ORGULLO Y PREJUICIO. UN CLÁSICO ÚNICO DE LA SÁTIRA Y LA COMEDIA ROMÁNTICA

ORGULLO Y PREJUICIO de Jane Austen - 1813 - ("Pride and Prejudice")

"Sentido y sensibilidad" me descubrió a Jane Austen y me encantó (la tenéis comentada en esta misma etiqueta), pero "Orgullo y prejuicio" sencillamente me ha apasionado. En ella, la escritora toma temas similares a los de su anterior novela pero les da vueltas de tuerca nuevas y todavía se muestra más incisiva en su retrato social.

Escrita en 1796 y publicada en 1813 (había sido rechazada antes) por el mismo editor de "Sentido y sensibilidad", "Orgullo y prejuicio" está considerada una de las primeras comedias románticas de la historia y tanto sus personajes como su desarrollo siguen hoy de prácticamente plena actualidad.

El meollo de la acción se mueve alrededor de Elizabeth Bennet, una mujer muy, muy adelantada a su tiempo (no quiere casarse con cualquiera y exige este derecho y se encara además directamente con personas consideradas de mayor posición social) y de Fitzwilliam Darcy, un hombre rico y bondadoso aunque bastante clasista y soberbio. Ambos pasan de la antipatía al respeto y ambos tienen que superar sus propias crisis internas y romper con sus prejuicios para encarar el hecho del amor.

Si bien el dilema central de la novela es el del buen matrimonio, la concepción de este dilema, en su tiempo, está tratada de una forma totalmente novedosa y aguda. Hay ciertos clasismos en Austen, porque es hija de este tiempo, claro (especialmente en la historia secundaria de la hermana Lydia Bennet) pero los avances que promueve con respecto a, de nuevo, su época, destrozan la balanza a su favor.

"Orgullo y prejuicio" clama por la libertad de elección, por la ruptura con el mentado clasismo y por el señalamiento de la soberbia de las clases altas, que no se salen con la suya aunque tengan rango y dinero. Los sentimientos más puros y honestos triunfan, aunque no encuentren un camino de rosas por delante.

Los problemas de los también inolvidables personajes secundarios que rodean a la pareja principal la complementan (volvemos a cotejar su historia de amor con otras historias de amor que muestran caminos diferentes que colaboran en unificar el variado fresco que Austen despliega). Volvemos a tener también una lámina genial de caracteres que desenmascara a una sociedad profundamente hipócrita, falsa, aduladora y postureta.

El estilo es de nuevo el aparentemente sencillo y delicado pero lleno de matices, de dobles sentidos, de la escritora. Aquí Austen entra todavía más rápido en faena para delinear una narración cargada de ironía y a la vez de profunda humanidad. Hay didactismo otra vez, pero es un didactismo natural, sin moralinas, sin sermones. El diálogo es muy abundante, marca de la casa, y describe y desarrolla a los personajes con su mero fluir.

"Orgullo y prejuicio", muy adaptada a otros medios, especialmente al cine, es otro clásico imprescindible de una escritora imprescindible de las letras británicas y universales. 

A COMPLETE UNKNOWN. UN ACERTADO RETRATO DE LA ÉPOCA DE RUPTURA DE DYLAN

A COMPLETE UNKNOWN de James Mangold - 2024 - ("A Complete Unknown")

Estamos en tiempos de biopics de grandes músicos de décadas pasadas y toca ahora uno del imprescindible Bob Dylan. "A Complete Unknown" sigue no obstante un camino bastante diferente de los que hasta este momento se han estrenado, y la verdad es que se lo agradezco.

En vez de mostrar lo habitual (un seguimiento más o menos cronológico por la vida del músico de turno, su infancia, juventud, debut, etc) se centra en una época suya muy concreta: la época en la que electrizó la música folk americana popular a la que se dedicaba en sus inicios y la cambió para siempre.

Este momento, clave en la historia de la música, valga la redundancia, de los USA y mundial, influyó a otras escenas de otros países y dio el pistoletazo de salida a un tiempo de cambios artísticos que en los años sesenta se extendieron a lo social en un país agobiado por una moral beata que se resistía a caer.

Timothée Chalamet es un Bob Dylan magnífico (hay que ver lo increíblemente polifacético que es este actor), un Bob Dylan que Mangold retrata en lo mejor y en lo peor: en aquella época despuntó como un artista único, creativo hasta lo revolucionario, agudo en su visión de la música y de la sociedad de su momento, pero también como un completo gilipollas con todas las letras, creído, soberbio, egoísta, narcisista.

Un plantel de secundarios magnífico (Elle Fanning, Mónica Bárbaro, Edward Norton...) le acompaña en un fresco completísimo de este momento que inmortalizaría su propia canción que clama que los tiempos están cambiando. 

Independientemente de que guste Bob Dylan, la película, magníficamente recreada en lo histórico y en lo visual, sabe captar la atención e interesar desde el principio y trascender a su propio personaje para recrear una época convulsa y complicada en todos los aspectos. Eso es, pienso, señal de que un biopic es bueno.

Hay algunos "peros", aunque no son muchos: "A Complete Unknown" es una obra esencialmente para fans de Dylan. Va al grano desde su inicio, dando por obvias muchas cosas que a alguien más profano tal vez no le lleguen a no ser que lea luego sobre ellas. Muchos personajes, muchos músicos que influyeron o acompañaron al protagonista, apenas están esbozados, y fueron importantísimos en su carrera.

Dejando esto a un lado (que también es producto del riesgo que el biopic acepta, por otra parte) "A Complete Unknown" es una película muy destacada, muy interesante, y un retrato certero y agudo de un personaje clave de la cultura mundial del siglo XX sumergido en el proceso de cambio más importante de su vida y en uno de los más importantes de dicho siglo.

UNA PELÍCULA DE MINECRAFT. ENTRETENIDA SI SE ACEPTA QUE ES UNA PELÍCULA PARA NIÑOS

UNA PELÍCULA DE MINECRAFT de Jared Hess - 2025 - ("A Minecraft Movie")

"Una película de Minecraft" no es una película buena. No, no lo es, y decir lo contrario sería mentir, pienso. Ahora bien, también es una película que juega en otra liga: en la de los más pequeños (pero los más, más pequeños).

No estamos ni siquiera ante una obra de Pixar o de Dreamworks, que suelen apelar tanto a este público como al público adulto. "Una película de Minecraft" es una película como he dicho para los más pequeños y punto. Y, si eso, para seguidores muy acérrimos del videojuego en el que se basa.

Dicho esto, creo que es por este lado por el que hay que analizarla y valorarla. Su director, Jared Hess, experto en comedias de todo tipo (despuntó con fama allá por 2004 con "Napoleón Dynamite"), hace una producción para niños y punto, y a eso se limita.

Si eres una persona adulta, "Una película de Minecraft" no te aportará nada (tal vez alguna sonrisa si, como he mencionado antes, te gusta el mentado videojuego). Te la sabes de memoria de principio a fin. Los personajes son planos y hasta tontos. Los conflictos, predecibles y mil veces vistos. Pero todo está blanco y en botella de forma consciente: esto es lo que hay.

Aceptado este hecho, el filme puede ser entretenido, especialmente por sus resultones efectos especiales, que trasladan muy bien el videojuego en el que se basa a la pantalla, y por sus escenas de acción, que tienen su gracia. También la tienen Jack Black y Jason Momoa cono dúo cómico (dentro de que no están haciendo humor inteligente, ni lo pretenden).

Hay un momento en el que pierde el ritmo, alrededor de la mitad del metraje, eso sí. Y también hay gags que funcionan mejor y otros que funcionan peor y alguna escena de cierta vergüenza ajena. Pero insisto: "Una película de Minecraft" no es una película para personas que ya hayan pasado la pubertad, y no lo pretende y va de cara.

SEXO, MENTIRAS Y CINTAS DE VÍDEO. EL DEBUT DE SODERBERGH QUE CAMBIÓ EL CINE INDIE

SEXO, MENTIRAS Y CINTAS DE VÍDEO de Steven Soderbergh - 1989 - ("Sex, lies and videotape")

"Sexo, mentiras y cintas de vídeo” costó un millón de dólares y recaudó veinticinco. Ni el mismo Steven Soderberg, que por entonces era un veinteañero, se imaginaba el éxito del que iba a gozar su debut. Fue una película que llegó instantáneamente al podio de los filmes de culto y que desató un gran interés por parte de muchas productoras por hacer dinero con el cine independiente, que descubrieron que podía ser rentable.

Escrita en ocho días y rodada y montada en dos meses, la cinta narra las relaciones que se dan en un corto espacio de tiempo entre cuatro personajes de distintos estratos sociales que han llegado a la treintena: dos hermanas, una desinhibida y muy liberal que disfruta del sexo sin tapujos, y otra muy reprimida, y dos viejos amigos de la infancia, el marido de la hermana reprimida (cínico, clasista, hipócrita y que la engaña) y un hombre culto y pacífico pero maniático y reservado que parece guardar un trauma sexual. 

En un estilo fresco, sencillísimo, muy sobrio y efectivo, Soderbergh teje una trama en la que sus personajes interactúan dejándose llevar por sus necesidades y problemas afectivos y, sobre todo, por sus necesidades y problemas sexuales. 

La hermana liberal se acuesta con el marido de la reprimida, mientras el amigo de este marido, con frustraciones que le impiden desarrollarse afectivamente, graba a ambas en cintas de vídeo mientras le hablan de su propia vida sexual. 

El filme se centra especialmente en el hecho de que en la historia que desarrolla todos tienen, de alguna manera u otra, un trauma o una necesidad relacionado con el mencionado sexo que les condiciona y que, en diferente grado, les domina. Hasta el protagonista aparentemente más liberal tiene algo que esconder (tal vez sólo se libre uno de ellos, si es que se libra). 

El cuadro queda completo con una cámara que toca el interior de todos los personajes, con una fotografía hermosa, con unos geniales diálogos y con un ritmo que hace que el filme se pase en un vuelo.

Algunos de los momentos de "Sexo, mentiras y cintas de vídeo" pueden resultar hoy algo anticuados, pero estamos en 1989: aunque los ochenta fue una década desenfrenada en los USA, no era habitual hablar del sexo en público de esta manera todavía y aún no se tenía la educación sexual de la que hoy gozamos.

YO MATÉ A MI MADRE. EL IMPACTANTE Y DESGARRADOR DEBUT DE XAVIER DOLAN

YO MATÉ A MI MADRE de Xavier Dolan - 2009 - ("J'ai tué ma mère")

Xavier Dolan es uno de los cineastas canadienses más personales de los últimos años, un director que ha sabido labrarse hasta ahora una filmografía sólida, seria, con asuntos universales perfectamente tratados y con un un poso social crítico lúcido que está presente en varias de sus obras. 

"Yo maté a mi madre", protagonizada por él mismo, que antes de ser cineasta ya era actor, es un debut fulminante, de los que dejan marcado al espectador. Escrito por el director cuando tenía dieciséis años, es en parte una autobiografía, una narración de los problemas que él mismo tuvo en la adolescencia y primera juventud con su madre. 

Un hijo y una madre, valga la redundancia, tienen una relación destructiva producto de un hogar roto casi desde su nacimiento. El hijo ama en el fondo a su madre, pero la desprecia también de forma profunda y se lo hace saber constantemente. Ella está dolida por todo esto, y a veces tiene una actitud pasivo-agresiva que la destroza, a veces pasa de todo y a veces explota y se ve al borde del abismo. 

Xavier Dolan va desplegando progresivamente este drama hasta hacerlo verdaderamente desgarrador, drama que corre paralelo a la historia inciática de un joven cualquiera de Montreal, su ciudad, que descubre el amor, la decepción, los enigmas y dilemas de la vida y sus primeros problemas serios. 

Dolan está inmenso en su papel, y lo mismo se puede decir de Anne Dorval como su madre en la ficción. Ambos destilan malestar emocional, ambos saben parecer totalmente perdidos ante la cámara y ambos protagonizan escenas que ponen los pelos de punta (la discusión en el coche es brutal). Su duelo interpretativo es de matrícula de honor, y la tensión que mantienen en todo momento es magistral.

"Yo maté a mi madre" no es tampoco maniquea a la hora de retratar este conflicto: ambas partes tienen aciertos y errores de bulto, y ambas se ven superadas por su situación inestable.

El debut de Xavier Dolan en la dirección es también, como otros filmes suyos como "Laurence Anyways", un filme con un certero comentario social. Es una denuncia del machismo imperante en una sociedad aparentemente perfecta y modelo de boquilla en el primer mundo como es la de la inmaculada Canadá. 

Una mujer que ha de criar a su hijo casi en total soledad a causa de un padre que pasa tres kilos de ambos y que sólo aparece cada cierto tiempo para tomar soluciones cogidas con alfileres carga con todas las culpas y con el odio de su hijo y, para colmo, es cuestionada constantemente por la sociedad. 

Dolan es tajante, directo, no hace concesiones y no se corta un pelo. "Yo maté a mi madre" es una película única, un debut inolvidable y de culto que inaugura una filmografía genial hasta este momento.

TRAINSPOTTING. UNA NOVELA CLAVE SOBRE LA DROGA Y LA JUVENTUD DE LOS 80 Y LOS 90

TRAINSPOTTING de Irvine Welsh - 1993 - ("Trainspotting")

De la novela "Trainspotting" me sorprendió lo diferente que realmente es de la película en el sentido de que, si bien la droga tiene un papel clave también en sus páginas, retrata muchos más asuntos que dicha adaptación de Danny Boyle (cuyas dos entregas tenéis comentadas en el blog, en esta misma etiqueta).

Irvine Welsh obtuvo un éxito brutal inmediato con ésta, su primera publicación, un éxito que le permitió seguir dedicándose a la escritura y ampliando su "universo" de Edimburgo y de más allá (los personajes de sus historias suelen estar relacionados y hacer "cameos" de unas a otras).

Welsh escribe en su dialecto nativo escocés: no sé cómo afectará esto a la traducción al castellano y no sé cómo y en qué condiciones lo apreciaremos. Sí sé que el estilo de "Trainspotting" es chispeante, rápido, metafóricamente rico e irónico, a veces algo acumulativo pero muy tangible y lleno de fuerza en sus expresiones "de la calle".

"Trainspotting", publicada en 1993, narra fragmentos clave de las vidas de un grupo de jóvenes de Edimburgo de finales de los años ochenta. Los protagonistas básicos son los del filme: Renton y su grupo de amigos, heroinómanos casi todos. No obstante, a su alrededor discurre una galería de personajes muchísimo más amplia que la de la película, llena de caracteres de todo tipo tanto masculinos como femeninos que enriquecen la historia hasta configurar una especie de "La colmena edimburguesa".

La gran mayoría son jóvenes sin futuro que vienen de clases bajas o medias-bajas urbanas y que están enganchados a las drogas, al alcohol, a la fiesta, a la violencia, al sexo, al deporte. En general, prima una idea: el futuro que les espera supuestamente, el de estar pegados a la televisión mientras sus familias frustrantes crecen y ellos se apagan, no les hace ninguna gracia, por lo que huyen hacia otros estímulos.

"Trainspotting" es un ataque brutal a los valores burgueses de la época pero también un retrato de lo que hay fuera de ellos, que es un callejón sin salida. El protagonista principal sí es Renton, como en el filme, y el golpe clarividente, cruel y tozudo que le da la vida le va a hacer replantearse muchas cosas (y muchas para mal).

El debut de Irvine Welsh es desencantado, triste, brutal, sin concesiones. A pesar de su humor negro (tiene mucho) es una obra cargada de dolor, de desesperación y de frustración vital. Hoy, sigue de actualidad: aunque por suerte la droga sea un problema algo menos enquistado en la sociedad y en la juventud que en décadas pasadas, existe aún y convive con otras adicciones clásicas como el alcoholismo o el juego y con otras modernas como las redes sociales.

Un "pero" le pongo a "Trainspotting": creo que sus historias están muy descompensadas. Hay algunas que aportan y otras que no demasiado, y hay personajes que ídem. Quedan sueltos bastantes flecos, pienso, en su fresco social.

No obstante, en general estamos hablando de una obra clave en la cultura de sus décadas, que sigue de actualidad en montones de pasajes y que sigue teniendo un eco imparable. La película es también un clásico, así como la obra de teatro: ambas terminaron de lanzar a la novela a la fama definitiva y al estatus de obra de culto y de clásico.

T2: TRAINSPOTTING. UNA INEXPLICABLE PELÍCULA NOSTÁLGICA DE SOBREMESA

T2: TRAINSPOTTING de Danny Boyle - 2017 - ("T2: Trainspotting")

Hay películas que no deberían existir. Porque no aportan nada, porque son muy malas, porque son infumables directamente o porque pervierten un legado, un gran legado. Una de ellas, adscrita especialmente al último supuesto, es "T2: Trainspotting". 

Esencialmente porque se carga como he mencionado el legado de su antecesora, una de las grandes películas de la segunda mitad de los años noventa. Repite Danny Boyle, repite un texto basado en una novela de Irvine Welsh (no la he leído: si es como la película dudo que la apruebe tampoco) y repite el reparto del primer "Trainspotting" en casi su totalidad. ¿Qué falla? Pues todo el resto. Y estrepitosamente. 

Los protagonistas originales se reencuentran en su Edimburgo de siempre veinte años después del final del primer filme y tratan de rehacer sus vidas y de recuperar su amistad (amistad en la que nunca tuvieron especial interés pero que ahora de repente es super importante). 

Estos protagonistas no tienen nada que ver con los que conocemos. En especial Renton y Sick Boy, que han pasado de ser dos cabronazos cínicos de mucho cuidado a ser dos viejos amigos tiernecitos y hasta buenas personas. Spud y Begbie son algo más fieles a los del filme de 1996, pero son también mucho más tópicos y tienen los defectos engrandecidos a lo bruto (y hacer al segundo el malo maloso de turno es una torpeza de aupa). Y bueno, Dianne es un mero apunte sin importancia ninguna que sale de pasada porque tenia que salir y punto y el nuevo personaje principal que interpreta Anjela Nedjalkova podrían habérselo ahorrado porque es una mera comparsa. 

Del retrato social de antaño olvídense por otra parte: ahora todo es un viaje a través de los recuerdos donde la crítica social mencionada es otro mero apunte (y malo y cutre, imitación barata del anterior -hasta el diálogo del restaurante, impostado de manera penca, es una vulgar y mediocre copia del inicial y mítico de "Trainspotting"-) y donde el retrato de cómo las drogas sirven de válvula de escape para personas atemorizadas ante una vida mediocre y frustrante no está ya por ninguna parte.

No van a encontrar en "T2: Trainspotting" cinismo, ni ironía, ni locuacidad, ni causticidad, ni mordacidad, ni crueldad, ni ataque frontal a la sociedad moderna deshumanizada de nuestros días ni nada que se le parezca. 

Más bien lo que van a encontrar es un telefilme de reencuentros de tres al cuarto con un desenlace horrendo sacado del peor thriller de sobremesa y con una trama secundaria de corte negro que no viene a cuento y que encima es cien por cien predecible (quien no se sepa su resolución nada más empezarla es que ha visto muy poquito cine). 

Sinceramente, me duelen estas películas. "Trainspotting" es una cinta mítica de mi primera juventud y que marcó a generaciones con su retrato desolador de aquellos años noventa desenfrenados y desquiciados y esto es un engendro pasteloso mediocre en el peor sentido y una traición al estilo de la obra original. 

TRAINSPOTTING. EL RETRATO BRUTAL, CÍNICO Y SIN CONCESIONES DE LA DROGA Y SU VACÍO

TRAINSPOTTING de Danny Boyle – 1996 – (“Trainspotting”)

“Trainspotting”, película muy controvertida en su momento y aún hoy por su bien visible desencanto y nihilismo (fue acusada incluso en su día de de fomentar el consumo de las drogas e incluso de hacer apología de una vida de vacío), está basada en la también controvertida novela homónima de Irvine Welsh.

El filme, más centrado en la droga que la novela, que tratada muchos otros temas, realiza un seguimiento por las vidas de un grupo de jóvenes heroinómanos de la clase media-baja de Edimburgo a los que no les mueve nada salvo la droga y la manera de conseguirla. 

El protagonista es Renton, un genialísimo Ewan McGregor, un joven desencantado al que nada le importa y que intenta escapar de una vida abocada a un futuro monótono y mediocre por medio del vicio mortal al que está enganchado. 

El filme está dividido en dos partes: una primera que muestra las vidas diarias de él y de sus amigos (magníficas interpretaciones secundarias todas, en especial la de un Robert Carlyle que da verdadero miedo), sus relaciones con sus entornos y con los que les rodean, sus colocones, sus pequeños trapicheos, sus búsquedas inmediatas de sustancias que ponerse, sus amores, sus fiestas, sus callejeos, sus brutales broncas.

Quedan todos delineados por medio de, cimentada en un montaje muy ágil y dinámico, una visión increíblemente cínica y cargada de humor negrísimo de sus existencias nihilistas de niños mimados de la sociedad moderna sin horizontes o con horizontes nada satisfactorios a los que no quieren enfrentarse.

Ninguno de los protagonistas de "Trainspotting" quiere acabar como la generación de sus padres: encerrados en casa frente al televisor, con trabajos monótonos y con vidas muertas. Escogen para escapar un camino: las drogas. Válido como cualquier otro (el alcohol, los juegos de azar, las redes sociales). 

En la segunda parte del filme se centra la acción en un" gran trapicheo" (en realidad un golpe de poca monta) que todos preparan para dar “el golpe de sus vidas”. Aún con toques de comedia, esta parte cae en el puro drama, aunque por momentos no da esa impresión. Todo se desmorona: hasta la amistad, que como en la anterior obra de Danny Boyle, "Tumba abierta", queda brutalmente desmitificada. El desenlace es triste como pocos, aún camuflado con la falsa alegría del dinero. 

“Trainspotting” representa a una porción de la juventud de su momento (y a parte de la actual también) con gran precisión y conocimiento. Las drogas pueden ser lo de menos al fin y al cabo. La juventud, con ellas o sin ellas, normalmente no está satisfecha con el futuro que se le ha impuesto, pero a la vez está muy perdida y muy poco le interesa salvo el hedonismo. Esto suele ocurrir en todas las generaciones, y este filme en ese sentido sigue de plena actualidad.

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ESPECIAL BUSTER KEATON, EN TURRA CINEMA

Como ya sabéis, en el canal de Youtube de Turra Cinema hablo de cine: cada dos semanas, comentamos una película, y cada cierto tiempo también hablamos de series y hacemos especiales de artistas.

Estoy compartiendo por aquí poco a poco todos los programas y hoy toca el que le dedicamos al gran Buster Keaton.

Si me queréis ver charlando sobre este actor, humorista y director inimitable, aquí me podéis encontrar: 

TURRA CINEMA: ESPECIAL BUSTER KEATON

Tened un feliz domingo. 😃

EL CASTILLO DE DRAGONWYCK. EL FLOJO Y ERRÁTICO DEBUT DEL GRAN MANKIEWICZ

EL CASTILLO DE DRAGONWYCK de Joseph L. Mankiewicz - 1946 - ("Dragonwyck")

Todos los genios tienen sus comienzos, y no tienen por qué ser necesariamente buenos. El enorme Joseph L. Mankiewicz, antes de entregar sus grandes obras maestras y de regalarnos una de las más grandiosas filmografías de la historia del cine, debutó en 1946 con esta "El castillo de Dragonwyck", que, a pesar de contar con un excelente reparto y una cuidadísima ambientación que alterna lo glamuroso y lo siniestro sin fisuras, se muestra como una película muy irregular en todos los sentidos y lastrada por una gran multitud de asuntos que intenta tratar sin centrarse en ninguno (aparte, es otro vehículo para la exaltación del Sueño Americano maniqueo a más no poder). 

La película narra la historia de una bondadosa joven que abandona su lugar de nacimiento, el campo, para vivir en el castillo que da nombre al filme y casarse con un primo bastante disoluto y finalmente diabólico. 

Por medio de esta trama se articula una intriga algo predecible en la que se mezclan como he señalado un montón de asuntos: la lucha entre la rectitud moral personificada en la religión cristiana y la depravación que trae la frivolidad de la riqueza, la contraposición entre la humildad campesina y la hipocresía de las clases altas, la lucha de clases entre los ricos terratenientes y los agricultores, el asesinato, la drogadicción (metida con calzador y sin saber muy a cuento de qué)... Y, a su vez, hay una mezcla de géneros en el filme completamente heterogénea que no termina tampoco de cuajar porque Mankiewicz no se decanta por ninguno: hay comedia romántica, hay filme romántico a secas, hay cuento gótico, hay thriller, hay historia de fantasmas, hay drama social... Y no hay nada de todo esto a la vez.

"El castillo de Dragonwyck" es errático en todos los aspectos, y por eso termina por decir bien poco más allá de la mencionada moralina norteamericana exaltadora de la religión y las buenas costumbres. 

Los personajes tampoco destacan: o son buenos o son malos sin mucho término medio, y eso que los actores que los interpretan están como siempre geniales: Gene Tierney, Vincent Price o Walter Huston se comen la pantalla, pero no es suficiente para salvar un conjunto que quiere abarcar mucho y que al final abarca poco y no demasiado bien. 

El filme no es un bodrio y se puede ver y hasta puede resultar distraído, pero está lejos de ser bueno y por supuesto a millas de ser uno de los grandes de su creador. Tampoco hay que esperar mucho más: es un debut, y Mankiewicz supo tras él empezar una escalada sin prisa pero sin pausa directa hacia la gloria.

MICKEY 17. BUENAS INTENCIONES PERO TRAMA ERRÁTICA, ALARGADA E HISTRIÓNICA

MICKEY 17 de Bong Joon-ho - 2025 - ("Mickey 17")

Bong Joon-ho es uno de mis directores preferidos y solamente por "Memories of murder", "Madre" y "Parásitos" creo que ha entrado ya, y para siempre, en el podio de la historia del séptimo arte. Ahora bien, también tiene sus patones: para mí en concreto "Snowpiercer" (comentada en esta misma etiqueta en el blog) y esta última obra suya que es "Mickey 17".

A ambas creo que les ocurre lo mismo: son inconsistentes e histriónicas y tienen muy buenas intenciones en sus mensajes políticos y sociales pero se caen ellas solas por la borda ante lo desastroso de sus conjuntos en general.

Me dicen que el libro de Edward Ashton en el que se basa esta película es bueno: no lo he leído todavía. La película en sí me parece un despropósito esencialmente por tres hechos: su trama hace aguas por todas partes, sus personajes son tan histriónicos que acaban siendo tópicos andantes y el filme es errático y encima largo para lo que cuenta.

Punto primero: la trama de "Mickey 17", con todas sus buenas intenciones de criticar al capitalismo y a lo peor del ser humano, está llena de errores y de inconsistencias. 

Punto segundo: los personajes, como he dicho, son tan exageradamente cómicos que terminan siendo puros estereotipos. El humor a Bong Joon-ho a veces no le funciona, especialmente cuando abusa de la mueca y de los caracteres estrambóticos.

Y punto tercero: el filme dura 137 minutos a los que les sobra perfectamente media hora, especialmente al principio, cuando tarda todo muchísimo en asentarse, y al final, cuando todo se alarga innecesariamente dando vueltas sobre lo mismo y estirando el chicle recalcando cosas que ya se han dicho.

Esto hace que la película deje de interesar demasiado pronto y que sea bastante soporífera en su segunda mitad, aparte de dejar los mencionados mensajes críticos como discursos de andar por casa y representados con hechos nada sutiles, de trazo grueso.

En la parte buena tenemos a intérpretes magníficos (Robert Pattinson está genial, y en varios registros) y una visualidad verdaderamente bella. Pero esto no es capaz de salvar un conjunto que se estrella por prácticamente todos sus puntos. No pasa nada tampoco: todo autor mete de vez en cuando resbalones.

ESPACIO PARA SPOILERS: ¿Los alienígenas del filme no son igualitos a los Oms de "Nausicaä del Valle del viento"? Es más, en el final, hasta se repite el secuestro de uno de ellos, que es colgado de un gancho, para encabritar a toda la manada. Quien haya visto la película o leído el cómic de Hayao Miyazaki habrá caído seguramente en esto: el parecido es excesivamente razonable. ¿Homenaje, copia o casualidad?