FRANKENSTEIN DE MARY SHELLEY. NI PERFECTA, NI TAN MALA COMO DICEN

FRANKENSTEIN DE MARY SHELLEY de Kenneth Branagh - 1994 - ("Mary Shelley's Frankenstein")

Se machacó bastante en su día (y hoy todavía lo siguen haciendo) a la versión de "Frankenstein" de Kenneth Branagh y, la verdad, no lo entiendo, porque si bien la película tiene algunos fallos y no es la versión definitiva de la historia del "Moderno Prometeo", existen mil millones de películas mil veces peores para que exista el cierto ensañamiento que muchos tienen con ésta. 

"Frankenstein de Mary Shelley" está destinada a aprovechar la moda de su momento (fue breve pero ahí estuvo en la primera mitad de los noventa sobre todo) de las adaptaciones de obras del terror clásico "actualizadas" y supuestamente (supuestamente) muy fieles a los textos originales de los autores que las escribieron (después prácticamente ninguna lo fue). 

El pistoletazo de salida lo dió el soberbio "Drácula de Bram Stoker" de Francis Ford Coppola en 1992, y a partir de ahí vino esta película y otras como "Wolf" de Mike Nichols (sobre el hombre lobo) o "Mary Reilly" de Stephen Frears (sobre el Doctor Jekyll y Mr. Hyde). 

Kenneth Branagh acometió su Frankenstein justo después de la genial "Mucho ruido y pocas nueces" y bueno, la verdad es que se nota que este hombre estaba (y está hoy todavía) demasiado obsesionado con el teatro. 

Hay momentos en este filme en los que abusa claramente de la peor grandilocuencia teatral y en los que se le va la mano con la expresividad (sobre todo se nota cuando el doctor está "dando vida" a su criatura a pasos casi de ballet que la verdad es que sobran). También algunos diálogos están un poco salidos de tiesto y resultan pedantes y pretenciosos. Está bien. Pero, ¿y el resto?

Dejando a un lado estos defectos, este cierto abuso de la fórmula teatral y esta cierta grandilocuencia y pretenciosidad forzadas, "Frankenstein de Mary Shelley" es un buen filme, aunque no alcance el equlibrio magistral entre el drama y el terror que alcanzó el "Drácula de Bram Stoker" de Coppola. 

La película está bien llevaba y equilibrada, la ambientación es excelente, los actores están geniales (sobre todo Robert De Niro como la bestia), tiene escenas muy buenas (sobre todo el prólogo y el epílogo en los hielos o la transformación del personaje de Helena Bonham Carter -que pone los pelos de punta-) y, aunque en el montaje hay algunos cortes bruscos algo extraños que hacen que se eche en falta algún ensamblaje más entre momentos cumbre de la trama, la historia se sigue con interés en todo momento. 

En fin: no entiendo, de verdad, la manía que muchos le tienen a este filme. No es la mejor adaptación de la obra cumbre de Mary Shelley (y tampoco es fiel a ella aunque su título lo pregone), ni la mejor película de Branagh como director (sobre todo colocada entre "Los amigos de Peter" y "Mucho ruído y pocas nueces" y entre "En lo más crudo del crudo invierno" y "Hamlet" -se queda un poco atrás si tiene que compararse con éstas cuatro grandes cintas, la verdad-), pero tampoco veo por qué hay que destrozarla sin miramientos.

CLAYFACE. UN BODY HORROR DE VILLANO DE BATMAN QUE ARRIESGA Y TRIUNFA

CLAYFACE de James Watkins - 2026 - ("Clayface")

De James Watkins me puso los pelos de punta "Eden Lake" y me encantó "La mujer de negro", y creo que es un director ideal para haberse encargado de "Clayface", la tercera película del Universo DC recién inaugurado, que ya va sumando largometrajes, series y personajes.

La jugada era arriesgada: después de "Superman" y "Supergirl"... Una película de un villano de Batman en solitario que, además, no es de los más conocidos por el público general y, para colmo, viene teniendo ahí muy reciente las malas experiencias del universo de Spiderman sin Spiderman ese horrible de Venom, Morbius, Madame Web y Kraven que ha sido cancelado y la secuela de "Joker", que ha sido masacrada. Y cumple, y gana, de sobra esta jugada.

"Clayface" es una película de terror "body horror". El personaje de Batman, sin embargo, no es una excusa tampoco: el filme es coherente con él y con su universo, con la Gotham que muestra. Es una obra de inicio, de nacimiento de villano, que se sumerge en unos géneros que el cine de superhéroes no ha tocado demasiado, pero lo hace con el máximo respeto por el lugar en el que está.

Tom Rhys Harries está espectacular como el protagonista. Entrega varios registros y todos con éxito, y sufre de verdad y consigue hacernos sufrir a su lado. Una revelación total (ha sido actor en varias cintas ya, pero éste es su primer papel protagónico destacado). Los secundarios son también fantásticos.

La trama está equilibrada perfectamente entre el drama, el humor negro (que lo tiene, y bien dosificado) y la construcción del personaje desde cero, y su thriller, aún siendo predecible (no puede ser de otra manera por otra parte viendo sus características) nunca pierde el interés, especialmente por su brutalidad tanto física como psicológica.

La ambientación es excelente, realista pero fiel a lo que se espera de la ciudad de Gotham, y los efectos especiales son plásticos, grimosos, estupendos, puro rollo David Cronenberg o John Carpenter. 

"Clayface" es una fantástica obra de inicio de villano que sabe ofrecer algo nuevo siendo fiel a lo que adapta y encontrando a la vez su propio camino dentro de un universo en el que, por sus características más superheroicas, lo tenía a priori difícil. Prueba superada con creces.

CUANDO EL VIENTO SOPLA. UNA OBRA MAESTRA DESOLADORA SOBRE EL HORROR ATÓMICO

CUANDO EL VIENTO SOPLA de Jimmy T. Murakami - 1986 - ("When the wind blows")

Vi por primera vez "Cuando el viento sopla" cuando era un crío. En los ochenta, solían poner este tipo de películas los fines de semana a media mañana, en baterías de "dibujitos para los niños", sin preocuparse en absoluto de comprobar si lo que ponían era o no para niños realmente. Me traumatizó. La recordé toda la vida y, cuando, ya adulto, la vi de nuevo, me volvió a traumatizar. 

"Cuando el viento sopla", la mejor creación del irregular Jimmy T. Murakami, es una de las películas animadas más importantes de la historia, sin ningún género de dudas. Basada, como su anterior obra, "The Snowman", en una obra escrita y dibujada de Raymond Briggs, narra la historia de dos ancianos ingleses que viven en el campo y que se enfrentan a las consecuencias del estallido de una bomba atómica en las cercanías de su casa.

Estamos en 1986, y aunque en breve iba a caer ya el Muro de Berlín, la escalada atómica en aquellos y en los anteriores años y el enfrentamiento entre norteamericanos y rusos había sido de una volatilidad tremenda y era uno de los asuntos que más preocupaban al mundo. Lo vivido en Hiroshima y Nagasaki es reproducido con todo su horror en esta película, en la que los ancianos, basados en los padres del propio Briggs, pasan de una creencia optimista y casi ciega en la omnipotencia del estado salvador a una desesperanza total. 

"Cuando el viento sopla" es una película fea, desagradable, deprimente, terrible, desesperanzada. Es incómoda y durísima, y su espiral de decadencia, de caída en la nada, es un proceso que el espectador no olvida. 

El estallido, el abandono, la enfermedad, la podredumbre y el derrumbe de la sociedad es el itinerario que sigue la desventura terrible de los dos ancianos protagonistas, víctimas colaterales de un conflicto que han creado sus líderes y que a ellos ni les va ni les viene.

La crítica a la guerra, a las armas de destrucción masiva, a los patriotismos enfermizos, es cruda y brutal. Murakami no hace una sola concesión, no alivia un solo minuto al espectador, abrumado por tanto horror que desea que todo termine de una vez. 

Animada mezclando los dibujos tradicionales con los objetos reales en "stop motion" y con una banda sonora compuesta por David Bowie y otros grandes como Roger Waters, Genesis o Squeeze, "Cuando el viento sopla" es una obra maestra de la animación mundial y una película tristemente lucidísima sobre un tiempo que podría volver. No la olvidemos nunca.

MONSTRUOS: LA HISTORIA DE ED GEIN. CON ERRORES PERO MUY LÚCIDA E INCÓMODA

MONSTRUOS: LA HISTORIA DE ED GEIN de Ryan Murphy e Ian Brennan - 2025 - ("Monster: The Ed Gein Story")

La tercera temporada de "Monster" fue más criticada que las dos anteriores, y eso que aquellas eran durísimas y sugerían debates que suelen ser encarnizados, especialmente en estos tiempos de trinchera política y emocional y maniqueísmo del más cutre. Estaba dedicada a Ed Gein, además, el que posiblemente sea uno de los asesinos en serie más estremecedores de la historia.

"Monstruo: La historia de Ed Gein" ha sido acusada de inventarse bastantes hechos que son al parecer decisivamente ficción. En especial, Adeline Watkins no tuvo según los expertos una relación tan larga e íntima con Gein. También está simplificada la cronología de los hechos y las conversaciones entre el protagonista y su madre que muestra la serie no tuvieron lugar.

Pero en especial, lo que ha creado más polémica han sido las acusaciones de romantización de Gein hechas contra la temporada. Yo creo que, en este sentido, Ryan Murphy e Ian Brennan juegan mucho a la ambigüedad. No tengo clara mi opinión aquí, porque además al no ser yo estadounidense y al estar tan alejado del personaje en el tiempo hay una emocionalidad que no estalla tanto dentro de mí como si Gein fuese, por ejemplo, español, o como si estuviese aún vivo o como si hubiese seguido yo sus horrores por los medios de comunicación. Sí creo, no obstante, que esta ambigüedad juega mucho también a la ironía, y aquí creo que acierta.

El poner a Gein como una estrella no es una apología suya: es algo que pasó (y que pasa) con muchos asesinos que han sido atrapados y que se han vuelto famosos, especialmente en la sociedad de los USA. Ha habido y hay asesinos en serie con clubs de fans. Hay una épica monstruosa y malsana alrededor de ellos. Hay gente que los admira y que hasta los ama. En un un país como los mencionados USA, lleno de lacras sociales y emocionales producto de su sociedad enloquecida y ultracapitalista y de su historia sangrienta y, también, de su pasión por la celebridad y el show, especialmente.

Ed Gein es una figura que inspiró leyendas, ficciones (desde "Psicosis" a "La matanza de Texas") y que destapó una industria del morbo que sigue activa en nuestros días. Su impacto en la cultura popular estadounidense y por lo tanto mundial es brutal y definitivo, y eso es algo que no se puede negar y que la temporada refleja a la perfección.

Sobre el hecho de humanizarlo... Tengo más dudas aquí, pero lo cierto es que según he leído la capacidad de muchos de estos terribles personajes reales para distinguir el bien y el mal estaba totalmente distorsionada por pasados igualmente terribles y enfermedades mentales.

En el caso de Gein, padecía esquizofrenia paranoide extremadamente severa y, además, había sido maltratado brutalmente toda su vida por su madre, fanática religiosa presa de delirantes traumas con los hombres. Esto no justifica las salvajadas que hizo, evidentemente, pero sí las explica en gran parte o abre por lo menos caminos para explicarlas.

"Monster: La historia de Ed Gein" está exquisitamente rodada de nuevo, y consigue meterte en el universo demencial de su protagonista desde el primer momento. En especial, es interesantísima toda la historia de cómo inspiró su caso a tanta y tanta industria cultural y de mitos de los USA: ahí acierta de lleno, como he dicho, y su retrato de esta sociedad y su fascinación por la violencia es inmisericorde.

El reparto además está espectacular, en especial un Charlie Hunnam que pone los pelos de punta y que construye a un ser aberrante y a la vez desvalido, monstruoso y a la vez alucinado, que nos incomoda, que nos muestra terror y humanidad dislocada sin parar para hacernos conscientes de que la vida no es blanca ni negra, de que el ser humano no suele ser monocromo, incluso el peor de los extremos. Esto puede molestar, pero lo cierto es que en muchos casos ha sido así.

La tercera temporada de "Monster" me ha parecido magnífica con sus invenciones e imprecisiones, y absolutamente incómoda, sugerente y polémica, y para eso creo que deben hacerse este tipo de series. Pienso que la primera, la dedicada a Jeffrey Dahmer, es imbatible por ahora, pero ésta está a un nivel altísimo también.

WHALEFALL. UN DRAMA DE SUPERVIVENCIA ORIGINAL Y PROFUNDO SOBRE PADRES E HIJOS

WHALEFALL de Brian Duffield - 2026 - ("Whalefall")

"Whalefall" me ha resultado una tremenda sorpresa de Brian Duffield por lo original de su propuesta y por el drama de superación que la acompaña (reconozco que no me esperaba que iban a venir ambas cosas juntas: pensaba que iba a ver una película de supervivencia sin demasiada trama).

Un sufrido y fantástico Austin Abrams, al que hemos visto sufrir recientemente además por cierto en la última "Resident Evil", es un joven que a la muerte de su padre, un fanático del buceo impenitente que amaba el mar por encima de todo y que es un Josh Brolin estupendo, regresa a su pueblo costero para de alguna manera enfrentarse a su autoritaria figura de forma metafórica y superarla.

Él también es buzo y, entrenado desde niño por su mentado progenitor, se sumerge en una zona peligrosa de la costa cercana y es engullido con vida por una ballena. Empieza la película de supervivencia, pero también empieza la referida metáfora.

"Whalefall" combina a la perfección estas dos vertientes. La primera, es inusual: alguien tiene que escapar del interior de semejante animal marino, y las soluciones no son fáciles y sí originales. Está llevada con potencia, con angustia, con claustrofobia y con su toque de terror y de "body horror" (las escenas asquerosas están ahí, aunque pertenezcan a un "body horror" un tanto particular).

La segunda, la hemos visto otras veces, pero está muy bien expuesta y llevada: una relación de padre e hijo marcada por la toxicidad del primero, autoritario, obsesivo, controlador y culpabilizador, encuentra un canal inesperado de redención en la desventura terrible del segundo y en su comunión inesperada con la naturaleza marina, llena de lecturas hondas e interesantes.

"Whalefall" es un drama de supervivencia más que original y más que efectivo que combina perfectamente todas sus bazas y las juega sin fisuras. Toda una sorpresa que demuestra que no todo está tan visto como a veces pensamos que está.

LA OTRA MADRE. TERROR EFECTIVO Y HONDO CON UNA JESSICA CHASTAIN FANTÁSTICA

LA OTRA MADRE de Rob Savage - 2026 - ("Other mommy")

"La otra madre" no es una película que reinvente el género del terror, pero sí que es una película que juega muy bien con sus tópicos para tratarlos con dignidad y para tratar, valga la redundancia, asuntos humanos interesantes.

También tira mucho de un valor añadido que la hace especialmente reseñable: una Jessica Chastain que está espectacular en su doble papel de protagonista y de antagonista, que se come literalmente la pantalla y que es capaz de producir terror verdadero y desvalimiento profundo. Ella es media película, pero una película también se apoya de forma esencial en sus intérpretes.

Rob Savage elabora una cinta muy bien hecha, muy bien dirigida, que sabe colocar bien cada susto y cada momento de tensión y que tiene una combinación efectiva entre terror y drama.

Además, como he mencionado, trata asuntos humanos interesantes: esencialmente, habla de la familia y de sus entresijos cotidianos, de sus pequeñas traiciones y vilezas, e igualmente de su amor y entrega a pesar de la adversidad. Llega a ser, en algunos momentos, incluso incómoda, porque se mete en algún cenagal inesperado que todavía no está muy bien visto en nuestra sociedad (y en los USA imagino que es esto aún peor).

Guarda, de añadidura, sorpresas en la trama que se meten de lleno con la lacra de los conspiranoicos y los magufos, esa gente charlatana y timadora con complejo de superioridad que está tan presente en tantos ámbitos de la vida diaria.

"La otra madre" no ha tenido críticas especialmente buenas: ha sido recibida con tibieza e incluso ha sido tratada con bastante poca piedad. A mí me parece una obra de terror muy digna, con momentos estupendos y, como he dicho, con una Jessica Chastain inolvidable y que pone de verdad los pelos de punta en su papel de villana. 

THE CHASER. EL FULMINANTE Y MAGISTRAL THRILLER DEBUT DE NA HONG-JIN

THE CHASER de Na Hong-jin - 2008 - ("Chugyeogja")

Hace tiempo tuve la suerte de descubrir, en la cinemateca de mi ciudad, al director surcoreano Na Hong-jin, cuyo segundo filme "The Yellow Sea" me gustó entonces bastante. Pero fue su película debut "The Chaser" la que me dejó absolutamente nockeado. 

Filme de culto en Corea del Sur y por desgracia todavía poco conocido en occidente, "The Chaser" es uno de los thrillers más espectaculares que he tenido el gusto de ver en los últimos años. Muchísimo más ajustada que la desbocada (que no mala pero sí algo salida de tiesto) "The Yellow Sea", el debut de Hong-jin es una historia que va de menos a más y que, tras un comienzo lineal e incluso con algún tópico, atrapa irremisiblemente en una trama visceral espléndidamente llevada que dosifica sin fisuras el puro thriller, el humor negro y el drama más desgarrador. 

Por medio de una historia más de asesinatos y de policías el director traza un mapa de sentimientos humanos fantástico en el que se tratan el deber, la redención, la violencia, la muerte, la venganza, la infancia destrozada o la ineptitud social. 

Los personajes, espléndidamente interpretados, ganan interés de una forma vertiginosa y, el duo protagonista, personificado por los hasta ahora habituales del director Yun-seok Kim y Ha Jung-woo, mantiene en todo momento una química envidiable.

La trama del filme, además, está llena de sorpresas: despista con limpieza a los tópicos del thriller "al uso" en el que todo filme de estas características está siempre en peligro de caer y deja a quien lo ve anonadado ante sus del todo inesperadas vueltas de tuerca. 

Por otra parte, las escenas de acción de "The Chaser" son una delicia, y ese combate final pone completamente los pelos de punta. La ambientación, oscura justo cuando tiene que serlo y realista en todo momento, es la adecuada. 

El debut de Na Hong-jin fue según he leído un éxito de culto fulminante que se colocó nada más estrenarse entre los más grandes taquillazos de la historia del cine surcoreano. Hay que reivindicarlo sin cesar y espero que no sea conocido aquí sólo porque cualquier día a cualquier ejecutivo de Hollywood se le ocurra hacerle un remake.

ÚLTIMA SEMANA DE EXPOSICIÓN DE MIS TIRAS CÓMICAS COACHING PARA ESCLAVOS

¿TE APETECE VISITAR MI EXPOSICIÓN DE TIRAS CÓMICAS?

Llega a la recta final la I Exposición de mis tiras cómicas, "Coaching para esclavos", en La Polivalente de Málaga. 

Han sido dos meses fantásticos en este espacio cultural maravilloso de mi ciudad.

Si vivís en Málaga o estáis por aquí esta última semana de muestra, podéis pasar a visitarla. En Calle Lagunillas 53, Distrito Centro 29012. 😊

CRUMB. VIDA DE HISTORIETISTA. UN ENSAYO GENIAL DEL AUTOR, DE SU OBRA Y DE SU ÉPOCA

CRUMB. VIDA DE HISTORIETISTA de Dan Nadel - 2025 - ("Crumb. A Cartoonist's Life")

"Crumb. Vida de historietista" es el genial ensayo del comisario de arte y ensayista Dan Nadel sobre el imprescindible padre del cómic underground americano: Robert Crumb. 

Está centrado en su vida y en su obra, pero pone especial hincapié en la relación entre ambas desmitificando bastante parte su perfil de "freak" tópico que se ha quedado de una forma u otra en el imaginario popular.

Desde antes de su nacimiento (Nadel explora el perfil de las dos familias de las que surgió) hasta sus últimos años de viudedad (Crumb tiene ahora 83), el ensayo recorre su mencionada vida de forma paralela a su precoz carrera dibujando cómics con sus hermanos y, también, su contexto social y hasta político.

El autor, que en los años sesenta rompió los moldes del cómic del momento con sus retratos sociales delirantes en los que se burlaba hasta de la propia contracultura que lo encumbró, se hizo célebre y empezó a ser imitado de tal forma que prácticamente él dio el banderazo de salida a todo el mencionado medio underground estadounidense, que acabó muriendo de éxito, fagocitándose a sí mismo en publicaciones de mala calidad donde ya entraba cualquiera que dibujase cosas feístas, y transformándose tras fenómenos más tardíos como "Maus" de Art Spiegelman en lo que hoy se llama, con mayor o menor acierto, "novela gráfica".

Esta evolución de este tipo de cómic corre paralela a la vida de Crumb, que pasó de la frustración extrema de un hogar familiar destrozado por la locura y de la marginación del "loser" de instituto a la experimentación con las drogas en San Francisco, a montar una banda de música con sus amigos (que tuvo su éxito y su personalidad, que a veces se olvida) o a vivir finalmente en Sauve, el pueblo medieval del sur de Francia en el que reside desde 1990 tras asquearse profundamente del ambiente artístico de su país.

Junto a él desfilan las personas que fueron o son importantes en su vida: otros artistas como Harvey Pekar o los de la revista mítica Zap Comix, las parejas que tuvo, sus padres, sus problemáticos hermanos, cineastas como Terry Zwigoff o Ralph Bakshi. Y Nadel analiza sus principales obras y las pone en contacto directo con la etapa de su vida en la que son creadas.

Es muy interesante este ensayo además porque se despliega un certero e interesantísimo retrato de los años sesenta, década ilusionante y a la vez convulsa en la que Crumb comenzó a publicar y a hacerse famoso, como una época de cambio radical en los USA y en casi todo el mundo occidental pero también de oscuridades, radicalismos, incongruencias e hipocresías que derivó en los desencantados setenta y posteriormente en unos ochenta de juergas nihilistas en los que triunfó el arte más comercial y en los que venderse frívolamente ya estaba bien visto.

"Robert Crumb. Vida de historietista" es un texto espectacular y exquisitamente documentado, aprobado por el propio Crumb, que extiende un fresco vital, artístico, social y político durante varias décadas y que nos deja en nuestros días comprendiendo perfectamente y en todos sus espectros el fenómeno del cómic underground americano y la vida de su protagonista. 

EL SABUESO DE LOS BASKERVILLE. EL GENIAL SHERLOCK HOLMES DE MARVEL

EL SABUESO DE LOS BASKERVILLE de Doug Moench, Val Mayerik y Tony DeZuñiga - 1976 - ("The Hound of The Baskervilles")

Es extrañísimo que Sherlock Holmes en los cómics de Marvel de los años setenta no llegase a tener su propia cabecera y, ni siquiera, relatos periódicos continuados más allá de la versión de "El Sabueso de los Baskerville" que hoy comentamos.

Publicada en la revista Bizarre Adventures (antes Marvel Preview durante un breve tiempo), esta adaptación de la novela homónima del detective más famoso del mundo formaba parte de los magacines de la compañía que buscaban seducir a un público más adulto que el de sus cómics habituales de superhéroes.

En blanco y negro y en formato de revista (que no tenía que cumplir ciertas normas de la censura) estas publicaciones fueron un gran éxito en unos años setenta que demandaban historias decididamente más oscuras que las habituales: la más longeva fue con diferencia La Espada Salvaje de Conan.

En la primavera de 1976 apareció, con guión de Doug Moench, dibujo y tinta de Val Mayerik y Tony DeZuñiga y portadas y cubiertas de Ken Barr y Frank Thorne, este cómic espectacular que llevaba a las viñetas la obra homónima de Arthur Conan Doyle.

"El sabueso de los Baskerville" es la novela más famosa de Sherlock Holmes y la tercera de las cuatro que tuvo (las tenéis todas comentadas en esta etiqueta junto con todos los libros de relatos del personaje) y es especial por enfrentar al protagonista y a su amigo Watson con un caso que parece, a priori, totalmente sobrenatural, alejado de forma radical de los hechos anclados en el raciocinio más puro a los que se enfrentan prácticamente siempre.

Es, además, especial por otra cosa: Watson es aquí, durante buena parte de la trama, más protagonista que el propio Holmes.

Dough Moench sabe llevarla perfectamente a buen puerto en su paso a las viñetas respetando escrupulosamente su intriga, dotándola de un ritmo fantástico, creando impacto en cada uno de sus giros y manteniendo el aura de malditismo de nobleza rancia y demoníaca que la hace también única en el canon holmesiano.

El dibujo y la tinta de Val Mayerik y Tony DeZuñiga reproducen a la perfección su escenario mítico: un páramo apartado e inhóspito rodeado de pueblos pequeños y de mansiones con secretos. Cada página es una delicia del decorado, del diseño de personajes y de la composición de ambos, y cada página contribuye a magnificar la atmósfera lúgubre de la novela.

Como he dicho, Sherlock Holmes no tuvo éxito, inexplicablemente, en los cómics de Marvel de esta era, como sí lo tuvieron otros personajes sacados de la literatura popular como el mencionando Conan el Bárbaro, Red Sonja, Solomon Kane, Drácula, Frankenstein, Fu Manchú o Doc Savage.

Esta genial "El sabueso de los Baskerville" queda, no obstante, como obra magna de estas revistas en blanco y negro que tanto hicieron por traer un tono como he dicho más adulto a los cómics de la época en los USA y por dar a conocer a tantos personajes literarios.