BAJOS FONDOS. LA PRIMERA Y SOLVENTE PELÍCULA NEGRA DE STEVEN SODERBERGH

BAJOS FONDOS de Steven Soderbergh - 1995 - ("The Underneath")

A Steven Soderbegh se le puede acusar, y con razón, de ser irregular demasiadas veces, de ser tan prolífico (ha llegado a rodar varias películas por año, y no una vez o dos precisamente) que la calidad se le escapa de las manos o que deja dos proyectos sin terminar de pulir con tal de poder sacarlos los dos a la vez o casi a la vez. 

Sin embargo, tampoco se le puede acusar de encasillarse ni de no afrontar propuestas siempre nuevas. Y el tipo, con sus cosas buenas y malas, ha tocado toda clase de géneros: drama, fantástico, drama social, negro, comedia, ciencia ficción, documental, histórico, biográfico, experimental y hasta cine de acción. 

En su cuarta película, después de dos dramas y una excelente fantasía con Franz Kafka como protagonista, se metió de lleno por vez primera en el cine negro, uno de los géneros que más trataría. 

"Bajos fondos" es un remake de la famosa "El abrazo de la muerte" de Robert Siodmak, la cual por desgracia hasta este momento no he tenido el gusto de poder disfrutar, así que posiblemente mi crítica no esté completa sin poder comparar ambas versiones. 

Sin embargo, este hecho aparte, tengo que decir que "Los bajos fondos", a pesar de no ser una de las mejores obras de Soderbergh, cumple en casi todos los aspectos. 

El filme es un retrato negro de las relaciones humanas con la esperada aura fatalista que despliega, por medio de una estructura basada en flash-backs bastante resultona (el director casi siempre quiere intentar experimentar en sus obras, eso es otra cosa que no se le puede negar), un juego de realidades y mentiras donde el espectador se pierde con gusto.

"Bajos fondos" puede pecar de ser predecible, y en algún momento lo es (su final es un simple "ni fu ni fa" que creo que lastra el conjunto bastante), pero Soderbergh muestra un buen hacer tras las cámaras que pone la nota de una mínima personalidad. 

Lo que en manos de alguien que no fuese un autor habría sido un thriller más "de usar y tirar", en las de este director termina siendo un thriller con sus fallos, pero con una trama como he dicho atractiva gracias a su estructura, con una estética cuidadísima fría y nocturna (ideal) y con un Peter Gallagher muy destacado como protagonista. Steven Soderbegh seguía buscando su estilo y rubricar el reconocimiento, lo cual le llegaría años después.

LA MALDICIÓN DE SHELBY OAKS. TERROR QUE EMPIEZA BIEN Y ACABA MUY, MUY MAL

LA MALDICIÓN DE SHELBY OAKS de Chris Stuckman - 2024 - ("Shelby Oaks")

"La maldición de Shelby Oaks" es la enésima película de terror de la que escucho críticas excelentes y que, cuando la veo, no solamente me parece un "bluf", sino que me parece directamente mala. 

Se trata del debut en el largometraje de Chris Stuckman, y se presenta además apadrinada nada más y nada menos que por el mismo Mike Flanagan. Pero oigan, es que no entiendo de dónde vienen tantos halagos hacia ella, especialmente teniendo en cuenta lo terrible que es toda su segunda parte.

La película empieza interesante: como un homenaje a las cintas de metraje encontrado que popularizó "El proyecto de la Bruja de Blair" que además pone en la palestra un misterio interesante que tiene que ver con youtubers famosos que investigan fenómenos supuestamente paranormales y con la cultura del timo de las conspiranoias.

Por desgracia, todo se va pronto, muy pronto, al garete. Porque si bien en los inicios tenemos una intriga que promete con una ambientación resultona, con personajes que parecen ser interesantes, con su porcentaje de crítica social y, además, con algún primer susto efectivo, alrededor de la mitad del filme nos caemos de cabeza en el festival de tópicos más tópico, valga la redundancia, posible.

Las buenas intenciones con las que todo parte acaban en caracteres que de repente se vuelven planos, en una intriga que se revela de andar por casa, en una colección de giros de guión cutres y absurdos (ir de noche a un sitio abandonado peligroso, fuerza del mal invencible que hace tonterías, deux ex machinas gratuitos, lagunas del tamaño de acantilados...) que acaban en un desenlace que como he dicho es verdaderamente horrible por puro lugar común grueso.

"La madición de Shelby Oaks" es terror del malo y hasta del muy malo. No entiendo tanta alabanza. En serio. Todo lo que cuenta lo hemos visto mil veces y mucho mejor contado y, como he dicho, su final es una auténtica estafa.

-ESPACIO PARA SPOILERS: ¿En serio al final el diablo lo puede absolutamente todo "porque el diablo"? ¿En serio hay que recurrir para cerrar la trama al ente del mal absoluto de siempre que podría haber conseguido el resultado que consigue desde el principio pero que pierde el tiempo todo el rato "porque patata"? Vaya cosa más manoseada y cutre de desenlace.

LA CANCIÓN DEL MAR. TOM MOORE REFINA SU ESTILO EN OTRA NUEVA Y PELÍCULA PRECIOSA

LA CANCIÓN DEL MAR de Tom Moore - 2014 - ("Song of the sea")

Tom Moore, en su segunda película, de nuevo en el estudio irlandés Cartoon Saloon, vuelve a revistar la mitología y el folclore de su país natal para regalarnos otra historia sobre seres humanos enfrentados a algo que no conocen. Y esta vez, todo ha quedado mucho más redondeado: los personajes, la trama, la simbología. Los pequeñitos fallos que tuvo "El secreto del Libro de Kells" (que no la lastraron tampoco realmente) están aquí totalmente subsanados. 

Unos niños, ante la falta de sus padres, se van a vivir con su abuela y cambian el campo por la ciudad. En su nuevo ambiente, descubrirán algo que no imaginaban. 

"La canción del mar" combina a la perfección drama, aventura, un toque de comedia y una historia con mensaje moral que esquiva con gran habilidad las lecciones tontas o demagogas. Es un cuento moderno anclado como he dicho en las leyendas irlandesas y lleno de hábiles metáforas sobre toda clase de sentimientos y que además experimenta en la narrativa con las historias encadenadas. 

Esencialmente, el filme habla de la pérdida, pero alrededor de este asunto pivotan otros muchos, que se ordenan en base a las relaciones personales entre hijos, padres y abuelos: el salto generacional está siempre presente. 

La ausencia, la identidad, el amor, el desamor, el dolor, la frustración, la muerte, el autoconocimiento, la inocencia perdida o la naturaleza son estos asuntos. 

La película es un canto a la vida y a la alegría que, desde los sentimientos más tristes, trata de enseñar un camino para sobrevivir a lo que no nos gusta, a lo que perdemos nos guste o no a lo largo de nuestra siempre complicada existencia.

El de "La canción el mar" es un mensaje que cala sin problemas en los niños, que están aprendiendo a vivir y que siempre buscan respuestas para sus primeros encuentros con el sufrimiento humano, pero también en los adultos que no terminan de encontrar su lugar en el mundo. 

Sobra decir que la animación es, como la del primer filme de Tom Moore, una maravilla absolutamente soberbia. El original e imaginativo estilo icónico, de vidriera medieval en movimiento, repite más refinado, y nos transporta a universos maravillosos llenos de lirismo, romanticismo y capacidad evocadora y, además, poseedores de un sabio uso de la luz, del color y de las condiciones climáticas, que delinean los estados de ánimo de los personajes y los completan en cada momento. 

"La canción del mar" es la confirmación de un gran autor animado llegado desde el frío norte de las leyendas y otra obra más de una de las compañías animadas clave de Europa y ya podemos decir que de todo el globo.

EL LIBRO DE LA SELVA. LA AVENTURA CONTINÚA. EL PRIMER LIVE-ACTION DE DISNEY

EL LIBRO DE LA SELVA. LA AVENTURA CONTINÚA de Stephen Sommers - 1994 - ("Rudyard Kipling's The Jungle Book")

Estoy viéndome poco a poco los live-action de los clásicos de Walt Disney y hace no mucho descubrí que, aunque pensaba que el primero de ellos era la "Alicia en el país de las maravillas" de Tim Burton, realmente la serie había comenzado en los años noventa con la película que hoy comento y con las dos versiones de "101 Dálmatas" subtituladas "Más vivos que nunca".

Dirigida por Stephen Sommers, "El libro de la selva. La aventura continúa" es el primer live-action de esta franquicia de todos y he hecho una pausa en sus comentarios de este blog para incluirla (y haré lo propio con las dos partes de la mencionada "101 Dálmatas").

Y oigan, me ha parecido una película de aventuras más que notable. En este caso, se toma el punto de partida de la adaptación de Disney de la novela homónima de Rudyard Kipling para crear una obra totalmente nueva centrada en la adultez de Mogwli (luego, ya en 2016, vendría otra versión live-action de este clásico ya sí más fiel a la película de 1967).

Personajes entrañables, escenarios exóticos, naturaleza desbocada, ruinas de ciudades perdidas, amigos animales y unos efectos especiales magníficos con una ambientación llena de fascinación es lo que vamos a encontrar aquí.

Si bien la trama tiene algunas lagunas, sabe ser coherente y mostrar un nuevo perfil de la historia equilibrando perfectamente la mencionada aventura, el humor, la acción espectacular y el romanticismo. Todo ello con un mensaje ecologista, anti-colonialista y anti-racista básico pero bien expuesto.

Jason Scott Lee es un Mogwli excelente, con carisma, y lo mismo se puede decir de Lena Headey como Katherine, de Sam Neill como su padre, de Cary Elwes como el villano (creo que este actor siempre ha sido fantástico y que muchas veces no tiene el reconocimiento que merece) y de John Cleese como el doctor secundario cómico.

La película sabe enganchar a los niños haciéndose a la vez siempre divertida para los adultos y cuenta además con bastantes escenas que toman lo mejor del cine de aventuras de las décadas pasadas (sí, la sombra de Indiana Jones es alargada).

"El libro de la selva. La aventura continúa" es una live-action más que solvente, que juega bien sus cartas, que no da gato por liebre y que entrega un producto comercial dignísimo. Stephen Sommers siempre fue muy bueno en esto, aunque lleve bastante tiempo, tristemente, sin dirigir.

ARCO. UN HERMOSO DEBUT ANIMADO QUE TRATA ASUNTOS PROFUNDOS

ARCO de Ugo Bienvenu - 2025 - ("Arco")

"Arco", la primera película larga animada del francés Ugo Bienvenu, me ha parecido una bellísima joyita, exquisita en lo visual y llena de contenido profundo en lo argumental.

Influenciada claramente por el Studio Ghibli (se nota en ciertos diseños, en ciertos personajes y en su concepción paisajística), narra la historia de un niño del lejanísimo año 2932 que da nombre al filme y que cae desde su tiempo a la Tierra en el también lejano, aunque algo menos, año 2075. Allí, conocerá a Iris, una niña con la que entablará una relación especial y que le deberá ayudar a volver a su tiempo.

Con esta premisa que a priori puede parecer manida Bienvenu construye sin embargo una trama original, con sorpresas, con personajes hondos y con un mensaje ecologista que retrata dos mundos muy sugerentes: el primero, el del año 2075, está lleno de comodidades absolutas porque los robots hacen todo el trabajo pero, sin embargo, también ha quedado deshumanizado y poblado por familias donde los mencionados robots también hacen de padres porque, irónicamente, el mundo laboral se ha vuelto todavía más invasivo y nadie tiene tiempo para nada.

Paralelamente, el del año 2932 está movido por una tecnología extremadamente desarrollada que ya no se diferencia de lo que podríamos llamar hoy magia y que, sin embargo, ha dejado a los humanos apartados de un planeta que para variar no han sabido cuidar ni manejar.

El filme, con una animación bellísima y sobre todo con unos escenarios preciosos (el tratamiento de la luz es especialmente una delicia), transita por ambos preguntándose qué es la humanidad y cuál es su objetivo, para qué sirve la tecnología y cuál es su relación con nosotros y con la naturaleza y, además, retratando asuntos universales como la familia, la amistad, el amor o la frustración vital.

Alguna irregularidad tiene, eso sí. Aunque dura solamente 82 minutos, hay un momento cerca del final en el que pierde un poco el ritmo. Además, algún personaje se queda un poco desdibujado y algún otro también aparece tarde.

No obstante, estos pequeños defectos no lastran una obra animada magnífica que cuenta con varias escenas que se quedan grabadas, con protagonistas muy carismáticos, con reflexiones lúcidas y con un final con sorpresa que resulta demoledor. Extremadamente recomendable cinta animada francesa. 

¿QUERÉIS ESCUCHARME EN EL CANAL DE TURRA CINEMA HABLANDO DE CINE?

LA MOMIA, EN TURRA CINEMA

Como ya sabéis, en el canal de iVoox de Turra Cinema hablo de cine: cada dos semanas, comentamos una película, y cada cierto tiempo también hablamos de series y hacemos especiales de artistas.

Estoy compartiendo por aquí poco a poco todos los programas y hoy toca el que le dedicamos a "La Momia" de Stephen Sommers, una de las pocas películas que consiguió en décadas recuperar el estilo de la saga de Indiana Jones.

Si me queréis escuchar charlando sobre esta fantástica cinta, aquí me podéis encontrar:

LA MOMIA, EN TURRA CINEMA

Tened un buen sábado. 😀

EL ÚLTIMO UNICORNIO. LA ÚLTIMA OBRA MAESTRA DE RANKIN/BASS PRODUCTIONS

EL ÚLTIMO UNICORNIO de Arthur Rankin Jr. y Jules Bass - 1982 - ("The last unicorn")

Tras sus incursiones en el mundo de J.R.R. Tolkien con la destacable "El Hobbit" y la fallida "El retorno del Rey", Arthur Rankin Jr. y Jules Bass rodaron dos de sus mejores películas prácticamente a la vez. Una fue directa a la televisión y otra no, pero ambas son excelentes y poseen una animación maravillosa. 

"El último unicornio" y "El vuelo de los dragones", de 1982, son dos de las últimas, por desgracia, producciones de la compañía de ambos animadores, Rankin/Bass Productions, que realizó unos cuantos cortometrajes y especiales televisivos de Navidad hasta tener que cerrar tristemente en marzo de 1987. 

Que es una compañía que hay que reivindicar sin descanso lo dejan bien claro estas dos cintas imprescindibles y trabajos anteriores como la comentada en esta etiqueta "Mad Monster Party". 

Hoy hablamos de "El último unicornio" ("El vuelo de los dragones" la tenéis ya comentada en esta etiqueta) una película que, basada en el libro homónimo de Peter S. Beagle, fue uno de los mayores éxitos de sus dos autores tanto de crítica como de público. 

La animación es obra de Topcrath, un estudio japonés. Se nota la influencia del manga de este país y su excelente mezcla con las influencias americanas clásicas: todo es, visualmente, una total y absoluta preciosidad. Sorprende en una obra de principios de los años ochenta tal nivel de detalle, tal fluidez de personajes y objetos en movimiento, tal maestría a la hora de diseñar y colorear, tal realismo y expresividad. 

El poder evocador de "El último unicornio" es increíble, y a todo ello hay que unirle una banda sonora de ensueño y un reparto de voces inolvidable (Mia Farrow, Alan Arkin, Jeff Bridges, Christopher Lee...). Me entristece pensar lo que habría sido capaz de hacer el estudio de Rankin/Bass Productions si hubiese tenido más medios y más margen para actuar o si hubiese conocido las técnicas de animación de hoy, más rápidas y más baratas a pesar de toda su polémica artística.

"El último unicornio" es una película para niños pero también para adultos. Habla sobre la búsqueda de la identidad y la autorealización esencialmente, pero también sobre el sentido de la vida, sobre la soledad, sobre la amistad, sobre el amor, sobre la superación de los problemas, sobre el poder curativo del viaje y también lanza una arenga ecologista incluso. 

Nada tiene que envidiar al mejor cine de animación, ese que disfrutan personas de todas las edades y que enseña valores a todos. Arthur Rankin Jr. y Jules Bass se recuperan con esta obra maestra del batacazo que les supuso la precipitada versión del libro de "El Señor de los Anillos", "El retorno del rey", una de sus peores creaciones.

CHICKEN RUN: AMANECER DE LOS NUGGETS. OTRA SECUELA GENIAL DE AARDMAN

CHICKEN RUN: AMANECER DE LOS NUGGETS de Sam Fell - 2023 - ("Chicken Run: Dawn of the Nugget")

"Chicken Run", que tenéis comentada en esta etiqueta del blog, fue la primera película del gran estudio Aardman Animations, y hago una pausa en las reseñas de sus producciones, que estaba haciendo en orden, para, como hice con la saga de Wallace y Gromit, comentar esta secuela que llevaba tiempo faltándome.

"Chicken Run: Amanecer de los nuggets" tiene de nuevo todo lo mejor de su antecesora con una animación mejorada que es una absoluta delicia para los sentidos (en especial, los escenarios y su detalle son una pasada).

Ahora el director es Sam Fell, que se encargó de "Ratónpolis" (también la tenéis en este blog comentada, en esta etiqueta de nuevo), de "El valiente Despereaux" y de "El alucinante mundo de Norman".

Retomamos la trama años después de la huida de la granja y tenemos a Ginger y a Rocky viviendo en un idílico pueblo de pollos y gallinas situado en una apartada isla de interior donde llevan una vida tranquila en una comunidad autogestionada. Y han tenido una hija además que, como Ginger, es rebelde, atrevida, justiciera y aventurera.

A partir de aquí, se articulará una trama de nuevo divertidísima, cargada de peripecias, con escenas de acción geniales y un humor inteligente y cargado de ironía y con un mensaje sobre la responsabilidad que tenemos todas las personas a la hora de ayudar a las demás, aunque no sean cercanas, aunque sean incluso desconocidas.

Otros asuntos se articulan alrededor de éste: la familia, las relaciones entre madres y padres e hijas, la amistad, la integridad, la valentía y, también, el ecologismo y el animalismo, con la denuncia a la explotación de los animales que vuelve de la primera entrega ahora todavía más frontal al encontrarnos ante un medio de producción aún más deshumanizado y agresivamente capitalista.

Con diálogos chispeantes, secundarios delirantes, detalles fantásticos, homenajes a clásicos como "Pinocho", "Misión Imposible" o "El amanecer de los muertos" que viene parodiado en el título, "Chicken Run: Amanecer de los nuggets" es otra maravilla de Aardman Animations. Una tercera parte me gustaría.

LA HIJA OSCURA. CRUDO, POLÉMICO Y SIN CONCESIONES DEBUT DE MAGGIE GYLLENHAAL

LA HIJA OSCURA de Maggie Gyllenhaal - 2021 - ("The Lost Daughter")

No he leído la novela de la italiana Elena Ferrante en la que se basa "La hija oscura", pero la película, la ópera prima de Maggie Gyllenhaal en la dirección, me ha parecido espectacular por su crudeza y especialmente atrevida porque toca un asunto de esos que hoy verdaderamente es polémico con todas las letras.

"La hija oscura" habla nada más y nada menos que de maternidad, pero no de esa maternidad idealizada, bella, que puede encontrarse con ciertos problemas en el camino pero que son finalmente sorteados. No. "La hija oscura" habla de la maternidad que también equivale a frustración, a estrés, a pérdida de la identidad, a agotamiento, a culpa y a arrepentimiento, a daño emocional y a abandono.

Leda, la protagonista, es interpretada en su juventud por Jessie Buckley y en su madurez por Olivia Colman. Ambas están extraordinarias, espectaculares: ambas se meriendan la pantalla y ambas duelen de verdad dentro de ti cuando las ves sufrir.

Saltando constantemente entre el pasado y el presente, Maggie Gyllenhaal, con una dirección intimista a veces brutal y usando unos escenarios luminosos que llegan a ser desasosegantes y visualmente invasivos delinea un drama sin concesiones que pone en la picota la cultura de la maternidad en las mujeres, la exigencia social que cae sobre ellas, pero también la actitud de la propia protagonista a la hora de tratar con seres indefensos que la necesitan, su necesidad de escapar y la injusticia egoísta que es capaz de cometer por todo esto.

"La hija oscura" no juzga: sólo muestra. No es una película fácil. Es más, es una película dura de digerir, profundamente incómoda, que enciende debates y que tiene la valentía de sumergirse en un asunto que como he dicho hoy es polémico (y lo es además normalmente en todos los espectros ideológicos).

Acompañan a Buckley y a Colman un plantel de intérpretes igualmente magnífico en el que están Dakota Johnson, Ed Harris, Peter Sarsgaaard o Paul Mescal. 

"La hija oscura" es un debut fulgurante, que no deja indiferente y que destroza sistemas de tópicos y de creencias completos dejando en evidencia temas complejos, llenos de carillas, de contradicciones y de, también, profunda humanidad. 

NUEVO ÉXITO DE QUÉ GRANDE ES SER FRIKI CON ROBOCOP. GRACIAS A TOD@S

¡GRACIAS A QUIENES VINISTEIS A QUÉ GRANDE ES SER FRIKI AYER!

Otra sesión inolvidable de "¡Qué grande es ser friki!" con "Robocop". Gracias a todas las personas que habéis venido. 

El mes que viene, "Rocky". 🙂