lunes, 9 de diciembre de 2024

LA PLAGA DE LOS CÓMICS. EL FASCINANTE ENSAYO DE LA CAZA DE BRUJAS DE LAS VIÑETAS

LA PLAGA DE LOS CÓMICS de David Hajdu - 2008 - ("The Ten-Cent Plague: The Great Comic-Book Scare and How It Changed America")

Es ampliamente conocido el infame y monstruoso fenómeno del Macartismo, esa caza de brujas que desde 1950 a 1956 estuvo persiguiendo y condenando a montones de artistas del mundo del cine en los Estados Unidos, a los que se les acusaba de ser comunistas de una forma u otra.

Este terror que no hay que olvidar tuvo un "hermano" igual de repulsivo pero bastante menos conocido en el mundo del cómic. 

En aquellos mismos años cincuenta, los cómics eran el medio de entretenimiento más popular entre los jóvenes de los Estados Unidos, que vivía una era de rebeldía contra lo establecido y a la vez de prosperidad tras el fin de la Segunda Guerra Mundial marcada también por fenómenos como la llegada de la televisión y del rock n'roll (que sería el siguiente en ser atacado por su sociedad).

En esta década de enfrentamiento generacional (siempre lo hay entre padres e hijos, pero especialmente lo hay en momentos históricos de cambios radicales como fueron los 50 y también los 60) a la sociedad más beata y rancia de los USA le dio por condenar a los mencionados cómics como los enemigos públicos número 1 de todo lo que era americano.

Hubo una figura clave, tan infame como la del senador Joseph McCarthy, que articuló una parte decisiva de este movimiento: la del psiquiatra germano-estadounidense Fredric Wertham, que si bien era por una parte un hombre preocupado por temas como la infancia y la juventud o el racismo (todo hay que decirlo), lideró la cruzada más salvaje que el arte de las viñetas nunca ha conocido.

El ensayista, columnista, autor y profesor estadounidense David Hajdu nos narra en este fantástico ensayo cómo fueron aquellos años terribles y cómo acabaron desembocando en la fiebre del cómic de superhéroes, que rescató a la industria ya en los años 60 (que, sin embargo, perdió grandes series de géneros como el "noir", la ciencia ficción o el terror en el camino).

Hajdu nos regala además algo más: prácticamente una historia del cómic norteamericano desde sus inicios hasta la época del auge de los mencionados superhéroes. Una auténtica delicia que nos pone en situación justo antes del horror que habría de llegar de las manos de Wertham y de quienes, tanto desde el mundo de la política como desde fuera de éste, se dedicaron a perseguir a quienes leían cómics para condicionarlos a que los tirasen e incluso a que los quemasen en hogueras públicas (sí, una sociedad que acababa de luchar precisamente contra la amenaza de los nazis hizo esto). 

Los USA más pacatos y rancios, presas además de un auténtico terror por lo diferente en aquellos años de la Guerra Fría, vieron en el arte de las viñetas un auténtico chivo expiatorio que sirvió para desatar los más bajos instintos moralistas y represores contra la libertad imaginables entonces.

David Hajdu reúne testimonios de todo tipo de la época, extractos de archivos y fotografías para construir un apasionante retrato de una era atroz que tiene ecos en otras posteriores (hoy en día los hay, aunque menores, ejecutados tanto por derechas como por izquierdas, pero de semejante inspiración aleccionadora, totalitaria y censora).

Ante la censura brutal que la propia industria del cómic tuvo que aplicarse a sí misma (porque temía que la estatal iba a ser todavía peor) montones de publicaciones acabaron siendo económicamente inviables (las más famosas fueron las míticas series de EC) y montones de autores y de autoras perdieron sus trabajos (y montones también nunca pudieron volver a este mercado: al final del libro hay una lista con todos ellos a modo de desolador homenaje "póstumo").

"La plaga de los cómics" es, además del fascinante ensayo que he referido, un grito contra cualquier censura, la que sea, y un aviso de lo que puede acabar ocurriendo con el arte en épocas de pánico moral. Una vez más, Es Pop Ediciones nos trae otra joya espectacular sobre la historia de nuestra cultura.

viernes, 6 de diciembre de 2024

VAIANA II. UNA SECUELA EN GENERAL DIGNA PERO SIN GRANDES ALICENTES

VAIANA II de David G. Derrick, Jason Hand y Dana Ledoux Miller - ("Moana II")

Se nota que "Vaiana II" iba a ser inicialmente una serie de televisión, porque tiene algunos lastres derivados de esto que, si bien no son importantes, sí que dejan su argumento un poco alargado innecesariamente en un prólogo de una tercera parte que presumiblemente vendrá en algún momento.

La primera "Vaiana" me pareció una muy buena película de aventuras del último Disney, que, desde mi punto de vista, está ahora mismo en una etapa muy irregular en la que está ofreciendo películas cuando no malas (como la infumable "Frozen II") tóxicas (como "Encanto") o bastante normalitas (como "Raya y el último dragón", "Mundo extraño" o "Wish: El poder de los deseos"). 

"Vaiana II", si bien me parece aceptable, sólo me parece eso: aceptable. Está en la línea de este último Disney que me mencionado. Es una secuela en general digna, continuista, con acción divertida y aventuras con humor entretenidas, pero que no aporta nada nuevo a su saga y que tampoco arriesga nada.

Los personajes tienen carisma (aquí especialmente los secundarios) pero sus conflictos no llegan mucho más allá del dibujo básico, mientras que la trama, independientemente de su condición de prólogo alargado, no ahonda demasiado en su propia propuesta.

La animación vuelve a ser preciosa, como siempre, pero tampoco le veo al filme nada destacable en este aspecto más allá de esto, marca de la casa, ni algo que sea especialmente notorio ni en sus escenarios ni en sus diseños de seres.

"Vaiana II" se puede ver, pero es demasiado genérica en todos los aspectos como para resultar verdaderamente interesante y, sobre todo, se queda muy atrás de lo imaginativa y divertida que era su antecesora. Como es una secuela puente, dejamos a la saga aquí en barbecho y ya veremos cómo evoluciona en la siguiente entrega.

jueves, 5 de diciembre de 2024

THREE. UN PRECIOSO DRAMA REALISTA DE TOM TYKWER SOBRE EL POLIAMOR

THREE de Tom Tykwer - 2010 - ("Drei")

La aventura más comercial de Tom Tykwer le salió bien con "El perfume" pero bastante regular con "The International. Dinero en la sombra". Con "Three" volvió al cine de autor además de a su Alemania natal y nos regaló una de sus mejores y más personales creaciones. 

Estamos acostumbrados ya a ver filmes que reivindican otras sexualidades y otras formas de ver el amor. Sin embargo, el "poliamor", que en los últimos años está cogiendo bastante visibilidad y representación por fin, no ha tenido demasiadas como protagonista. 


Tom Tykwer hace un alegato (en 2010, ojo) de esta forma de vida
en "Three", en la que vuelve al realismo cotidiano que practicó en su ya más lejana "Soñadores" pero esta vez con un estilo sobrio, sencillo, muy realista y alejado de las pericias visuales que suele practicar en sus películas y que hasta el año de salida de ésta habían sido una constante en su carrera. 

Aquí tenemos un ambiente totalmente reconocible y una visualidad directa, que retrata nuestro mundo sin efectismos ni recursos más allá de los esperables. Tenemos tres personajes perdidos en la vida, que pasan por crisis existenciales y emocionales, pero que no son tan particulares o estrambóticos como los de sus otros filmes. Aquí prima la representación más fidedigna de la cotidianeidad.

"Three" es una película muy contenida, minimalista incluso a veces, de silencios y diálogos calmados (y excelentes), de acciones y "no acciones" llenas de significados que el espectador ha de completar en su imaginación. 

Tom Tykwer despliega perfectamente la trama y ordena sus giros con inteligencia y precisión. El mensaje que nos deja está además expuesto sin demagogias y en base a los sentimientos puros de los personajes, que se abren a vivir nuevas experiencias y a nuevos mundos. 

El trío protagonista (los más conocidos en Alemania Spohie Rois, Sebastian Schipper y Devid Striesow) están además del todo excelentes y tienen carisma para dar vida a unos personajes tiernos pero también llenos de frustraciones, tristezas y claroscuros. 

"Three" es una de las mejores películas del mejor Tyker, que se recupera con habilidad de su anterior fiasco, la comentada "The International. Dinero en la sombra". Una película fantástica y que no es muy conocida por desgracia.

miércoles, 4 de diciembre de 2024

CARRIE. EL ESPECTACULAR Y MÍTICO INICIO DE LA CARRERA DE STEPHEN KING

CARRIE de Stephen King - 1974 - ("Carrie")

"Carrie" fue la primera novela publicada de Stephen King, aunque realmente era la cuarta que había escrito. Disfrutó de un gran éxito instantáneo que propició la película también célebre de Brian De Palma de 1976 y que hizo paradójicamente que fuese censurada en montones de institutos de los Estados Unidos (a la película le ocurrió algo parecido: fue hasta prohibida en Finlandia).

"Carrie" iba a ser inicialmente un relato para la revista Cavalier que King estaba escribiendo en una época que no fue particularmente buena para él: vivía con su familia en un remolque en el pequeño pueblo de Hermon, Maine, y estaba luchando para hacerse un hueco en el mercado editorial en un contexto de pobreza (era profesor en una academia y no ganaba ni siquiera para tener línea de teléfono).

En un principio, al escritor no le convencía nada el mencionado relato, por lo que acabó desechando las cuatro páginas que de el tenía escritas. Sólo fue por consejo de su mujer Tabitha Spruce que decidió terminarla y ampliarla, porque ella sí veía potencial en esta obra (y él se la dedicó una vez publicada).

La protagonista, Carrie White, está basada en dos chicas que eran habitualmente marginadas y maltratadas en una escuela a la que King iba cuando era niño. Una de ellas tenía además una madre extremadamente religiosa que la oprimía todavía más. El autor pensó, a raíz de estos dos personajes reales, en escribir esta historia de terror y de poderes psíquicos como una especie de "versión invertida" de "La Cenicienta".

"Carrie", organizada de forma epistolar, se centra en una narración en tercera persona sobre la que pivotan extractos de cartas, documentos, entrevistas, artículos o libros. La historia de la protagonista es expuesta desde numerosos ángulos que completan su caso y que exploran el asunto de la telequinesia, del que King se había documentado ampliamente.

Su estilo es potente, dinámico, con metáforas con personalidad. Stephen King es un autor con garra desde sus primeras obras. Los personajes, por otra parte, son humanísimos, perfectamente identificables, desde la protagonista hasta todos los que la rodean.

"Carrie", además, es, como prácticamente todas las obras del autor, un retrato agudísimo, crítico, brutal también, de lo peor de la vida en los Estados Unidos profundos, el escenario que mejor conoce él. El instituto sobre el que todo da vueltas, con sus clases sociales que ya empiezan a ser un reflejo de las clases sociales de la edad adulta, está dibujado con un pincel finísimo que no deja títere con cabeza.

También hay un tema clave en la novela: el fanatismo religioso, que es una auténtica tiranía en muchas familias y que incluso acaba cayendo en el puro maltrato. 

"Carrie" es un debut magnífico que no ha perdido un ápice de actualidad y que todavía hoy sigue sorprendiendo: eso le da, desde mi punto de vista, y visto el tiempo que ha pasado desde aquel 1974, el estatus de clásico no sólo del terror, sino de la literatura en general.

lunes, 2 de diciembre de 2024

GREMLINS II. LA NUEVA GENERACIÓN. UNA SECUELA SIN SORPRESAS PERO DIGNA

GREMLINS II. LA NUEVA GENERACIÓN de Joe Dante - 1990 - ("Gremlins II. The new batch")

"Gremlins II. La nueva generación" se estrenó seis años después de "Gremlins" y no fue ya un gran éxito de taquilla ni tampoco de crítica. El mismo Joe Dante reconoció que había pasado demasiado tiempo entre una y otra parte para que el "boom" se repitiese. 

Esta secuela, sin ser una película mala en absoluto, cometía algunos fallos que la lastraban en parte, a pesar de tener también algunas cosas interesantes y de meterle un turbo divertidísimo al surrealismo de su antecesora. 

Para empezar, "Gremlins II. La nueva generación" era menos violenta y menos asquerosa. Ya se sabe lo que ocurre cuando se trata de llegar por la fuerza a todos los públicos: se pierde la esencia original y se hace todo más políticamente correcto. 

Luego, además, su trama era más lineal y tenía menos alicientes: consistía en evitar que los gremlins de marras saliesen de un gran rascacielos de Nueva York pero en esencia era todo más bien una excusa para meternos un conjunto de gags y de exhibición de efectos especiales que una trama bien hilvanada. 

Algunas cosas buenas tenía a pesar de todo, como he dicho: en especial, y aunque esto suele ser característica de muchas secuelas, se mejoraban los mencionados efectos especiales y había una gran variedad de gremlins nuevos, desde uno eléctrico a uno superdotado capaz de hablar pasando por uno transformado en gárgola y capaz de volar o el villano clásico convertido en una espeluznante y gigantesca araña. 

También había algunos buenos momentos, como una cierta crítica al capitalismo desbocado o esa parodia de Rambo protagonizada por Gizmo, mientras que Zack Calligan y Phoebe Cates, que repetían como protagonistas principales, estaban de nuevo bastante bien. 

Por contra, faltaban personajes esenciales de la primera parte (como la familia de Billy) y algunos secundarios nuevos como el interpretado por un desaprovechadísimo Christopher Lee no servían para casi nada. 

"Gremlins II. La nueva generación" no fue una secuela terrible, desde luego, y se podía ver bien y lograba divertir, pero ya no dio paso a una tercera película de la saga. Yo la reivindico por su mencionado surrealismo y efectos nuevos de todas formas y me parece digna en general.

domingo, 1 de diciembre de 2024

GREMLINS. UNA MEZCLA DE TERROR, COMEDIA Y AVENTURA JOVEN INIMITABLE

GREMLINS de Joe Dante - 1984 - ("Gremlins")

"Gremlins" es una de esas películas tan curiosas de la década de los ochenta que conjugaba la comedia de aventuras para públicos jóvenes con inesperadas escenas de violencia y brutalidad y con un humor negrísimo (algo parecido a lo que pasaba en "Indiana Jones y el Templo Maldito", la más "rara" con diferencia de su quinteto). 

El Joe Dante de su mejor época, producido por gente como Steven Spielberg y con un guión de Chris Columbus, dirigía en la primera mitad de esta década un cuento navideño con moraleja sobre la responsabilidad y el cuidado de los animales muy pero que muy particular. 

Mezclaba la aventura, el terror, la comedia, el filme de adolescentes y hasta el mencionado cuento de Navidad con los gremlins que dan título al filme, unos bichitos adorables capaces de transformarse en las peores y más bestiales criaturas imaginables. 

Todo era pulp: desde el diseño de los bichitos (un trabajo artístico de matrícula de honor de Chris Wallas con un carisma insuperable) hasta su propietario original (un oriental tópico que parecía sacado de alguna producción de serie B de Hong Kong) pasando por los gags sangrientos e incluso escatológicos. 

"Gremlins" es una película bastante asquerosa: hay moco por todas partes, apuñalamientos, gremlins encerrados en un horno o en una batidora, mutaciones repugnantes. Curiosamente, los Gremlins no llegan a matar a nadie, solamente a los personajes "malos". Aunque eso no impide que sean unos hijos de la gran puta de mucho cuidado, destructores de todo lo que encuentran y con un sádico sentido del humor. 

Los personajes eran divertidos, en especial el inolvidable Gizmo, rey del merchandising de aquellos años y todavía hoy. Y las escenas de acción, que homenajeaban al slasher, eran trepidantes e imaginativas, mientras que los mencionados gags siguen siendo en nuestro momento totalmente desternillantes. 

"Gremlins" es una película hecha con encanto, que mezcla géneros e influencias sin prejuicio ninguno, y que, sin pretensiones, está bien hecha, pero bien hecha de verdad. Por eso es tan mítica y por eso fue un exitazo. 

Además de su tardía secuela, tuvo montones de imitaciones, también muy conocidas (la más famosa es "Critters", aquellos erizos espaciales que llegaron a tener hasta tres continuaciones), pero con mucho menos carisma y que se basaban esencialmente en ser copias cutres de estos bichos pero con un toque más sangriento.

sábado, 30 de noviembre de 2024

SWEENEY TODD EN NUESTRO QUINTO PROGRAMA DE TURRA CINEMA

SWEENEY TODD EN TURRA CINEMA

Como ya sabéis, en el canal de Youtube de Turra Cinema hablo de cine: cada dos semanas, comentamos una película, y cada cierto tiempo también hablamos de series.

Estoy compartiendo por aquí poco a poco todos los programas y hoy toca "Sweeney Todd" de Tim Burton.

Si me queréis ver charlando sobre este magnífico musical, aquí me podéis encontrar: 

TURRA CINEMA: SWEENEY TODD

jueves, 28 de noviembre de 2024

HAMMER HORROR. SIETE NOVELAS LOQUÍSIMAS DEL INCOMBUSTIBLE CURTIS GARLAND

HAMMER HORROR de Curtis Garland - 2019 - ("Hammer Horror")

Es magnífico que Alberto López Aroca esté trayéndonos de vuelta, poco a poco, la obra de Juan Gallardo Muñoz, ese incombustible escritor de la era dorada del Bolsilibro que dejó alrededor de 2003 novelas según las estimaciones que he leído.

Es magnífico porque, aparte de ser novelas loquísimas y divertidísimas muchas de ellas, esta literatura popular también es parte de la historia de literatura y creo que a muchos de sus autores se les ha olvidado con un desprecio que creo que no mereciesen.

Este tomo llamado "Hammer Horror" trae siete novelas de Gallardo Muñoz que firmó como Curtis Garland, uno de sus seudónimos (en este blog y en esta etiqueta tenéis comentado también, del autor y del editor, el tomo "Monstruos en el oeste", dedicado al weird western y firmado como Donald Curtis).

Como explica el "curtisólogo" Andrés Peláez en el prólogo de este tomo, Juan Gallardo Muñoz era un gran cinéfilo, un hombre de inmensa cultura y un amante en concreto del cine de terror clásico y de la productora Hammer. En estas siete novelas lleva a varios monstruos y personajes clásicos del género, valga la redundancia, a nuevas y locas aventuras que a lo largo de los años setenta fueron publicadas en la colección Selección Terror de Bruguera con gran éxito (el fenómeno del Bolsilibro era verdaderamente de masas antes de su decadencia a finales de los años ochenta y en los primeros noventa).

Como dije en la reseña de "Monstruos en el oeste", hay que mirar estas novelitas teniendo en cuenta que pertenecen a su tiempo: el papel de la mujer en la España de los setenta era el que era, y las culturas de otros países aparecen a menudo retratadas a golpe de tópico puro y duro. No obstante, casi todas ellas son, aparte de historia de la literatura popular, aventuras de terror frenéticas y delirantes que se leen en un vuelo y que son todo un viaje en el tiempo.

Juan Gallardo Muñoz escribía a un ritmo verdaderamente demencial: a veces, según he leído, a novela por semana. No había mucho tiempo de revisar el estilo (y la editorial tampoco tenía especial interés, parece). También lay en este tomo novelas mejores y peores: la forma de currar a destajo de estos autores no permitía muchas veces grandes florituras en el argumento, y muchas de sus obras quedaban cerradas de golpe y porrazo, con personajes mal clausurados o directamente olvidados.  Esto era el mundo de los Bolsilibros. Tómenlo o déjenlo.


La colección de "Hammer Horror" comienza con "El discípulo de Frankenstein", una delirante novelita de 1973 donde aparece el personaje mencionado en su título y donde, encima, se junta con el Hombre Invisible. Terror, intriga y acción que homenajea a todos los tópicos posibles sin prejuicios y hasta con cachondeo. Divertidísima.

"Yo, hombre lobo", de 1973, es menos divertida, valga la redundancia, que ésta, y también más oscura y dramática, pero entretiene siempre y tiene una versión bastante loca del hombre lobo clásico, que es mezclado y remezclado con otros tópicos sin vergüenza ninguna.

"La noche de la momia" me parece otra de las mejores de la colección. También de 1973, está más centrada en la aventura y nos narra una historia de egiptólogos que desatan una maldición y que explota muy bien todos los lugares comunes del ser de ultratumba clásico de su título. Divertimento puro, de nuevo.

También de 1973, "Doctora Jekyll" es otro nuevo delirio donde al mítico Doctor Jekyll, como se imaginarán, le cambian el sexo y le meten una trama relacionada con el pasado del personaje que se pasa por el forro todo, y de forma desatada, para darnos un thriller sangriento y con un final que, aquí sí, me parece bien redondeado y con su sorpresa.

"Drácula 75", de 1974, es la primera novela que sí me parece mala del conjunto. Llevamos a Drácula a nuestros días en una historia bastante sosa, muy evidente y simplona, y con un problema importante: se basa mucho, como el homenaje al conde vampiro que quiere ser, en el estilo epistolar, pero las epístolas a Juan Gallardo Muñoz aquí por lo menos no se dan bien y resultan tremendamente aburridas, lo cual resiente muchísimo tanto a la trama como a su ritmo.

Mucho mejor es "El yeti", de nuevo de 1973, que vuelve a la aventura pura para llevarnos a las cumbres del Himalaya en un viaje chorrísimo en busca del abominable hombre de las nieves. Si bien la novela termina de golpe (ésta es una de esas que he mencionado), tiene una sorpresa que está entre lo cachondo y el homenaje sincero que te deja muy buen sabor de boca.

"El cerebro del dragón", de 1975, cierra la colección, y es la peor junto a la comentada "Drácula 75". Ahora Gallardo Muñoz se marca un retorno de Fu Manchú bastante enrevesado, con una trama cortada a tajos y llena de escenas de relleno en la que no funciona prácticamente nada: ni el thriller, ni el terror, ni los personajes. 

Dejando a un lado ésta novela y la del vampiro de Bram Stoker, el resto de las presentadas en "Hammer Horror" son, como he dicho, pequeñas delicias de la diversión desprejuiciada que nos llevan de vuelta a un pasado literario muy especial y que marcó a varias generaciones lectoras durante prácticamente cuatro décadas. Insisto: esto también es historia de la literatura.

lunes, 25 de noviembre de 2024

EL PUÑO DE LA ESTRELLA DEL NORTE. UN FANTÁSTICO MANGA ÉPICO POST-APOCALÍPTICO

EL PUÑO DE LA ESTRELLA DEL NORTE de Buronson y Tetsuo Hara - De 1983 a 1988 - ("Hokuno no ken")

"El Puño de la Estrella del Norte" sigue siendo uno de los mangas shonen más personales que existen tanto por su dibujo como por su trama. Obra de Buronson (Yoshiyuki Okamura) al guión y de Tetsuo Hara al dibujo, se publicó desde 1983 hasta 1988 y, si bien su segundo arco argumental tengo que decir que es un completo desastre, el primero es una obra clásica merecida del cómic japonés.

Buronson venía del éxito de "The Doberman Detective" y Tetsuo Hara del fracaso de "Tetsu no Don Quixote", que había sido cancelada tras diez semanas. A este último su editor, Nobuhiko Horie, le había propuesto dibujar un manga sobre "un artista marcial que destruye a sus oponentes golpeando sus puntos de presión". De esta propuesta surgieron, escritas y dibujadas por él, dos proto-versiones "one-shot" del manga futuro que comentamos: "El Puño de la Estrella del Norte" y "El Puño de la Estrella del Norte II". Ambas tuvieron éxito y propiciaron que, ya con Buronson al guión, se diese luz verde a la serie que conocemos.

"El Puño de la Estrella del Norte" es una fantasía post-apocalíptica de artes marciales loquísima, ultraviolenta y épica que narra una historia de hermanos enfrentados y de diferentes estilos de artes marciales que luchan por dominar el mundo o por salvarlo.

Buronson se inspiró en la mítica saga cinematográfica de "Mad Max" (su sombra es alargadísima, y lo sigue siendo) y en el manga "Violence Jack" de Go Nagai y Tetsuo Hara mezcló al famoso actor japonés Yusaku Matsura con Bruce Lee para extraer de ellos a su inolvidable protagonista, Kenshiro.

"El Puño de la Estrella del Norte" destaca por su personal historia, que combina los mencionados elementos épicos, de artes marciales y post-apocalípticos, a los que mete un turbo sangriento (muy sangriento, muchísimo) y unos personajes tal vez algo estereotipados, como pasa muchas veces en el shonen, pero cargados de carisma, tanto los masculinos como los femeninos.

El mensaje es el de la lucha del bien contra el mal y el de la preservación del mundo por medio de la ayuda al inocente y de la batalla por la justicia. Valores positivos que se unen a otros universales como el amor, la amistad, la solidaridad, la humildad o el sacrificio por los demás y por las buenas causas.

Hay machismo en el manga, ojo: ha envejecido mal en este aspecto. Las mujeres suelen ser, incluso las poderosas, unas muñequitas inspiradoras que sirven como símbolos del bien pero que han de ser casi siempre protegidas de forma paternalista. Estamos en 1983 en Japón: todo cambia y todo avanza.

Sin embargo, "El Puño de la Estrella del Norte" es con todo esto un manga de combates frenético, lleno de potencia, imaginativo, con protagonistas y villanos inolvidables y con muchas escenas épicas para el recuerdo. 

Es, además, un shonen señero debido también al dibujo de Tetsuo Hara. Este autor elabora una estética única que bebe de autores como Syd Mead o Frank Frazetta y que se combina con las fuentes primigenias del manga de acción para presentar un inimitable y tal vez germinal "amerimanga". 

El estilo de "El Puño de la Estrella del Norte" es reconocible a primera vista y no se parece al de ningún otro cómic japonés del momento e incluso de hoy en día (podría hasta pasar perfectamente por ser occidental).

Una pega tiene sólo esta obra: su segundo arco argumental. En España no se ha publicado hasta los últimos años porque la serie se dejó, a finales de los noventa, sólo en el primero. Y este arco, más corto que aquel (aproximadamente la mitad, y menos mal) es un despropósito hecho de forma improvisada, a trompicones, con giros de guión absurdos y personajes con poco carisma que alteran para mal el "lore" principal aunque, irónicamente, lo expandan.

Me costó terminar este mencionado segundo arco, que sólo tiene salvable un epílogo precioso dedicado a los personajes principales a modo de despedida. En el mismo último tomo, el propio Tetsuo Hara comenta que la serie empezó a perder seguidores a partir del fin del primer arco y que él y Buronson, agotados por el ritmo de trabajo además, lo notaron, lo cual les agobió y entristeció. Posiblemente por todo esto improvisaron tanto y cerraron todo casi de golpe.

Independientemente de este bajón, la primera parte de este manga es un clásico inimitable de su estilo que ha marcado a varias generaciones de lectores. No dejo de recomendarla: es pura diversión enloquecida y gore, pura épica exaltada de artes marciales fantásticas. 

viernes, 22 de noviembre de 2024

GLADIATOR II. UNA SECUELA ABSURDA LLENA DE DESASTRES EN CADENA

GLADIATOR II de Ridley Scott - 2024 - ("Gladiator II")

Desde el principio una producción como "Gladiator II" me había parecido tremendamente absurda, ya que "Gladiator" quedaba totalmente cerrada. ¿De qué podría ir una secuela? ¿Sería coherente? ¿Sería, simplemente, sostenible sin resultar forzada y/o ridícula?

"Gladiator II" ha demostrado que, efectivamente, este plan de secuela era una mamarrachada, por lo menos en las condiciones en las que se ha planteado y ejecutado. Habría que haber escrito un guión espectacular para haber mantenido el mencionado plan con dignidad, y el guión de la película que hoy comentamos es verdaderamente desastroso.

Que "Gladiator II" sea un disparate histórico demencial (con discursos con una moralidad propia de nuestros días que en la Roma de su tiempo habrían sonado completamente bochornosos) puede importar, sobre todo a aquellas personas más interesadas por este aspecto de las obras de ficción, pero se podría perdonar si el mentado guión cumpliese. La primera parte era otro disparate histórico y era aún así una buena película en su género.

Esta secuela en cambio ya no tiene ni pies ni cabeza. Los personajes nuevos no tienen el carisma que tenían los antiguos salvo el de Denzel Washington, que siempre lo borda (aunque su trama sea una chorrada), y los pocos de los primeros que vuelven han perdido toda su fuerza.

La trama es, en su primera hora, un "remake encubierto" de la primera parte y, en su segunda hora, un batiburrillo de hechos metidos a trompicones, de forma apresurada y de cualquier manera, para justificar una conspiración palaciega de andar por casa y una batalla final de andar por casa. Para colmo, en toda esta segunda hora el ritmo cae en picado por tanta indefinición.

¿Las escenas del coliseo cumplen? Pues creo que tampoco especialmente. Aunque hay nuevas, como la "naumaquia" (la batalla naval), resultan todas descafeinadas y en comparación con las de la primera entrega no inspiran nada de miedo, ni de emoción, ni de espectacularidad. 

En fin: "Gladiator II" es un despropósito. De los grandes y de los tristes. No funciona prácticamente nada en ella: sólo lo visualmente bonita que es, marca de Ridley Scott. El resto es un hundimiento total y absoluto.

jueves, 21 de noviembre de 2024

HASTA EL ÚLTIMO HOMBRE. UNA PATRIOTADA, SÍ, PERO MUY BIEN RODADA Y NO EXCESIVA

HASTA EL ÚLTIMO HOMBRE de Mel Gibson - 2016 - ("Hacksaw Ridge")

Diez años tardó Mel Gibson en volver a ponerse tras las cámaras desde la genial "Apocalypto", y volvió con su amado género histórico y en concreto esta vez con el bélico. 

Aunque hay que decir antes que nada que "Hasta el último hombre" es una patriotada con mensaje religioso, también hay que decir que está muy pero que muy bien dirigida y que, si bien tiene los mensajes que tiene, tampoco abusa el director demasiado de ellos. Ni el mensaje patriotero es cansino más allá de lo esperable ni el religioso es proselitista a lo bestia. 

En fin, cada cual tiene derecho a transmitir también las ideas que le de la gana, pero si las transmite con dignidad y sin demagogias baratas, mejor. 

Un magnífico Andrew Garfield es un joven que quiere luchar a toda costa por su país durante la Segunda Guerra Mundial pero cuyo credo religioso le impide tomar un arma: su encaje en el ejército va a ser difícil y va a estar lleno de obstáculos. 

Mel Gibson retrata el tesón, la cabezonería de este joven y su lucha por ir a la guerra sin luchar pero para ayudar como médico en el terreno. Todo se presta a interpretaciones ambiguas, y lo cierto es que el filme, si bien como he dicho es una patriotada, también tiene un mensaje antibelicista claro, representado en el padre del protagonista (un excelente como siempre Hugo Weaving), que vive traumatizado y lleno de odio por haber perdido a todos sus amigos en la Primera Guerra Mundial y, también, en el hecho de que los japoneses rivales de los estadounidenses son retratados en toda su brutalidad pero sin maniqueísmo, pues se deja claro en varios segmentos del filme que ellos también son víctimas de su sociedad dictatorial, belicosa y represiva.

Parece llegar "Hasta el último hombre" a la conclusión de que la guerra es algo horrible pero que a veces es inevitable y que en esos momentos hay que luchar o ayudar al país de cada uno como cada uno pueda. Que cada cual saque su conclusión. 

El resto está como he dicho muy bien rodado. La ambientación es excelente, los actores están muy bien todos, el inserto documental final cumple sin ñoñerías ni bobadas y, sobre todo, las escenas bélicas son de alto voltaje: el mejor Mel Gibson director se luce aquí y brilla en unos momentos brutales, sin concesiones, dolorosos, tensos y muy sangrientos y realistas.

Al filme le sobran tal vez veinte minutos de metraje (se hace algo largo y se repite en su final, pienso) y tiene una última batalla que se pasa un pelín con el mencionado asunto del patrioterío azucarado. Sin embargo, es en todo momento una propuesta buena de un director que empezó exclusivamente como actor y que sabe siempre hacerse respetar tras las cámaras.