TRON: ARES. LA MEJOR ENTREGA DE SU SAGA Y UNA PELÍCULA SOBRE LA IA MUY DIGNA

TRON: ARES de Joachim Ronning - 2025 - ("Tron: Ares")

Creo que, sin ser una gran maravilla cinematográfica, "Tron: Ares" es la mejor entrega de su hasta ahora trilogía. ¿Por qué lo creo? Porque, esencialmente, la primera "Tron", aún siendo una película de culto, tiene una trama honestamente mala y aburrida, y la segunda, "Tron: Legacy", es bastante mejor a nivel de guión pero pierde también, ya en 2009, la capacidad de sorpresa visual que tuvo su antecesora (ambas las tenéis comentadas en esta etiqueta).

"Tron: Ares", de Joachim Ronning, propone una nueva ampliación del universo de la saga poniendo en la mesa el tema de la inteligencia artificial, que está en la palestra y que lo va a estar durante bastante tiempo, y presentando a unos personajes con carisma e interesantes.

El mencionado universo de "Tron" es ampliado con coherencia y, lo más importante, con verdadero respeto por las entregas anteriores de la franquicia. Es algo que valoro mucho, que no hagan un "como ha pasado tiempo lo demás de igual". Esas entregas importan, y sus personajes, y lo construido en ellas.

El asunto de la inteligencia artificial, si bien con el poco tiempo que lleva en la mesa está en muchos aspectos ya manidísimo, a pesar de las montones de posibilidades que promete ahora que estamos en la brecha que ha creado su aparición, está tratado de forma también coherente y, aunque simple, interesante. 

Le falta profundizar al guión en esto, eso es cierto de todas formas, y se le podría haber pedido, pero dentro de lo que ofrece no da gato por liebre y en ningún momento trata de ser una "Ghost in the Shell" o una "Matrix".

Finalmente, los personajes importan, caen bien, y están bien desarrollados. Además, el reparto es excelente, desde un Jared Leto más que solvente a una Greta Lee muy divertida pasando por un Evan Peters muy interesante como villano (y representativo una vez más de los nuevos grandes magnates tecnológicos sin escrúpulos), una Jodie Turner-Smith efectiva o una Gillian Anderson y un Jeff Bridges que aportan.

La estética es de nuevo la habitual, ahora en tonos rojos en vez de azules, y aunque el filme empieza con un ritmo renqueante pronto coge carrerilla y sabe desplegar su trama con fluidez e interés apoyándose en unas escenas de acción frenéticas y muy bellas y en homenajes estéticos nostálgicos a la mencionada primera parte.

"Tron: Ares" es una película comercial más que digna, que funciona a todos los niveles y que, si bien podría haber como he dicho profundizado más en lo que trata, también sabe sentar las bases de sus dilemas sin engañar y sin ir de más de lo que va. Como he dicho, me parece la mejor parte de su saga hasta ahora.

CEVDET BEY E HIJOS. EL DEBUT MAGNÍFICO DE PAMUK SOBRE LA TURQUÍA DE SU APERTURA

CEVDET BEY E HIJOS de Ohran Pamuk - 1982 - ("Cevdet Bey ve Ogullari")

"Cevdet Bey e Hijos" es la primera novela del turco Orhan Pamuk, publicada en 1982, y anticipa tanto lo que será su estilo como los que serán sus temas a lo largo de su carrera. Menos conocida que otras obras suyas, me ha parecido un magnífico debut.

"Cevdet Bey e Hijos" retrata la evolución de una familia de Estambul (y de varios amigos de sus miembros que orbitan a su alrededor) a lo largo de gran parte del siglo XX (desde su inicio hasta los años setenta), siglo en el que Turquía cambia a pasos agigantados y muchas veces radicales y entra a la modernidad en su acercamiento a Europa y a occidente en general.

Cevdet Bey es el padre de esta familia, y con él comienza la historia cuando es un joven emprendedor que empieza a abrirse camino en su ciudad (que es la de nacimiento y residencia de Pamuk también) como comerciante. Luego, vendrán sus hijos y sus nietos.

En un estilo realista, lleno de detalles, que te hace verdaderamente estar caminando por la misma Estambul (se nota que el autor la ama -es un personaje más de la novela ya aquí, como lo volvería a ser el el futuro- aunque también critique de forma aguda a sus vecinos), la larga saga de Cevdet Bey va discurriendo por personajes magníficamente construidos en cuya psicología penetramos para conocer sus anhelos, miedos, contradicciones y frustraciones. 

La novela es coral: todos los caracteres tienen el protagonismo justo y necesario y sus vaivenes en su viva trama río (que recuerda mucho a "Los Buddenbrook" de Thomas Mann, a mí por lo menos) están perfectamente equilibrados. 

Los asuntos que el escritor trata estarán, como he dicho, presentes en su obra futura: esencialmente, el primero y sobre el que pivota el resto es el cambio que vive Turquía al abrirse a occidente y cómo una sociedad antigua que viene de un imperio decadente como el Imperio Otomano entra en la contradicción al tratar de abrazar la modernidad.

A partir de aquí, Orhan Pamuk nos habla del conflicto entre esta modernidad y la tradición (ambas con sus luces y sombras), del nacionalismo, de los complejos que arrastran los pueblos que vienen de regímenes autoritarios o que tienen poca experiencia democrática, de la occidentalización, de la guerra, del amor, de la amistad, de la muerte, de la vida hipócrita de las clases medias y medias-altas, del conflicto entre lo individual y lo colectivo, de la frustración de los jóvenes, de los intelectuales y de los artistas o de la prosperidad y a la vez clasismo y deshumanización que trae el dedicarse al mundo empresarial.

"Cevdet Bey e Hijos" es una novela larga de un autor que habitualmente escribe novelas largas: se acerca en la edición que yo tengo a las ochocientas páginas. No obstante, creo que mantiene siempre el buen ritmo y el interés y que los baches en este sentido que presenta son pocos.

Orhan Pamuk debutaba a principios de los años ochenta con esta destacada saga familiar que está basada además en gran parte en experiencias de su propia familia, valga la redundancia. Muy recomendable el comienzo de esta carrera que sería premiada con el Premio Nobel de Literatura de 2006.

LAS GUERRERAS K-POP. UN MUSICAL DE ACCIÓN ESTUPENDO QUE MERECE SU GRAN ÉXITO

LAS GUERRERAS K-POP de Maggie Kang y Chris Appelhans - 2025 - ("K-Pop Demon Hunters")

Dicen, y hay señales de ello, que la siguiente hegemonía en música mundial va a corresponder al K-pop, la, en rasgos generales, música popular de Corea del Sur, país que culturalmente lleva años pegando muy fuerte (famosa es también la explosión de su cómic, su mangwa). Ya hemos visto a músicos que no son de este país haciendo colaboraciones con artistas surcoreanos y también se afirma que este estilo acabará destronando al reguetón, al trap y a sus derivados de la cima de la moda.

El exitazo rotundo y brutal de "Las guerreras K-pop" nos puede ir dando ya una pista de que esto puede acabar pasando (al fin y al cabo todo es pendular, las mencionadas músicas latinas están ya muy agotadas y lo asiático está de moda desde hace décadas).

"Las guerreras K-pop", dirigida por Maggie Kang y Chris Appelhans, es una película de animación magnífica, divertidísima, con mensajes positivos sobre la aceptación y la superación del pasado y, a su vez, con una trama en la que los personajes tienen sus ángulos y sus lados oscuros y que presenta sorpresas que no se van por la vía fácil de lo que podría ser una superproducción comercial "para niños".

El filme, sencillo y directo, pero con elementos oscuros y con esos personajes mencionados con sus dobleces, combina el musical con la acción y consigue captar la atención desde el primer momento con una animación fantástica (las escenas de baile y las de combate son estupendas y preciosas), con tres protagonistas con mucho carisma y con una banda sonora que se te queda desde el primer momento. Todo ello enmarcado en un canto de amor a la cultura coreana en general y a sus mitos orquestado por Maggie Kang.

La banda sonora es de Marcelo Zarvoz y las letras de las canciones son de Danny Chung, Ejae, Ido, Jenna Andrews, Kush, Lindgren, Mark Sonnenblick, Stephen Kirk y Vince, y fueron producidas por Lindgren, Ian Eisendrath, 24, Ido, Teddy Park, Dominsuk, Andrews y Kirk.

Temas como "Takedown" y "Golden", auténticos hits que han roto las listas, son ya clásicos instantáneos para toda una generación, la que ha visto la película en la infancia o en la adolescencia, y hasta para generaciones de más allá.

"Las guerreras K-pop" merece su éxito demoledor: es una de esas obras que son un paradigma de un cambio de época musical y hasta cultural y además sabe ser lo suficientemente divertida, carismática y seria para captar a públicos de todas las edades. 

EL CANGREJO DE LAS PINZAS DE ORO. LLEGA EL MÍTICO CAPITÁN HADDOCK A LA VIDA DE TINTÍN

EL CANGREJO DE LAS PINZAS DE ORO de Hergé - De 1940 a 1941 - ("Le Crabe aux Pinces d'Or")

"El Cangrejo de las Pinzas de Oro" es la primera aventura de Tintín que se publica fuera del suplemento Le Petit Vingtième, que fue cerrado por los nazis tras la ocupación de Bélgica, lo cual dejó inconclusa durante los siguientes ocho años "Tintín en el País del Oro Negro", que era cronológicamente en un principio la historia que sería a "El Cetro de Ottokar" (ya hablaremos de ella cuando toque, porque sí que fue publicada, pero con cambios y más adelante, como he señalado).

Serializada ahora en el diario Le Soir (que había sido ocupado también y puesto al servicio de los referidos nazis), "El Cangrejo de las Pinzas de Oro" viene con una novedad radical y definitiva: Tintín conoce aquí al que será a partir de ahora su inseparable compañero de aventuras; el Capitán Haddock. 

Marinero barbudo, borracho empedernido, aventurero como Tintín, aparece como un personaje manipulado por el villano Allan Thompson (que vuelve desde "Los cigarros del faraón") y que es presa absoluta de su alcoholismo. Algo irritante en un principio, algo patético también, se revelaría como un hombre con un corazón de oro y fieramente amigo de sus amigos y como un personaje inolvidable y básico del cómic belga y mundial.

Aunque es un álbum maravilloso y clave de su saga, "El Cangrejo de las Pinzas de Oro" abandona la sátira política (aunque volvería a la serie más tarde) y se centra más en la pura y simple aventura. Esto le sería afeado a Hergé, que llegó a recibir cartas siendo acusado de colaboracionista. Fue un nuevo éxito comercial de todas formas a pesar de este contexto.

De nuevo con el tráfico de opio como motivo central, este álbum tiene cierta relación, tal y como han señalado críticos, con el estilo de aventura alocada de la mencionada "Los cigarros del faraón". Incluso tienen ambos una estructura similar: de un barco en alta mar se pasa a un país de tradición árabe (ahora Marruecos) y se acaba en una infiltración en una guarida subterránea (mientras que los puros se cambian por cangrejos). Hoy en día se le habría llamado tal vez un "remake encubierto".

"El Cangrejo de las Pinzas de Oro" es frenética como "La isla negra": no te deja descansar. Peripecias, peripecias, peripecias y peripecias. Se esto en gran parte debió al nuevo formato de Le Soir, de tira diaria, que tuvo que adaptar Hergé aquí. Algunos críticos le han notado por ello un final apresurado a este cómic, pero yo lo veo cuadrado en su justa medida.

Con este álbum, el primero en ser publicado en los Estados Unidos de Tintín y el primero en ser adaptado a la pantalla en stop-motion en 1947 para la productora Films Claude Misonne, empieza una nueva etapa en las aventuras del personaje: el Capitán Haddock ya sería un personaje más para siempre.

EL PADRE. UN DEBUT FASCINANTE QUE NOS FUSIONA CON SU PROTAGONISTA

EL PADRE de Florian Zeller - 2020 - ("The Father")

Absolutamente anonadado me ha dejado "El padre", la ópera prima del francés Florian Zeller. Absolutamente destrozado también: es una obra maestra espectacular, pero también es una película extremadamente dolorosa que es mejor ver en un muy buen día.

Creo que estamos ante otra de esas cintas de las que es mejor no saber demasiado salvo, tal vez, su tema principal. Lo voy a decir en este caso, pero escuetamente: es la pérdida de memoria en la vejez.

Un Anthony Hopkins soberbio, inolvidable, es un padre con cuya hija, una también fantástica Olivia Colman, no sabe qué hacer, ya que necesita por su avanzada edad y por esta pérdida de memoria alguien profesional que le cuide en su casa y él no hace más que rechazar a todas las cuidadoras, valga la redundancia, que ésta le encuentra. A partir de aquí Zeller nos va a desplegar un drama que nos va a llevar por los entresijos de alguien cuyo mundo y cuya realidad se desvanecen poco a poco y de forma irremisible.

Hay algo, un recurso único, que caracteriza a esta película: su narrativa y cómo se va acoplando a ella el escenario. El director, sin transiciones, utiliza ambas cosas para sumergirnos en la mente del padre protagonista y para conseguir que nuestra empatía e identificación con él se dispare a unos niveles increíbles, de pura fusión. 

Su arte a la hora de contar la historia e integrarla con este escenario es supremo, prodigioso. Jamás, jamás después de ver esta película, vas a ver de la misma manera a alguien que tenga los problemas de su mencionado protagonista.

Acompaña una fotografía exquisita que refleja los estados de ánimo de los personajes, unos secundarios muy bien construidos e interpretados (y por repartazo, además: Olivia Williams, Rufus Sewell, Mark Gattis o Imogen Potts) y unos diálogos realistas y redondos que sirven para tocar todos los temas que pueden pivotar alrededor de los recuerdos: las relaciones familiares, el amor, la vida y la muerte, el peso del pasado, el paso del tiempo, la enfermedad, la pérdida de seres queridos.

"El padre" es un debut fascinante, durísimo, devorador, pero también muy necesario para ponernos en el lugar de uno de los grupos sociales más abandonados de nuestras sociedades (especialmente de las desarrolladas, irónicamente): los ancianos. Imprescindible.

SHOTGUN STORIES. EL MUY LOABLE PRIMER FILME DE JEFF NICHOLS

SHOTGUN STORIES de Jeff Nichols - 2007 - ("Shotgun Stories")

El debut de Jeff Nichols, "Shotgun Stories", ya muestra las constantes de lo que serían sus siguientes películas, sean del género que sean (Nichols se ha especializado sobre todo hasta ahora en el drama de corte social pero también ha incursionado en la fantasía y en la ciencia ficción). 

Aún con sus altibajos, su primer filme es loable. Narra la historia de dos familias enfrentadas por odios insalvables en un pueblo de la Norteamérica profunda. 

Tenemos un lugar esencialmente rural (todas sus películas se desarrollan en pueblos cercanos a la naturaleza), unos personajes perdidos o víctimas de sus propios demonios o de una sociedad que no les comprende, una violencia que flota en el ambiente constantemente y que amenaza con estallar en cualquier momento y un retrato social desesperado y pesimista sobre la fatalidad, la pobreza endémica y la falta de oportunidades aunque abierto a un futuro mejor de una sociedad de los USA llena de odio, frustración y violencia.

Tenemos, además, como protagonista al actor fetiche del director, presente en todos su filmes: Michael Shannon, que entrega ya desde aquí un papel fantástico que repetiría en calidad en sus siguientes colaboraciones. 

La importancia del paisaje como proyector de emociones de los protagonistas está ya bien presente también. 

"Shotgun Stories" no es perfecta, y tiene fallos. Esencialmente, sus personajes están poco desarrollados (se centra la atención sobre todo en una de las familias enfrentadas y se descuida bastante a la otra) y su trama da la sensación de desinflarse en sus expectativas. 

Sin embargo, Jeff Nichols sabe mantener la tensión y el interés en todo momento, sabe poner los pelos de punta con algunas escenas y especialmente sabe sorprender al espectador con un final inesperado y bastante atípico que esquiva con mucha limpieza el tópico que uno inicialmente se espera. Buen comienzo de una filmografía más que interesante.

LA BALLENA. OTRO DRAMA DE ADICCIÓN Y REDENCIÓN GENIAL DE ARONOFSKY

LA BALLENA de Darren Aronofsky - 2022 - ("The Whale")

Creo que Darren Aronofsky funciona mucho mejor en su vertiente realista que en su vertiente fantástica o simbólica. En conjunto, la "serie" conformada por "Réquiem por un sueño", "El luchador", "Cisne negro" y "La ballena" me parece más redonda que la conformada por "Pi", "La fuente de la vida" y "Madre!" ("Noé" la pongo un poco aparte: creo que comparte características de ambas -y me parece una buena película-).

La primera "serie" es de todas formas, lo reconozco, más accesible, más "comercial" incluso (sin ser en absoluto Aronofsky un autor comercial, se me entiende). De la misma manera, hay que reconocer que el director se repite, aunque sea capaz de darle una vuelta siempre al tema de esta vertiente, que más allá de su concepción realista es el de la decadencia y caída (y a veces redención) de uno o de varios seres humanos.

Su retrato del horror de la droga coincide en muchos aspectos con su retrato de la caída en desgracia de un luchador famoso, con el de una bailarina extenuada por la locura de su estresante vida artística y con lo que se trata en "La ballena".

Ahora tenemos, representado en un Brendan Fraser absolutamente espectacular e inolvidable, que duele de verdad en su papel, el drama de la adicción a la comida, que ha acabado llevando a su protagonista a una obesidad extrema que le ha destrozado la vida y que está a punto de matarle. 

Aronofsky, en un escenario único, muy teatral en parte, sabe desarrollar un relato durísimo donde todos los personajes, empezando por el principal, están llenos de claroscuros y de aristas. No hay maniqueísmo por ninguna parte, y si bien hay empatía en el análisis de por qué alguien cae en la mencionada adicción a la comida (extrapolable a cualquier adicción), también hay una crítica clara a los errores que los humanos cometemos y a nuestros egoísmos.

De la misma manera, está igualmente señalado un camino muy claro hacia la redención, que una vez más en el creador del filme alcanza la batalla interna épica y, a la vez, fieramente humana. Hay además otros temas planeando de forma secundaria pero que son básicos en la historia, como las relaciones entre padres e hijas, el abandono y su trauma, la infidelidad o el horrible sistema sanitario de los USA, que te condena prácticamente a muerte si no puedes pagar un tratamiento.

"La ballena" es otro filme de caída y redención portentoso de Darren Aronofsky, que se apoya de forma decisiva en un Brendan Fraser que nos regaló uno de los grandes papelones de su vida y que volvía aquí por todo lo alto tras una etapa muy desaparecido. Magnífica obra.

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¡Feliz miércoles! 😊

AQUÍ OS DEJO MI CRÓNICA DE LA POLÉMICA Y APASIONANTE COMICCON DE MÁLAGA

MI CRÓNICA DE LA COMICCON DE MÁLAGA

He estado sin actualizar bastantes días porque he estado cubriendo la ComicCon de Málaga, mi ciudad. Ha sido un evento polémico pero también un gran éxito, con fallos propios de una primera edición pero igualmente con momentos históricos.

Si queréis escuchar mi crónica de todo esto para Canal Málaga Radio, AQUÍ OS LA DEJO.

Tened un buen martes. 😊

MILLONES. EL BONITO ENSAYO DE FÁBULA MORAL DE LA FUTURA SLUMDOG MILLIONAIRE

MILLONES de Danny Boyle - 2004 - ("Millions")

Danny Boyle siguió probando suerte en géneros siempre diferentes tras el éxito de su película de zombies "28 días después" con "Millones", una fábula moral que anticiparía de alguna forma la fórmula de su ultraexitosa (y para mi mala) "Slumdog Millionaire". 

Es bastante difícil, siempre lo he dicho, dirigir una película "con niño" o "con niños" y llegar a buen puerto. El entonces pequeño Alex Etel hace un papel genial en este caso; no sobreactúa, no carga, no resulta ñoño. Boyle sabe dirigirle perfectamente. 

La película presenta una historia que puede resultar ciertamente predecible, pero que está llevada con una enorme limpieza y lucidez y que no intenta en ningún momento dar gato por liebre. "Millones" es como he dicho una fábula moral: su mensaje es sencillo, simple, pero claro como el de las fábulas morales; el dinero no da la felicidad, los dramas se superan siguiendo adelante y la bondad puede terminar venciendo a la maldad. 

La película trata asuntos como las relaciones familiares y especialmente entre padres y hermanos, el paso brusco a la madurez tras un trauma, el primer contacto con  la muerte de un ser querido o la contraposición entre el mundo de la ambición desmedida y la avaricia enfermiza y el de la búsqueda de una existencia tranquila y solidaria. 

Funciona la cinta perfectamente como el cuento moderno que es, y cuenta además con gags de humor fino y entrañable, inteligente y nada efectista, y con diálogos con cierta mordacidad incluso.

Se le ha atacado a "Millones" por el hecho de ser una película de "propaganda" de la moral cristiana (se puede observar en el protagonista, desde luego, y en el papel básico que tiene en su historia el mundo del santoral). Creo que efectivamente lo es, pero es bien cierto también, pienso, que tampoco realiza el filme ninguna apología "bruta" de esta religión y que se remite más bien a las nociones de una "ética básica" y una celebración de la "vida simple", que a veces es suficiente para hacer feliz a las personas. 

Una opción interesante y novedosa en la filmografía del Danny Boyle post-"Trainspotting", que después seguiría abriéndose sin parar a nuevos géneros.