mucho "Sin novedad en el frente" y ahora me ha apasionado la recién estrenada "Cónclave", en la que, con un Ralph Fiennes absolutamente espectacular como protagonista principal, narra la muerte ficticia de un Papa de la Iglesia Católica en nuestros tiempos y el atorado proceso de la elección de su sucesor.

Berger se saca de la manga un thriller de este hecho en el que, desde un prisma demoledor y sin concesiones, retrata cómo la mencionada iglesia es presa de las peores pasiones humanas que ella misma critica y de la más pérfida lucha por el poder. 

Curiosamente, lo hace el director alemán desde un respeto sorprendente a la religión cristiana y a la propia institución católica: su crítica no es en ningún momento zafia ni brutal, ni se recrea tampoco exclusivamente en lo más oscuro de los miembros de la referida institución, sino que muestra también actitudes bondadosas, justas, amorosas y altruistas. Y, sin embargo, en ningún momento pierde tampoco con esto su retrato ninguna agudeza crítica, ninguna ironía: como he dicho, es demoledor y no hace concesiones. Es difícil, muy difícil, lograr algo así.

No soy creyente y a priori algo tan ajeno a mí como el futuro de una iglesia a la que no pertenezco me debería de dar exactamente igual, pero he conectado sin problemas y desde el principio tanto con el contexto del filme como con su conflicto y sus personajes.

Edward Berger delinea un retrato de burocracias, hipocresías, intolerancias, anclaje en pasados oscuros e intrigas políticas certero, habilísimo, que viene recreado en unos personajes tremendamente humanos (nos podemos reconocer sin problemas en ellos, seamos o no personas religiosas) que trascienden su propio contexto de creencias para erigirse en tipos perfectamente universales (y además, están interpretados por un plantel espectacular más allá de Fiennes).

"Cónclave" está desarrollada como he dicho como un thriller: vamos a tener la cotidianeidad más pura de los grandes mandamases de la iglesia en su mejor y en su peor momento surcada por una intriga que nos va a aplastar contra la pantalla. No vamos a encontrar asesinatos ni hechos escabrosos, pero sí una lógica de juego de mesa de pura obra de Agatha Christie en una trama llena de sorpresas y de giros totalmente inesperados.

Todo en medio de una estética sobria y exquisita llena de realismo y de escenas portentosas y de una trama llevada con un ritmo medido al milímetro y una dosificación de la información exquisita.

Es finalmente este filme, en última instancia, un sorprendente canto al entendimiento, a la diferencia, al cambio y a la lucha por un futuro mejor para la humanidad. Sean o no creyentes, les va a gustar "Cónclave". Va más allá su conflicto, nunca mejor dicho, de lo divino y de lo humano.   

NOSFERATU DE ROBERT EGGERS. UN REMAKE FANTÁSTICO, NOVEDOSO Y RESPETUOSO

NOSFERATU de Robert Eggers - 2024 - ("Nosferatu")

Poco a poco, con el tiempo, iré comentando en este blog desde el "Nosferatu" original de Friedrich Wilhelm Murnau hasta el primer remake que tuvo, dirigido por Werner Herzog, pasando por la secuela-reinterpretación de ese remake, "Nosferatu en Venecia", y por la reinterpretación del mito "La sombra del vampiro".

Hoy, toca reseñar su última versión, "Nosferatu", llevada a cabo por Robert Eggers, la cual me ha parecido, aunque pierde algo de fuelle y se precipita un poco en su desenlace, muy interesante y más que notable.

No soy muy amigo de los remakes ni de los reinicios, pero hay casos en los que creo que están justificados y uno de ellos es éste: película mítica de terror muda de 1922, con leyenda y malditismo por detrás, que tiene más de un siglo y que incluso tiene un remake que a su vez es mítico (el mencionado de Herzog).

Eggers nos entrega una reinterpretación del primer filme que sabe aportar su toque personal y, a la vez, ser perfectamente fiel a la esencia del material original.

El punto de partida es el mismo de aquel: esa "versión encubierta del "Drácula" de Bram Stoker" que fue ligeramente variada para poder rodarse en su día. El mensaje, sobre la maldad, la muerte y la eternidad, repite, y Eggers añade otro de su cosecha que remite a una suerte de retrato de las relaciones tóxicas.

La trama, dividida claramente en las habituales tres partes herederas de la propia trama del mencionado "Drácula", si bien se vuelve algo errática y se precipita demasiado en la última de dichas partes, está cohesionada y mantiene el gancho siempre, y consigue algo muy importante: aterrorizar desde el primer momento con un terror, valga la redundancia, verdaderamente malsano.

A esto ayudan su estética y su atmósfera: Eggers sabe tomar perfectamente el aura del expresionismo alemán de la primera película y darle su propio toque para retratar una Europa oscura, a caballo entre la modernidad y su pasado de misterio y horrores atávicos, donde tanto los interiores como los exteriores son una delicia.

En especial creo que el primer segmento del filme, el del castillo del Conde Orlock, da muy mal rollo y es tremendamente efectivo, con algunas escenas de pura pesadilla y de fiebre de horror que ponen los pelos de punta.

El reparto está magnífico, desde la protagonista Lily-Rose Depp (gran descubrimiento) hasta el sufriente Nicholas Hoult, el carismático Willem Dafoe, los efectivos Aaron Taylor-Johnson y Emma Corrin o el impresionante Bill Skarsgard, que parece haberle pillado el gusto a interpretar a monstruos y que aquí da, como en "It", verdadero miedo.

Esta "Nosferatu" de Robert Eggers me ha parecido una película fantástica, personal, respetuosa con su herencia y visualmente sobrecogedora. Así es como creo que han de hacerse, si se hacen, los remakes.

Y DESPUÉS DE NOCHEBUENA... OS DESEO UN FELIZ DÍA DE NAVIDAD :)

FELIZ NAVIDAD

Y hoy, tras la Nochebuena, os deseo un feliz día de Navidad. 

Comed mucho, bebed mucho y pasadlo genial con vuestra gente. 😄🎅🎄

FELIZ NOCHEBUENA :)

FELIZ NOCHEBUENA

Hoy es Nochebuena y mañana es Navidad, y os mando un abrazo enorme y todos mis deseos de que lo paséis genial con vuestros seres queridos y de que os traigan muchos regalitos. 🙂 Y por supuesto, de que haya también mucha juerga. 😜

KLAUS. UNA OBRA MAESTRA DE LA ANIMACIÓN ESPAÑOLA QUE REINVENTA A SU PERSONAJE

KLAUS de Sergio Pablos - 2019 - ("Klaus")

Es un día antes de Nochebuena y dos antes de Navidad, y para la ocasión quería traer por fin a este blog esta maravilla de la animación española que es "Klaus". Su autor, Sergio Pablos, es toda una eminencia: ha trabajado para los estudios de Disney en películas como "El jorobado de Notre-Dame", "Hércules", "Tarzán" o "El planeta del tesoro", es el creador de la saga de "Gru, mi villano favorito" y ésta es su primera película como director.

"Klaus" es una reinvención del mito navideño de Santa Claus desde un punto de vista realista que, además, nos narra una fabulosa historia sobre la redención, el cambio, el amor y la amistad.

El protagonista, Jesper, es un cartero hijo de un rico jefe de correos que, egoísta, desconsiderado, pijo y mimado, es enviado por su padre a cubrir el puesto de este oficio en la lejana ciudad de Smeerensburg, prácticamente en el Círculo Polar, para que se espabile y ponga allí en marcha un servicio de comunicación. En este ambiente a priori hostil, se va a operar un cambio en él, como se pueden imaginar, pero un cambio que huye de tópicos y que está lleno de sorpresas.

No se esperen en "Klaus" resoluciones fáciles o típicas: Pablos huye de ellas y elige caminos que nada tienen que ver con lo que algún director torpe o de encargos habría hecho con un personaje tan explotado de forma salvaje en la ficción como Papá Noel.

Estamos ante una fascinante historia de como he dicho cambio personal en la que se combina el humor, el drama y hasta la acción con un alegato contra el odio y a favor del intercambio cultural como medicina contra éste y contra la falta de comunicación.

"Klaus" está hecha además por medio de animación tradicional. No, no tiene 3D. Sí que tiene un trabajo espectacular de texturización e iluminación volumétrica que crea esta sensación. El aspecto visual del filme es precioso, y además imaginativo: el director nos lleva a una Escandinavia fantástica que se mueve desde el estilo expresionista al impresionismo cromático poblada de personajes llenos de carisma y personalidad.

En el aspecto técnico, "Klaus" compite perfectamente con cualquier película de Disney, del Studio Ghibli, de Dreamworks, de Illumination. En la trama, también, y supera con creces a muchas.

Escenas inolvidables tiene montones, y además es capaz de moverse con fluidez desde el tono inicial de oscuridad y humor negro con el que se abre hasta el de la luminosidad de su parte intermedia y final. En conjunto: estamos ante una obra maestra animada española. Si no la han visto, véanla. Y además, estamos en las fechas ideales para hacerlo.

SUSURROS DEL CORAZÓN. LA ÚNICA Y MAGISTRAL PELÍCULA DE YOSHIFUMI KONDO

SUSURROS DEL CORAZÓN de Yoshifumi Kondo - 1995 - ("Mimi wo sumaseba")

Yoshifumi Kondo era uno de los animadores más prometedores de Japón. Lo era porque nos dejó en 1998, y nos dejó con solamente 47 años a causa de una disección aórtica debida al exceso de trabajo. Esta muerte, muy habitual según leo en el país, tiene hasta una palabra propia allí: "Karoshi", que viene a ser "muerte por exceso de trabajo".

No es el de Kondo el único caso conocido de persona famosa japonesa (y concretamente del mundo de su arte, del manga, del anime) que fallece debido a esta lacra del entorno laboral de la nación, que ha llegado a ser un "asunto de estado" que se discute entre los políticos.

Yoshifumi Kondo estaba llamado a convertirse en uno de los grandes autores del Studio Ghibli: había trabajado en "Lupin III", "Conan, el niño del futuro", "Sherlock Hound", "Ana de las Tejas Verdes", "Recuerdos del ayer" o "La princesa Mononoke" y solamente dirigió una película, esta maravilla que hoy comento que es "Susurros del corazón".

Basada en el manga homónimo de Aoi Hiiragi, este filme es una obra maestra sobre el paso de la adolescencia a la madurez, sobre el primer amor y sobre la decisión de dedicar la vida al arte (algo que posiblemente tanto el mencionado mangaka como Kondo conocían bien).

Shizuku Tsukishima es una chica que va al instituto y que se enfrenta estos dilemas en la mencionada adolescencia. Está enamorada de Seiji Amasawa, un compañero con el que comparte el sacar los mismos libros de la biblioteca.

Gran lectora, Shizuku comienza a investigar a este chico y acaba encontrando un lugar muy especial y conociendo a personas muy especiales que van a hacer virar su vida hacia el encuentro pleno de la vocación artística.

Dedicarse a la creación artística no es fácil: no lo es ningún lugar. Estamos sumidos en una sociedad enloquecida (ya en 1995, año del filme, lo era) en la que prima el tener que ganarse la vida con trabajos o aburridos o frustrantes y que no respeta a quien trata de encontrar su oficio en algo que se salga de esta norma (en Japón además parece estar este pensamiento especialmente extendido).

Kondo no idealiza no obstante el mundo del arte: es un mundo difícil, muy difícil, y requiere de responsabilidad y valentía para poder enfrentarse a sus exigencias (paradójicamente, esas exigencias que a él mismo le minaron la salud y le acabaron matando).

Alrededor de este asunto pivota el del eterno amor, el mencionado primero de todos (y tal vez por ello el más puro y entregado), el de las relaciones familiares (con el esperable desencuentro generacional), el de los mecanismos de la creación literaria (aplicados a todo arte) y el del primer choque con las dificultades de la primera vida adulta.

El director nos narra todo esto con un lirismo mágico, delicado, que toca nuestros anhelos profundos, y con metáforas geniales como la de la historia del Barón Humbert von Gikkingen, que escenifica perfectamente la dicotomía entre el mundo real y el mundo de la imaginación y del arte y cómo se nutren ambos el uno del otro.

La animación es una preciosidad, como siempre en el Studio Ghibli, y escenas como la del concierto improvisado ponen los pelos de punta y han quedado para los anales de la historia del cine de animación.

"Susurros del corazón" es una obra maestra de un creador que por desgracia nos dejó muy joven y de forma trágica. Rindamos culto a su figura y a su memoria reivindicando esta joya animada imperecedera.

LUCKY. UNA PRECIOSA ODA A LA VIDA DE CARROLL LYNCH Y DEAN STANTON

LUCKY de John Carroll Lynch - 2017 - ("Lucky")

A veces, pienso cómo tiene que ser la vida de una persona que ha pasado de los noventa años. Cómo tiene que ser el desasosiego (o el alivio) diario de saber que, en cualquier momento, de cualquier día, todo se acaba de golpe, y tal vez sin que uno se entere siquiera. 

Harry Dean Stanton murió el 15 de septiembre de 2017. Tenía noventa y un años. Y una filmografía espectacular a sus espaldas que quiso despedir con "Lucky", la ópera primera en la dirección del actor John Carroll Lynch. 

"Lucky", que Carroll Lynch dirigió impactado por la muerte de su madre, tiene mucho de él pero, estoy seguro, también tiene mucho de Dean Stanton. Narra la vida cotidiana de un nonagenario que vive en un pequeño pueblo de la Norteamérica profunda, ese escenario que ya tan bien nos conocemos y que casi siempre suele ser un personaje más. 

Dean Stanton es este nonagenario: él mismo. Sin grandes creencias en el más allá, Lucky, un día cualquiera, tiene un desvanecimiento: no ocurre nada terrible y el médico le dice que puede continuar con su vida y que simplemente le pasa que... Tiene más de noventa años. Lucky se deprime y es consciente, tal vez por primera vez con todas las consecuencias, de que le queda poco tiempo de vida. Y empieza su último periplo antes de saldar sus cuentas con el mundo. 

Numerosos personajes van pasando a su alrededor y le aportan algo, y él les aporta también algo. Revisa costumbres sociales como su homofobia y hechos de su pasado y de su presente, y tiene miedo de mirar al futuro que le queda, que puede ser de días o hasta de horas. Se redime de pequeñas cosas y pequeños gestos, y se da pequeñas oportunidades de cambiar hechos que no le gustan o de expresar sentimientos que tenía guardados, aunque sea a última hora. 

John Carroll Lynch lo rueda todo con un minimalismo sentido y emotivo, a flor de piel. "Lucky" es un canto a la vida, en cualquiera de sus consecuencias. Y Dean Stanton lo da todo, todo, todo.

El actor de "Paris-Texas" y de mil maravillas más se sabe a punto de morir, y entrega un último papel de despedida soberbio, que cala en los huesos. Sus caras de desamparo ponen los pelos de punta, pero también las de optimismo. Es realista, pero también coherente, agradecido y optimista. Ha tenido una muy larga vida que muchas personas nunca podrán ni siquiera soñar. A pesar de sus frustraciones y cosas malas. Y tiene miedo del vacío, pero es capaz también de luchar hasta el final y de dejar algo bueno antes de irse. 

Los diálogos son maravillosos, las escenas para el recuerdo casi todas, los personajes secundarios entrañables y perfectos complementos del principal (e interpretados por muchas caras conocidas como las del director David Lynch o Tom Skerritt), el humor el justo y necesario pero perfectamente calzado siempre, y el drama ajustado escrupulosamente para no ser llorón o exaltado. 

"Lucky" es una obra maestra y un debut por todo lo alto, y la mejor despedida para uno de los más grandes actores de las pasadas generaciones. Preciosa e imprescindible.

LA GUERRA DE LOS ROHIRRIM. UN PURO ALTIBAJO ENTRE CALIDAD Y DESACIERTO

EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: LA GUERRA DE LOS ROHIRRIM de Kenji Kamiyama - 2024 - ("The Lord of the Rings: The War of the Rohirrim")

"El Señor de los Anillos: La Guerra de los Rohirrim" era una película muy esperada y que ha recibido críticas mixtas en general. Puede que haya pesado en esto lo primero, sus gigantescas expectativas, pero también creo que en parte la desilusión ha estado justificada porque la película es una continua montaña rusa de calidad en todos los aspectos.

Dirigida por Kenji Kamiyama, experimentado animador presente en montones de producciones japonesas (muchas encargos de otras sagas), ha estado producida por New Line Cinema, la Warner Bros. Animation y Sola Entertainment, mientras que las voces son de intérpretes ingleses o australianos como Brian Cox o Miranda Otto. 

De esta gran superproducción animada tan heterogénea ha salido, como he dicho, un altibajo incesante, y el altibajo es tal tanto a nivel de trama como a nivel de animación.

A nivel de trama tenemos una historia centrada en el pueblo de Rohan en la que hay conspiración, batalla y algo de aventura. El filme quiere abarcar mucho y descompensa a los tres géneros. La historia que narra es interesante, pero está llevaba a veces a trompicones y tiene picos de interés y picos de languidez, lo que hace que el ritmo se resienta bastante en muchos segmentos. 

Si unimos esto a que dura 130 minutos, tenemos un problema de desequilibrio importante. Todo lo que se cuenta se podía haber contado perfectamente, valga la redundancia, con, mínimo, 20 minutos menos.

Los personajes son lo mejor de "El Señor de los Anillos: La Guerra de los Rohirrim": tienen todo el carisma épico que se espera de una obra ambientada en el universo de J.R.R. Tolkien y sus diseños cuentan con gancho, mientras que sus conflictos son interesantes (a pesar de ser víctimas del desarrollo descompensado de la trama general).

En el aspecto de la animación, se mantiene toda la descompensación referida: a veces esta animación es magnífica y a veces está cortada a hachazos (faltan frames, y hay momentos en los que es excesivamente evidente). Esto, en una gran superproducción de este tipo y de una saga con tantísimos seguidores, no es demasiado tolerable hoy en día, la verdad. Sí son espectaculares los escenarios: de un realismo que a veces es indistinguible de una fotografía y que nos transportan desde el minuto uno a la Tierra Media más esplendorosa.

"El Señor de los Anillos: La Guerra de los Rohirrim" es puro claroscuro de calidad. No deja de ser interesante, pero tampoco deja de estar coja en montones de aspectos, y eso es una pena. Podría haber sido mucho mejor de lo que finalmente ha sido.

WALLACE & GROMIT: LA MALDICIÓN DE LAS VERDURAS. OTRA JOYITA DE AARDMAN

WALLACE & GROMIT: LA MALDICIÓN DE LAS VERDURAS de Nick Park y Steve Box - 2005 - ("Wallace & Gromit: The Curse of the Were Rabbit")

Una de las mejores cosas que hizo Dreamworks fue hacer trabajos comunes con Aardman Animations. Le otorgó un poco de "clase" a su estilo a menudo demasiado fagocitador de las modas del momento (a pesar de que entregan también a veces cosas maravillosas como muchas películas de su primera y olvidada etapa o de que en los últimos tiempos el estudio ha mejorado también mucho en el aspecto autoral). 

Nick Park volvió, tras "Chicken Run", con "Wallace & Gromit: La maldición de las verduras" en una película de nuevo animada con el estilo habitual de su estudio y bastante surrealista y desternillante.

 Una vez más, tiene mensaje animalista: el protagonista es un humano un tanto tonto al que su perro tiene que sacar todo el rato las castañas del fuego y, juntos, tienen una empresa de atrapar conejos que, sin embargo, no mata a los conejos. La protagonista femenina es también animalista: no quiere acabar con estas criaturas a pesar de que se comen sus verduras, y es el villano de turno el que sí es un asesino. 

Wallace y Gromit ya tuvieron varios cortometrajes como protagonistas y esta es su primera película grande (posteriormente, tendrían una serie de televisión más larga y otros cortos y mediometrajes). 

El humor de Nick Park es amable y tierno, con toques surrealistas, pero también con mensajes inteligentes y con algún que otro chiste aislado con bastante negrura e inesperada mala leche. Hay crítica humanista pero también algo de crítica social.

La acción es también un componente especial de la película: es delirante, muy loca, y hay escenas absolutamente geniales y vertiginosas, y además sorprende lo espléndidamente animadas que están con unos medios que no son tan fáciles de tratar. 

Tampoco podemos olvidar los homenajes: en este caso, el de los hombres lobo, transmutados ahora en conejos, es desternillante, pero también hay otros a la cultura británica más cotidiana que están tratados con ironía y parodia y a la vez con amor. 

"Wallace & Gromit: La maldición de las verduras" es una de esas películas de Dreamworks que destacan por sí solas (aunque sea una colaboración con otro estudio y no sea "propiamente Dreamworks") y que consigue hacer pensar y a la vez que nos echemos unas risas. Para adultos y para niños que busquen algo diferente y personal, como todo lo que hace Aardman Animations, una compañía que a veces no es tenida todo lo en cuenta que se merecería.

KRAVEN, EL CAZADOR. EL DESGANADO ADIÓS A UN UNIVERSO DE SPIDERMAN BOCHORNOSO

KRAVEN EL CAZADOR de J.C. Chandor - 2024 - ("Kraven the Hunter")

Con "Kraven el Cazador" se cierra, de forma indefinida, este bochornoso universo de villanos de Spiderman sin Spiderman que Sony se ha ido sacando de la manga desde 2018 para pasar la gorra y aprovechar el tirón de sus personajes de la manera más descarada imaginable. Y termina de la misma manera de la que empezó: de una forma desastrosa.

Ni una película se salva de la quema en este mundo compartido. Ni una. Las hay menos malas, pero ninguna, ninguna, ha sido buena. Las tres entregas de "Venom" han sido un desastre, "Morbius" ha sido un despropósito y "Madame Web" un disparate. Y "Kraven el Cazador", el colofón de la desgana y el pasotismo.

Esta aventura en solitario del cazador de Spiderman, dirigida por J.C. Chandor, del que no he visto nada (me dicen que "El año más violento" es muy buena), es un auténtico bodrio donde todo es pura languidez creativa, puro aburrimiento desde el concepto, puro salir del paso sin ninguna vergüenza.

El villano de Spiderman de marras tiene una vez más del personaje homónimo el nombre, y ya.  Aaron Taylor-Johnson le da vida de forma estrictamente funcional, sin carisma, muerto de ganas de terminar de grabar. 

Los secundarios están al mismo nivel: aquí todo el mundo parece estar deseando acabar y largarse para olvidar semejantes papeles. No hay un solo personaje que cumpla y que tenga un mínimo de profundidad o interés.

Todo exuda desidia en el filme, y en este sentido puede ser hasta el peor de los seis de su universo: la trama está escrita deprisa y corriendo y sus conflictos son tontos y pueriles, los diálogos apestan, las escenas de acción son pocas y cutres, la ambientación es de serie baja y las referencias al resto del mundo de Marvel son gratuitas y hasta chorras (y los villanos, tanto el principal como los secundarios, son de risa). Y encima, dura todo más de dos horas.

Con esta infamia termina hasta nueva orden este universo pastiche que, la verdad, espero que no vuelva. No ha habido nada más desleal al fandom que esta colección de chorradas caraduras que, para colmo, tenían intención por lo visto de, de alguna manera, meter la cabeza en el Universo Cinematográfico de Marvel (en "Morbius" vimos al Buitre y Venom estuvo rondando por "Spiderman: No way home": ambas cosas tirando del comodín del multiverso de forma absolutamente salchichera y patética).

Imagino que estos mentados cruces de universos se quedarán aquí y serán ignorados en el mencionado UCM, tratados como si nunca hubiesen ocurrido y borrados así por omisión, porque no creo que haya ningún interés en retomar por allí a estos personajes tristes (aunque nunca se sabe). Hasta nunca, Universo Spiderman de Sony.