EL FINAL DE OAK STREET. UNA OBRA DE TERROR MAGNÍFICA A PESAR DE SU IRREGULAR FINAL

EL FINAL DE OAK STREET de David Robert Mitchell - 2026 - ("The end of Oak Street")

Con David Robert Mitchell suele pasar ya que sus películas, que suelen revertir sus géneros o por lo menos darles vueltas de tuerca interesantes, sean o amadas u odiadas sin demasiado término medio. Pasó con "It follows", pasó con "Lo que esconde Silver Lake" y ha pasado ahora con "El final de Oak Street".

Yo adoro "It follows", no me convence nada "Lo que esconde Silver Lake" y me ha encantado, a pesar de las reservas que me deja su insatisfactorio desenlace, "El final de Oak Street".

Este filme es una habilidosa mezcla de ciencia ficción loca con costumbrismo estadounidense que se ve roto de golpe por el terror. En concreto, por dinosaurios. Huele a años ochenta y noventa, y no lo esconde: podría ser perfectamente, salvo por algunos elementos de su final, una obra del Spielberg terrorífico, de Joe Dante o del primer Robert Zemeckis.

Una espectacular Anne Hathaway y un genial Ewan McGregor son un matrimonio que debe luchar por la supervivencia de repente en su barrio. Esta lucha es brutal, atroz, y mezcla la acción pura y el terror puro. Los dinosaurios de este filme dan miedo de verdad. El ambiente nuevo que viene con ellos, también. Y la idea que lo arbitra todo es desasosegante.

"El final de Oak Street" no esconde sus cartas: quiere hacer homenaje al género de los dinosaurios mientras a la vez elabora un drama familiar como he dicho puramente ochentero y noventero. Y le sale bien casi todo a David Robert Mitchell: lo he pasado mal con este filme nuevo suyo. Me ha agobiado, me ha aterrorizado. Y sus efectos especiales, chapeau. Hasta las bestias hervíboras dan mal rollo. 

Por contra, como he mencionado antes, el desenlace no me ha convencido (y esto es algo que trataré en el espacio de los spoilers). Creo que no termina de explotar todo lo que tenía para explotar (en especial, los personajes que no son de la familia) y que es muy precipitado y, por ello, se sale por la tangente improvisando. No obstante este final, la película me ha parecido una propuesta fantástica que me ha tenido pegado al asiento. Lástima que el director de "It follows" aquí no sepa, desde mi punto de vista, cerrarla bien.

-ESPACIO PARA SPOILERS: El final del filme tiene flecos por todas partes. Sí, es tremendamente inquietante, porque el personaje de Hathaway abandona, por puro egoísmo desesperado, a un doble de ella misma y a otros de sus dos hijos en la prehistoria. Hay gente que dice que es un fallo de guión y hay gente que dice que es puro cinismo de este guión, puro mal rollo humano. Si es lo segundo, no está bien desarrollado, ya que tras la pesadilla vuelve la familia a la vida cotidiana pero es extremadamente fácil que todo el mundo sepa lo ocurrido al poco tiempo. 

¿Cómo puede el matrimonio vivir con esto?¿Cómo puede la madre y también los hijos vivir con esto? ¿Y el marido le perdona a la esposa que haya sacrificado a su familia REAL? ¿Y los vecinos no preguntan? ¿Y el gobierno? ¿Y la niña vecina que escapa con ellos que para colmo acaba conviviendo con su doble? ¿Y todo esto sigue adelante con normalidad además acabando la madre como una escritora famosa por relatar precisamente el acontecimiento del filme? Y de añadidura... ¿El gobierno mata a los dinosaurios en vez de quedárselos? ¿Y no vuelve a haber agujeros? Está todo francamente muy, muy, muy mal cerrado. Una pena este patinazo tan grande justo al terminar.

LA CONSTELACIÓN DEL PERRO. UN SCOTT POSTAPOCALÍPTICO CORRECTO Y NADA MÁS

LA CONSTELACIÓN DEL PERRO de Ridley Scott - 2026 - ("The Dog Stars")

Mejorar un bodrio infecto como "Gladiator II" en una filmografía no era difícil, pero, para las cosas geniales y de vez en cuando magistrales que es capaz de hacer Ridley Scott, "La constelación del perro", su última película, es una obra bastante descafeinada.

El filme trata de hacer una relectura del género postapocalíptico y de sus lugares comunes desde un punto de vista intimista y emocional. Vamos a tener esos mencionados lugares comunes (una pandemia, comunidades aisladas de supervivientes, pequeños ejércitos de pandilleros hostiles, una llamada a la colaboración para recuperar la humanidad perdida) pero dentro de una trama muy centrada en los personajes y en su desarrollo.

Hasta aquí, todo perfecto. El problema es que solamente se ofrece esto. Y ojo, es correcta la cinta en todo lo demás, pero simplemente correcta, por lo cual posiblemente se te olvide bastante pronto una vez haya pasado poco tiempo desde que la viste.

El plantel actoral está fantástico (Jacob Elordi, Josh Brolin, Margaret Qualley, Guy Pearce, Benedict Wong...) y hay momentos verdaderamente bellos entre los personajes que interpretan que retratan asuntos universales como la amistad, el amor, las relaciones familiares o la solidaridad.

Por desgracia, como he dicho, el resto es bastante tópico. No ofrece lo nuevo de Ridley Scott nada que no hayamos visto antes y, lo peor, que no nos sepamos de memoria. En algunos aspectos es hasta bastante predecible. Tampoco hay elementos que diferencien a este postapocalipsis: ni una estética especial, ni unas características especiales, ni unas condiciones especiales para los supervivientes, ni unos seres especiales que sean una amenaza, ni una lectura política o social que diga algo. 

"La constelación del perro" es correcta y digna, pero no ofrece nada que no hayamos visto ya cientos de veces en su género. No puedo decir que sea mala porque no lo es, pero tampoco puedo decir que vaya más allá de lo simplemente solvente. Hay momentos en los que parece, por desgracia, un telefilm postapocalíptico de sobremesa de domingo.

I EXPOSICIÓN DE MIS TIRAS CÓMICAS, COACHING PARA ESCLAVOS, EN MÁLAGA

SI VIVÍS O ESTÁIS EN MÁLAGA, PODÉIS VISITAR MI EXPOSICIÓN

Queda inaugurada la I Exposición de mis tiras cómicas, "Coaching para esclavos", en La Polivalente de Málaga. Estará todo septiembre y todo octubre en este espacio cultural. 

Si vivís en Málaga o estáis por aquí estos dos meses, podéis pasar a visitarla. En Calle Lagunillas 53, Distrito Centro 29012. 😊

LA COLINA DE LAS AMAPOLAS. GORO MIYAZAKI REMONTA EN UNA JOYA INTIMISTA

LA COLINA DE LAS AMAPOLAS de Goro Miyazaki - 2011 - ("Korukiko-zaka kara")

Goro Miyazaki, el hijo de Hayao Miyazaki, tuvo un debut bastante irregular con "Cuentos de Terramar" en 2006 y, hasta cuatro años después no se volvió a colocar de nuevo en la dirección. En 2011 entregó una película ya mucho mejor: "La colina de las amapolas", basada en el manga homónimo de Chizuru Takahashi. 

El tono cambia completamente: de la fantasía heroica de su primera cinta Goro pasa al intimismo realista y cotidiano. "La colina de las amapolas" es una historia minimalista, muy pausada, en la que las acciones aparentemente nimias cargan de significado a toda la trama y el espectador ha de estar atento a todas ellas para construir el puzzle final.

Ambientada en 1963, narra la historia de dos adolescentes que van al instituto y que se enamoran, aunque las historias pasadas de sus dos familias les ponen ante una inesperada y complicada tesitura. El fondo es una protesta estudiantil contra el derribo de un viejo edificio paralelo al instituto en el que se ubican todos los clubs de estudiantes del centro (en Japón es algo muy típico el que los alumnos se reúnan en clubs diversos y desarrollen en ellos actividades que les interesan y la vida social correspondiente). 

El filme retrata el principio de una época de rebeldía juvenil que, a pesar de lo hermético y de lo férreo con el control familiar de las obligaciones que sigue siendo incluso hoy en día Japón, marca un punto de cambio entre dos mundos: el de las posguerras y el de la apertura final y el carpetazo a dichas posguerras (no sólo se le dio este carpetazo en Japón: ocurrió también en los Estados Unidos y en buena parte de Europa). 

En este ambiente, los jóvenes protagonistas tratarán de salir adelante, de cerrar las heridas de un tiempo terrible y de buscar la felicidad ante un nuevo amanecer. La película es claramente revisionista y opta por dejar atrás de una vez los traumas históricos de Japón. 

Goro Miyazaki narra con una sencillez tremenda y con unos diálogos justos una trama que se bebe a sorbitos, pero que se enriquece sin cesar hasta confirmar un fresco final cargado de sentido y de emociones contenidas. Su mensaje vital es optimista y feliz.

"La colina de las amapolas" tiene además escenas del todo geniales. Las de la limpieza del "Barrio Latino" (la casa sede de clubs que quieren derribar) son fantásticas y divertidísimas, y el encuentro de los protagonistas en el barco es una maravilla que consigue conmover sin efectismos dramáticos baratos. 

Goro Miyazaki aprende claramente de los errores de su anterior filme (y es que también es cierto que era su debut; se le exigió tal vez demasiado) y construye una película sentida, delicada, bien cerrada, con amor, humor, retrato social, drama y ternura (y todo ello perfectamente equilibrado, y sin fisuras). 

Sobra decir, por supuesto, que la animación del filme es una maravilla. No sólo la animación: los decorados son una virguería del realismo, del color, del detalle, de los juegos con la luz. En fin, en conjunto el segundo filme del hijo Miyazaki es otra joyita del Estudio Ghibli. Muy recomendable.

MANOS QUE EMPUJAN. EL DESTACADO DEBUT DE ANG LEE SOBRE ORIENTE Y OCCIDENTE

MANOS QUE EMPUJAN de Ang Lee - 1992 - ("Pushing Hands")

"Manos que empujan", primera película de las tres que Ang Lee realizó sobre el encuentro entre oriente y occidente, marca la línea que seguirían las otras dos del tríptico, "El banquete de bodas" y "Comer, beber, amar". 

Narra una historia de relaciones personales y especialmente de relaciones dentro de la familia en la que los malentendidos están a la orden del día debido al cambio generacional brutal que se opera en el seno de dicha familia, cambio generacional acentuado por el hecho de que algunos de sus miembros emigran a los Estados Unidos y viven a caballo entre dos mundos, su mundo natal oriental y el nuevo mundo occidental. 

En un estilo sencillo y directo realista Ang Lee cuenta aquí la historia de un maestro de Tai Chi jubilado que abandona Taiwan a una edad avanzada para vivir con su hijo en los Estados Unidos. El anciano no se logra acomodar a su nueva vida, y tampoco lo hace a sus hábitos su nuera. Chocan los dos mundos mencionados, oriente y occidente, y también la tradición y la supuesta modernidad, y dos modos de vida contrapuestos estallan creando terribles consecuencias. 

Sin embargo, Ang Lee despliega un mensaje esperanzador de unión y fraternidad, de entendimiento entre culturas, y las cosas cambian poco a poco para la familia del viejo maestro y para él mismo, que a su edad es capaz de emprender una nueva aventura vital (el filme también critica el papel al que son relegados los ancianos que, tras toda una vida de trabajo para cuidar a sus hijos, son vistos como trastos rotos). "Manos que empujan" es la primera joya de este gran director taiwanés-estadounidense.

FERRARI. UN BIOPIC DESCAFEINADO Y SIN ALMA DE UN MICHAEL MANN POCO INSPIRADO

FERRARI de Michael Mann - 2023 - ("Ferrari")

Adoro a Michael Mann y aquí tenéis comentada toda su filmografía, pero también hay películas de él que me parecen verdaderamente flojas, en especial en medio de una carrera tan genial, y una de ellas es esta "Ferrari", la última que ha dirigido (y en espera estamos con ansia de la próxima "Heat II").

Siempre, con los biopics y derivados, y quienes me leéis aquí y en mis otras redes sociales lo sabéis, aplico una norma: si el personaje no me interesa a priori o si no conozco nada o casi nada de él y el filme de turno sobre su figura sabe atraparme, pienso que estoy ante un buen biopic. No puedo decir esto de éste, por desgracia.

No sé si la vida real de Enzo Ferrari, el piloto y empresario italiano que fundó la mítica marca de automóviles que lleva su nombre, es interesante o no: la del Enzo Ferrari de Michael Mann desde luego que no.

El personaje, visionario y soberbio, incomprendido en parte y egoísta en otra, está desdibujado aquí, por muy bien que Adam Driver lo interprete. Su historia y su contexto, también. Conocemos un mundo de feroz competencia entre coches que cada vez corren más y paren de contar. Tampoco los secundarios destacan: casi todos son simples, y muchos aparecen demasiado poco, y aunque les den vida Penélope Cruz, Shaylene Woodley o Jack O'Connell no inspiran casi nada.

La trama, llevada con la sobriedad seca habitual de Michael Mann, aquí no funciona precisamente por dicha sobriedad: la historia de Ferrari necesita más pasión, y en "Ferrari" todo es lánguido, sin fuerza, sin alma. No ayudan subtramas que no están bien desarrolladas ni un montaje abrupto.

"Ferrari" es una sucesión de escenas sin potencia, a veces hasta mal ensambladas, protagonizadas por unos caracteres que no dicen nada, que no llegan a tocarte nunca. Para colmo, es larga para lo que cuenta: 130 minutos. En fin, un borrón en la carrera de un director que por otra parte rara vez falla.

DELICIAS TURCAS. LA IMPACTANTE HISTORIA DE AMOR ROTO POR LA BURGUESÍA DE VERHOEVEN

DELICIAS TURCAS de Paul Verhoeven - 1973 - ("Paul Verhoeven")

"Delicias turcas", la segunda película de Paul Verhoeven, ya es una muestra plena y radical de lo que su cine va a ofrecer a partir de este momento. Nos vamos de la comedia dramática de "Delicias holandesas" al drama total. 

Eso sí, volvemos a la Amsterdam loca y alternativa de aquella película, un lugar que en los años setenta se ha convertido en una gran ciudad de libertad donde, sin embargo, laten todavía rastros oscurantistas de un pasado beato y burgués que se resiste a ser absorbido por la modernidad.

Rutger Hauer, en su primera colaboración de muchas con Verhoeven (en todas las películas de su primera etapa hasta "Los señores del acero" aparecería o sería el protagonista a partir de aquí), es un artista bohemio, radical, impulsivo y apasionado (y también violento) que vive una historia de amor con Monique van de Ven (también presente en las primeras películas del director). Ambos están impresionantes: ambos llevan la película con su sola presencia.

La historia de amor mencionada, inicialmente delirante, animal y tierna a la vez, va a ser, sin embargo, pasto de los intentos de la burguesía más acomodada y rancia de Amsterdam de torpedearla (en especial, la madre de ella, que pertenece a este grupo social y que tiene por bandera su moral y su hipocresía, es la villana absoluta de la función en este sentido).

Paul Verhoeven nos lleva por un periplo de amor, crisis y desamor lleno de escenas para el recuerdo totalmente visceral, frenético y enloquecido y, también, desolador: es un tema muy de los setenta y de las décadas anteriores y posteriores. El artista bohemio y la pija enamorados en medio de una sociedad cambiante y convulsa encaja aquí perfectamente.

Los dos protagonistas están llenos de profundidad y de carisma, los secundarios son divertidísimos, los diálogos inteligentes, el humor irónico, cínico y a veces negro, y el drama duele de verdad y te golpea sin piedad.

Además del retrato de una sociedad como he dicho profundamente hipócrita, existe no obstante el de toda relación que empieza muy bien y que, además de por la intromisión del mentado elemento social externo, comienza también a caer en la rutina y en lo rastrero por las vilezas cotidianas de los dos amantes (él es encima es violento, pero ella tampoco es un ser de luz: no hay maniqueísmo en Verhoeven y los dos amantes son capaces de lo mejor y de lo peor).

El director holandés no juzga: simplemente expone. Y expone puro amor pero pura incomodidad, puro arte y puro impacto. "Delicias turcas" es su primera joya, su primera obra que ya despunta. Empezaba, ya sí, una carrera estelar en el cine contestatario que nunca ha abandonado este creador.

LLEGAN LAS AVENTURAS DEL AURIGA DEL VAPOR, MI PERSONAJE PULP STEAMPUNK

¿TE APETECE LEER LAS AVENTURAS DE MI PERSONAJE STEAMPUNK?

"Conspiraciones, ingenios mecánicos, sindicatos de hombres invisibles y un héroe como no hay otro se dan cita en 'El Auriga del Vapor'".

El Auriga del Vapor es mi conductor steampunk: un tipo misterioso que deshace entuertos en su coche victoriano. 

Su primera aventura ya está en Tentacle Pulp y habrá muchas más: será un personaje recurrente de esta gran app de relatos. 🙂

¿Te apetece leerla?

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POLTERGEIST 2015. UN REMAKE INSULSO Y SIN ALMA HECHO CON PURA PEREZA

POLTERGEIST de Gil Kane - 2015 - ("Poltergeist")

"Poltergeist" tuvo en el año 2015 un remake tardío dirigido por Gil Kenan que, siendo mejor en general que las dos secuelas de la primera saga, fue también en general un completo "ni fu ni fa".

Volvemos a contar la historia del filme original de 1982 añadiéndole algunas leves variantes y poco más. Si has visto esta mencionada antecesora, el interés en este reinicio es mínimo si no eres alguien completista de franquicias: todo vuelve a ser lo mismo contado casi de la misma manera y con los mismos recursos pero simplificados. No hay amor en el filme, ni escenas que se queden en la retina (como la de la escalera de la obra de Tobe Hooper y Steven Spielberg) ni nada memorable.

Es un remake tan correcto, tan fotocopia, tan aséptico, que es un "deja vu" sin alma. Los personajes reviven la misma trama (que además pierde bastante fuelle social) y los sustos son los mismos casi y los elementos (como el mítico árbol del jardín) también. 

Sam Rockwell y Rosemarie DeWitt hacen lo que pueden como los protagonistas, pero pueden bien poco: son tan sosos como toda la película.

"Poltergeist" de 2015 es pura pereza. Esa es la palabra. Y eso que la fotografía es bonita, que técnicamente cumple y que es entretenida (ayuda también que muy larga no es, por lo cual se pasa casi en un suspiro entre susto y susto), pero no hay nada más allá de una producción hecha para pasar la gorra y aprovecharse de la resurrección de un clásico (a ver si cuela). Y la reseña de hoy es muy corta pero de verdad les digo que no hay más que decir.

POLTERGEIST III. LA SAGA TERMINA DE MALOGRARSE EN UN CIERRE LAMENTABLE

POLTERGEIST III de Gary Sherman - 1988 - ("Poltergeist III")

La decadencia de "Poltergeist" termina (por suerte no fue una de esas sagas alargadas hasta el infinito y la extenuación que tanto se prodigan en el género del terror) con "Poltergeist III", dirigida ahora por Gary Sherman, otro director que tampoco tiene grandes cosas en su haber.

La cosa aquí ya está estirada de forma aún más descarada y cutre que en la segunda entrega y tenemos a Carol Anne viviendo en un rascacielos de Chicago temporalmente con sus tíos. La excusa barata sirve para que la historia tenga una continuidad forzada y para explorar un nuevo escenario lleno de cristales que pueden comunicar con el más allá.

Vuelve el reverendo Kane, como se imaginan, y lo hace en una trama simplona, tonta a veces incluso, sin nada reseñable, con personajes nuevos que no cumplen y clásicos que están manoseadísimos y basada en sustos de andar por casa, predecibles, nada sugerentes y cimientados en el golpe de efecto bruto visual y sonoro y se acabó.

Ni siquiera Nancy Allen y Tom Skerritt, que se unen a la saga como los improvisados tíos de Carol Anne, son capaces de levantar un conjunto en el que hasta Heather O'Rourke y Zelda Rubinstein, las únicas que repiten de entregas anteriores, están completamente desganadas y adocenadas en el tópico cómodo de sus papeles.

Por desgracia, la joven protagonista, Heather, falleció el 1 de febrero de 1988, el año del filme, con solamente doce años, tras haber sido diagnosticada erróneamente de Enfermedad de Crohn cuando tenía estenosis intestinal aguda. El filme fue su obra póstuma y esto creó un escándalo por negligencia médica y el concepto de la "Maldición Poltergeist" debido a las muertes que habían rodeado al rodaje.

"Poltergeist III" fue un fracaso de público y de crítica estrepitoso y la saga fue cerrada ya de forma fulminante tras ella hasta que llegó el muy tardío y flojo remake del año 2015, con el que terminaré mañana este ciclo.