LA MOMIA 2017. EL BODRIO TEMPRANO QUE ESTRELLÓ AL DARK UNIVERSE RECIÉN NACIDO

LA MOMIA de Alex Kurtzman - 2017 - ("The Mummy")

El Dark Universe duró, y nunca mejor dicho, dos telediarios, porque fue cancelado tras este horror llamado "La Momia" de 2017. Supuestamente tuvo su inicio en 2014 con aquella también barrabasada llamada "Drácula. La leyenda jamás contada" que comenté ayer, pero como cosechó (y con razón) unas críticas desastrosas, fue eliminada de un plumazo de dicho universo, que intentó reiniciarse ya casi desde su nacimiento con esta película que hoy comentamos.

Así se la gastan ya hoy en Hollywood: reinicios fallidos, re-reinicios, franquicias fallidas con entregas intercambiables, tres "Spiderman" diferentes en diez años (aunque esto lo solucionaron en parte en "Spiderman: No way home"), un universo cancelado de villanos de Spiderman sin Spiderman... Esto es lo que hay.

w"La Momia" fue una de las peores infamias de su década. Peor que la de Drácula anterior mentada, que ya es decir. Fue perpetrada por un habitual de diversas series, Alex Kurtzman, que debutaba entonces en el largo.

Se quería aquí arreglar el inicio del universo cinematográfico de los monstruos de marras y lo empantanaron todavía más con este pedazo de basura con todas las letras que además se vendió, a su vez, como un reinicio de aquella trilogía de "La Momia" protagonizada por Brendan Fraser que tanto nos divirtió (la primera solamente, en realidad, las otras dos apestaban) a finales de los noventa y en la década siguiente (y que parece que va a volver en una cuarta entrega, por cierto).

"La Momia" del Dark Universe es un despropósito como una pirámide. Como varias pirámides. Tiene un guión vomitivo, pueril, que es una completa felonía. Lagunas por todas partes, giros idiotas, ridiculeces, diálogos demenciales, incongruencias a tutiplén: un poema. 

Tom Cruise, en el que es uno de sus peores papeles en décadas (no tiene ni ganas de actuar y lo transmite todo el rato, es verdaderamente indignante: está frito por terminar y largarse a su casa), queda maldito por una momia y conserva su cuerpo original mientras la mala de turno está podrida y llena de vendas. Russell Crowe (que tampoco tiene ganas de actuar, aunque lo disimula mejor) es el Doctor Jekyll, que dirige una organización que cuenta con tecnología suficiente como para encarcelar a un dios pero que luego usa una incómoda jeringuilla "steampunk" para inyectarse el antídoto que le librará de transformarse en Mr. Hyde, lo cual le crea problemas continuamente porque no aprende a usar un método más sencillo y moderno, a pesar de que llevará años inyectándose (hay que ser gilipollas, en serio). 

Después tenemos escenas de acción lamentables con unos zombies que parecen los Masilla de los "Power Rangers", unos cruzados esqueléticos que nadie sabe qué hacen ahí y que dan por saco a los protagonistas, un humor diarreico, unos secundarios vergonzosos y sin puñetera la gracia y unos diálogos sencillamente asquerosos (eso de "maté a un bebé en el Antiguo Egipto, pero eran otros tiempos" es para reír o llorar). 

Todo es terrible en esta bazofia que fue un fulminante fracaso tanto de crítica como de público en su año. Y aquí se acabó este Dark Universe que podemos decir que prácticamente nació cancelado. No tendríamos jamás a los monstruos clásicos de la Universal en un grupo a lo Vengadores o X-Men. Y de esta forma, ni ganas. ¿Se reiniciará el proyecto algún día? Bien hecho podría ser interesante.

DRÁCULA: LA LEYENDA JAMÁS CONTADA. UNA PRECUELA DE DRÁCULA TERRIBLE

DRÁCULA: LA LEYENDA JAMÁS CONTADA de Gary Shore - 2014 - ("Dracula Untold")

"Drácula. La leyenda jamás contada" fue la primera entrega de la saga fílmica del Dark Universe, un universo al más puro estilo de los mundos cinematográficos de superhéroes de las compañías Marvel y DC en el que los monstruos clásicos de la Universal iban a protagonizar diversas aventuras y afrontar "crossovers" en los que se verían las caras.

Fue un universo frustrado prácticamente nada más nacer, porque después de este filme y del siguiente, "La Momia" de 2017, fue cancelado por la pésima recepción de ambas (de hecho, su Drácula que hoy comentamos incluso fue cancelado antes de la cancelación del conjunto para que la mencionada Momia fuese la primera película "real" de este mundo compartido... Un desastre todo desde los primeros pasos).

"Drácula. La leyenda jamás contada" es un bodrio como lo fue "La Momia". Es una suerte de precuela del personaje que narra cómo se transformó en vampiro y cómo llegó vivo a nuestros tiempos. Planteamiento hasta cierto punto novedoso. Planteamiento hasta cierto punto interesante. Planteamiento... Porque el otro 99 por ciento de la película es para echarle de comer aparte. 

La trama es un despropósito lleno de escenas absurdas que hacen aguas por todas partes y con unos personajes planos y sin ningún interés. Ni siquiera el Drácula al que da vida Luke Evans dice algo interesante: el que tendría que ser un personaje poderoso, con garra, con carisma, es un tipo bastante pánfilo y que no hace honor a lo que supuestamente es realmente.

Los secundarios son también terribles: todos planos igualmente, todos sin carisma. El villano, al que da vida Dominic Cooper, es soso, soso, soso. Y los diálogos no tienen ninguna chica, y el ambiente es una copia del (también terrible) ambiente de la (también terrible) saga de "Underworld": tanto gris y azul artificial y chillón llega a ser cansino. 

Y, como he dicho, la trama tiene lagunas de bulto y por todas partes. Ejemplos, a montones: hay un personaje interpretado por Charles Dance que no sabemos quién es ni qué hace por ahí, el pueblo de Drácula es masacrado pero aparece repuesto al final del filme, a Drácula lo quieren quemar los suyos sin ser conscientes de que sin él los turcos los destrozarán, Drácula tarda en caer en el lado oscuro toda la película y los demás vampiros se vuelven "malos" a los cinco minutos de ser transformados... 

En fin, los despropósitos son tantos, el "mal hacer" es tan evidente, que esta versión del chupasangre más famoso del mundo deja de merecer la pena pronto y es olvidada aún más pronto. Así, ningún universo nuevo podía empezar bien.

INSIDIOUS: FUERA DEL MÁS ALLÁ. NUEVA ENTREGA MALA DE UNA SAGA MANOSEADA

INSIDIOUS: FUERA DEL MÁS ALLÁ de Jacob Chase - 2026 - ("Insidious: Out of the Further")

La saga de "Insidious" está agotadísima y su nueva entrega, "Insidious: Fuera del más allá", lo demuestra ya plenamente y con creces: no hay vuelta atrás en la decadencia a la que ya está abocada, puesto que además parece haber entrado en la lista de las franquicias de terror interminables que van a ir sumando secuelas cutres hasta el infinito y más allá.

James Wan sigue sin volver tras las cámaras y ahora dirige Jacob Chase (me dicen que su filme "Ven a jugar" está bien: no lo he visto) y por fin continuamos la línea argumental que se quedó en "Insidious II" y nos dejamos de precuelas y de casos aparte de Elise. Pero esto, por desgracia, no sirve para nada y la decepción es tremenda.

Apenas hay una escena de terror decente en "Insidious: Fuera del más allá", y es la que se ve en el tráiler y que es, ciertamente, bastante agobiante y muy hábil en su uso del espacio cerrado. Fin. El resto es puro tópico, susto hecho a base de estruendo, seres asquerosos que dan grima y dan igual y un villano nuevo que se esperaba muy carismático y que resulta decepcionante porque es lo mismo de siempre con alguna variante.

La entrega tiene una trama tonta y predecible, unos personajes nuevos totalmente olvidables, una Lin Shaye a la que se ve ya tan acomodada como aburrida en su papel de Elise, una inexplicable ausencia de otros personajes clásicos que deberían estar y no están y una funcionalidad desganada general que resulta a estas alturas insoportable. 

Toda la parte final, por cierto, es soporífera: carreras por sitios oscuros, combates por sitios oscuros, carreras por sitios oscuros, combates por sitios oscuros, carreras por sitios oscuros, combates por sitios oscuros, y así por lo menos media hora. Infumable.

Lo de siempre, y mucho peor, en general, es lo que nos encontramos en "Insidious: Fuera del más allá". Terror de verano que habrás olvidado en otoño para sacar los cuartos pasando la gorra (yo mismo como completista de sagas he ido a verla al cine). Fatal todo: para cerrar la franquicia de una vez por todas.

EL FINAL DE OAK STREET. UNA OBRA DE TERROR MAGNÍFICA A PESAR DE SU IRREGULAR FINAL

EL FINAL DE OAK STREET de David Robert Mitchell - 2026 - ("The end of Oak Street")

Con David Robert Mitchell suele pasar ya que sus películas, que suelen revertir sus géneros o por lo menos darles vueltas de tuerca interesantes, sean o amadas u odiadas sin demasiado término medio. Pasó con "It follows", pasó con "Lo que esconde Silver Lake" y ha pasado ahora con "El final de Oak Street".

Yo adoro "It follows", no me convence nada de nada "Lo que esconde Silver Lake" y me ha encantado, a pesar de las reservas que me deja su insatisfactorio desenlace, "El final de Oak Street".

Este filme es una habilidosa mezcla de ciencia ficción loca con costumbrismo estadounidense que se ve roto de golpe por el terror. En concreto, por dinosaurios. Huele a años ochenta y noventa, y no lo esconde: podría ser perfectamente, salvo por algunos elementos de su final, una obra del Spielberg terrorífico, de Joe Dante o del primer Robert Zemeckis.

Una espectacular Anne Hathaway y un genial Ewan McGregor son un matrimonio que debe luchar por la supervivencia de repente en su barrio. Esta lucha es brutal, atroz, y mezcla la acción pura y el terror puro. Los dinosaurios de este filme dan miedo de verdad. El ambiente nuevo que viene con ellos, también. Y la idea que lo arbitra todo es desasosegante.

"El final de Oak Street" no esconde sus cartas: quiere hacer homenaje al muy amplio género de los dinosaurios mientras a la vez elabora un drama familiar como he dicho puramente ochentero y noventero. Y le sale bien casi todo a David Robert Mitchell: lo he pasado mal con este filme nuevo suyo. Me ha agobiado, me ha aterrorizado. Y sus efectos especiales, chapeau. Hasta las bestias hervíboras dan mal rollo. 

Por contra, como he mencionado antes, el desenlace no me ha convencido (y esto es algo que trataré en el espacio de los spoilers). Creo que no termina de explotar todo lo que tenía para explotar (en especial, los personajes que no son de la familia) y que es muy precipitado y, por ello, se sale por la tangente improvisando. No obstante este final, la película me ha parecido una propuesta fantástica que me ha tenido pegado al asiento. Lástima que el director de "It follows" aquí no sepa, desde mi punto de vista, cerrarla bien.

-ESPACIO PARA SPOILERS: El final del filme tiene flecos por todas partes. Sí, es tremendamente inquietante, porque el personaje de Hathaway abandona, por puro egoísmo desesperado, a un doble de ella misma y a otros de sus dos hijos en la prehistoria. Hay gente que dice que es un fallo de guión y hay gente que dice que es puro cinismo de este guión, puro mal rollo humano. Si es lo segundo, no está bien desarrollado, ya que tras la pesadilla vuelve la familia a la vida cotidiana pero es extremadamente fácil que todo el mundo sepa lo ocurrido al poco tiempo. 

¿Cómo puede el matrimonio vivir con esto?¿Cómo puede la madre y también los hijos vivir con esto? ¿Y el marido le perdona a la esposa que haya sacrificado a su familia REAL? ¿Y los vecinos no preguntan? ¿Y el gobierno? ¿Y la niña vecina que escapa con ellos que para colmo acaba conviviendo con su doble? ¿Y todo esto sigue adelante con normalidad además acabando la madre como una escritora famosa por relatar precisamente el acontecimiento del filme? Y de añadidura... ¿El gobierno mata a los dinosaurios en vez de quedárselos? ¿Y no vuelve a haber agujeros? Está todo francamente muy, muy, muy mal cerrado. Una pena este patinazo tan grande justo al terminar.

LA CONSTELACIÓN DEL PERRO. UN SCOTT POSTAPOCALÍPTICO CORRECTO Y NADA MÁS

LA CONSTELACIÓN DEL PERRO de Ridley Scott - 2026 - ("The Dog Stars")

Mejorar un bodrio infecto como "Gladiator II" en una filmografía no era difícil, pero, para las cosas geniales y de vez en cuando magistrales que es capaz de hacer Ridley Scott, "La constelación del perro", su última película, es una obra bastante descafeinada.

El filme trata de hacer una relectura del género postapocalíptico y de sus lugares comunes desde un punto de vista intimista y emocional. Vamos a tener esos mencionados lugares comunes (una pandemia, comunidades aisladas de supervivientes, pequeños ejércitos de pandilleros hostiles, una llamada a la colaboración para recuperar la humanidad perdida) pero dentro de una trama muy centrada en los personajes y en su desarrollo.

Hasta aquí, todo perfecto. El problema es que solamente se ofrece esto. Y ojo, es correcta la cinta en todo lo demás, pero simplemente correcta, por lo cual posiblemente se te olvide bastante pronto una vez haya pasado poco tiempo desde que la viste.

El plantel actoral está fantástico (Jacob Elordi, Josh Brolin, Margaret Qualley, Guy Pearce, Benedict Wong...) y hay momentos verdaderamente bellos entre los personajes que interpretan que retratan asuntos universales como la amistad, el amor, las relaciones familiares o la solidaridad.

Por desgracia, como he dicho, el resto es bastante tópico. No ofrece lo nuevo de Ridley Scott nada que no hayamos visto antes y, lo peor, que no nos sepamos de memoria. En algunos aspectos es hasta bastante predecible. Tampoco hay elementos que diferencien a este postapocalipsis: ni una estética especial, ni unas características especiales, ni unas condiciones especiales para los supervivientes, ni unos seres especiales que sean una amenaza, ni una lectura política o social que diga algo. 

"La constelación del perro" es correcta y digna, pero no ofrece nada que no hayamos visto ya cientos de veces en su género. No puedo decir que sea mala porque no lo es, pero tampoco puedo decir que vaya más allá de lo simplemente solvente. Hay momentos en los que parece, por desgracia, un telefilm postapocalíptico de sobremesa de domingo.

I EXPOSICIÓN DE MIS TIRAS CÓMICAS, COACHING PARA ESCLAVOS, EN MÁLAGA

SI VIVÍS O ESTÁIS EN MÁLAGA, PODÉIS VISITAR MI EXPOSICIÓN

Queda inaugurada la I Exposición de mis tiras cómicas, "Coaching para esclavos", en La Polivalente de Málaga. Estará todo septiembre y todo octubre en este espacio cultural. 

Si vivís en Málaga o estáis por aquí estos dos meses, podéis pasar a visitarla. En Calle Lagunillas 53, Distrito Centro 29012. 😊

LA COLINA DE LAS AMAPOLAS. GORO MIYAZAKI REMONTA EN UNA JOYA INTIMISTA

LA COLINA DE LAS AMAPOLAS de Goro Miyazaki - 2011 - ("Korukiko-zaka kara")

Goro Miyazaki, el hijo de Hayao Miyazaki, tuvo un debut bastante irregular con "Cuentos de Terramar" en 2006 y, hasta cuatro años después no se volvió a colocar de nuevo en la dirección. En 2011 entregó una película ya mucho mejor: "La colina de las amapolas", basada en el manga homónimo de Chizuru Takahashi. 

El tono cambia completamente: de la fantasía heroica de su primera cinta Goro pasa al intimismo realista y cotidiano. "La colina de las amapolas" es una historia minimalista, muy pausada, en la que las acciones aparentemente nimias cargan de significado a toda la trama y el espectador ha de estar atento a todas ellas para construir el puzzle final.

Ambientada en 1963, narra la historia de dos adolescentes que van al instituto y que se enamoran, aunque las historias pasadas de sus dos familias les ponen ante una inesperada y complicada tesitura. El fondo es una protesta estudiantil contra el derribo de un viejo edificio paralelo al instituto en el que se ubican todos los clubs de estudiantes del centro (en Japón es algo muy típico el que los alumnos se reúnan en clubs diversos y desarrollen en ellos actividades que les interesan y la vida social correspondiente). 

El filme retrata el principio de una época de rebeldía juvenil que, a pesar de lo hermético y de lo férreo con el control familiar de las obligaciones que sigue siendo incluso hoy en día Japón, marca un punto de cambio entre dos mundos: el de las posguerras y el de la apertura final y el carpetazo a dichas posguerras (no sólo se le dio este carpetazo en Japón: ocurrió también en los Estados Unidos y en buena parte de Europa). 

En este ambiente, los jóvenes protagonistas tratarán de salir adelante, de cerrar las heridas de un tiempo terrible y de buscar la felicidad ante un nuevo amanecer. La película es claramente revisionista y opta por dejar atrás de una vez los traumas históricos de Japón. 

Goro Miyazaki narra con una sencillez tremenda y con unos diálogos justos una trama que se bebe a sorbitos, pero que se enriquece sin cesar hasta confirmar un fresco final cargado de sentido y de emociones contenidas. Su mensaje vital es optimista y feliz.

"La colina de las amapolas" tiene además escenas del todo geniales. Las de la limpieza del "Barrio Latino" (la casa sede de clubs que quieren derribar) son fantásticas y divertidísimas, y el encuentro de los protagonistas en el barco es una maravilla que consigue conmover sin efectismos dramáticos baratos. 

Goro Miyazaki aprende claramente de los errores de su anterior filme (y es que también es cierto que era su debut; se le exigió tal vez demasiado) y construye una película sentida, delicada, bien cerrada, con amor, humor, retrato social, drama y ternura (y todo ello perfectamente equilibrado, y sin fisuras). 

Sobra decir, por supuesto, que la animación del filme es una maravilla. No sólo la animación: los decorados son una virguería del realismo, del color, del detalle, de los juegos con la luz. En fin, en conjunto el segundo filme del hijo Miyazaki es otra joyita del Estudio Ghibli. Muy recomendable.

MANOS QUE EMPUJAN. EL DESTACADO DEBUT DE ANG LEE SOBRE ORIENTE Y OCCIDENTE

MANOS QUE EMPUJAN de Ang Lee - 1992 - ("Pushing Hands")

"Manos que empujan", primera película de las tres que Ang Lee realizó sobre el encuentro entre oriente y occidente, marca la línea que seguirían las otras dos del tríptico, "El banquete de bodas" y "Comer, beber, amar". 

Narra una historia de relaciones personales y especialmente de relaciones dentro de la familia en la que los malentendidos están a la orden del día debido al cambio generacional brutal que se opera en el seno de dicha familia, cambio generacional acentuado por el hecho de que algunos de sus miembros emigran a los Estados Unidos y viven a caballo entre dos mundos, su mundo natal oriental y el nuevo mundo occidental. 

En un estilo sencillo y directo realista Ang Lee cuenta aquí la historia de un maestro de Tai Chi jubilado que abandona Taiwan a una edad avanzada para vivir con su hijo en los Estados Unidos. El anciano no se logra acomodar a su nueva vida, y tampoco lo hace a sus hábitos su nuera. Chocan los dos mundos mencionados, oriente y occidente, y también la tradición y la supuesta modernidad, y dos modos de vida contrapuestos estallan creando terribles consecuencias. 

Sin embargo, Ang Lee despliega un mensaje esperanzador de unión y fraternidad, de entendimiento entre culturas, y las cosas cambian poco a poco para la familia del viejo maestro y para él mismo, que a su edad es capaz de emprender una nueva aventura vital (el filme también critica el papel al que son relegados los ancianos que, tras toda una vida de trabajo para cuidar a sus hijos, son vistos como trastos rotos). "Manos que empujan" es la primera joya de este gran director taiwanés-estadounidense.

FERRARI. UN BIOPIC DESCAFEINADO Y SIN ALMA DE UN MICHAEL MANN POCO INSPIRADO

FERRARI de Michael Mann - 2023 - ("Ferrari")

Adoro a Michael Mann y aquí tenéis comentada toda su filmografía, pero también hay películas de él que me parecen verdaderamente flojas, en especial en medio de una carrera tan genial, y una de ellas es esta "Ferrari", la última que ha dirigido (y en espera estamos con ansia de la próxima "Heat II").

Siempre, con los biopics y derivados, y quienes me leéis aquí y en mis otras redes sociales lo sabéis, aplico una norma: si el personaje no me interesa a priori o si no conozco nada o casi nada de él y el filme de turno sobre su figura sabe atraparme, pienso que estoy ante un buen biopic. No puedo decir esto de éste, por desgracia.

No sé si la vida real de Enzo Ferrari, el piloto y empresario italiano que fundó la mítica marca de automóviles que lleva su nombre, es interesante o no: la del Enzo Ferrari de Michael Mann desde luego que no.

El personaje, visionario y soberbio, incomprendido en parte y egoísta en otra, está desdibujado aquí, por muy bien que Adam Driver lo interprete. Su historia y su contexto, también. Conocemos un mundo de feroz competencia entre coches que cada vez corren más y paren de contar. Tampoco los secundarios destacan: casi todos son simples, y muchos aparecen demasiado poco, y aunque les den vida Penélope Cruz, Shaylene Woodley o Jack O'Connell no inspiran casi nada.

La trama, llevada con la sobriedad seca habitual de Michael Mann, aquí no funciona precisamente por dicha sobriedad: la historia de Ferrari necesita más pasión, y en "Ferrari" todo es lánguido, sin fuerza, sin alma. No ayudan subtramas que no están bien desarrolladas ni un montaje abrupto.

"Ferrari" es una sucesión de escenas sin potencia, a veces hasta mal ensambladas, protagonizadas por unos caracteres que no dicen nada, que no llegan a tocarte nunca. Para colmo, es larga para lo que cuenta: 130 minutos. En fin, un borrón en la carrera de un director que por otra parte rara vez falla.

DELICIAS TURCAS. LA IMPACTANTE HISTORIA DE AMOR ROTO POR LA BURGUESÍA DE VERHOEVEN

DELICIAS TURCAS de Paul Verhoeven - 1973 - ("Paul Verhoeven")

"Delicias turcas", la segunda película de Paul Verhoeven, ya es una muestra plena y radical de lo que su cine va a ofrecer a partir de este momento. Nos vamos de la comedia dramática de "Delicias holandesas" al drama total. 

Eso sí, volvemos a la Amsterdam loca y alternativa de aquella película, un lugar que en los años setenta se ha convertido en una gran ciudad de libertad donde, sin embargo, laten todavía rastros oscurantistas de un pasado beato y burgués que se resiste a ser absorbido por la modernidad.

Rutger Hauer, en su primera colaboración de muchas con Verhoeven (en todas las películas de su primera etapa hasta "Los señores del acero" aparecería o sería el protagonista a partir de aquí), es un artista bohemio, radical, impulsivo y apasionado (y también violento) que vive una historia de amor con Monique van de Ven (también presente en las primeras películas del director). Ambos están impresionantes: ambos llevan la película con su sola presencia.

La historia de amor mencionada, inicialmente delirante, animal y tierna a la vez, va a ser, sin embargo, pasto de los intentos de la burguesía más acomodada y rancia de Amsterdam de torpedearla (en especial, la madre de ella, que pertenece a este grupo social y que tiene por bandera su moral y su hipocresía, es la villana absoluta de la función en este sentido).

Paul Verhoeven nos lleva por un periplo de amor, crisis y desamor lleno de escenas para el recuerdo totalmente visceral, frenético y enloquecido y, también, desolador: es un tema muy de los setenta y de las décadas anteriores y posteriores. El artista bohemio y la pija enamorados en medio de una sociedad cambiante y convulsa encaja aquí perfectamente.

Los dos protagonistas están llenos de profundidad y de carisma, los secundarios son divertidísimos, los diálogos inteligentes, el humor irónico, cínico y a veces negro, y el drama duele de verdad y te golpea sin piedad.

Además del retrato de una sociedad como he dicho profundamente hipócrita, existe no obstante el de toda relación que empieza muy bien y que, además de por la intromisión del mentado elemento social externo, comienza también a caer en la rutina y en lo rastrero por las vilezas cotidianas de los dos amantes (él es encima es violento, pero ella tampoco es un ser de luz: no hay maniqueísmo en Verhoeven y los dos amantes son capaces de lo mejor y de lo peor).

El director holandés no juzga: simplemente expone. Y expone puro amor pero pura incomodidad, puro arte y puro impacto. "Delicias turcas" es su primera joya, su primera obra que ya despunta. Empezaba, ya sí, una carrera estelar en el cine contestatario que nunca ha abandonado este creador.