RESERVOIR DOGS. LA FULGURANTE ÓPERA PRIMA DE QUENTIN TARANTINO

RESERVOIR DOGS de Quentin Tarantino - 1992 - ("Reservoir Dogs")

Película negra completamente desprejuicidada y clave en la renovación del género a principios de los años noventa, "Reservoir Dogs" fue la ópera prima de Quentin Tarantino y una de las cintas más influyentes de las últimas décadas a todos los niveles. 

Producida por Harvey Keitel y rodada con un muy modesto presupuesto en un escenario prácticamente único, narra el filme la historia de un atraco frustrado que precipita un terrible juego de relaciones personales entre los que lo han perpetrado que, a pesar de su enorme carga cómica (negra y sádica hasta límites insospechados) termina desembocando en una tragedia con el asunto de la traición y de su relación con el deber y el honor de fondo. 

A través de flashbacks que ordenan y desordenan la agilísima trama, el espectador va reconstruyendo lo que realmente ocurrió mientras no para un segundo sumido en una intriga excelentemente desarrollada  y dosificada.

Los personajes, todos geniales y tremendamente reales, se mueven a través de diálogos completamente triviales y a menudo tremendamente soeces y desquiciados que, homenajeando a todo lo que homenajea siempre Tarantino (desde la música hasta las drogas pasando por el propio cine, la serie B, el sexo, las armas o la comida basura), describen a los personajes a la perfección demostrando el poderío en economizar medios escasos del entonces jovencísimo director (esto unido al hecho de no rodar el atraco, lo que otorga más suspense al conjunto). 

Mientras, las escenas para el recuerdo se suceden: la primera conversación en la cafetería, la asignación de alias a los protagonistas, la brutal tortura al ritmo de "Stuck in the middle with you" y el baile del señor Rubio, la persecución por las calles a tiros, el "duelo mexicano" final... 

Por supuesto, todo esto no habría sido posible sin las soberbias actuaciones de todo el reparto del filme, que brilla con luz propia: Harvey Keitel, que se reservó un papel; Tim Roth, Michael Madsen, Steve Buscemi, Chris Penn, Laurence Tierney y el propio Tarantino, que como hace a veces se reserva también, valga la redundancia, un pequeño papel secundario. 

El de Quentin es sin ninguna duda uno de los debuts más importantes de los años noventa. Tras él, "Pulp Fiction" terminó de encumbrarle. Esta otra obra maestra la comentaré en las próximas semanas.

EL LABERINTO DEL FAUNO. UNA PRECIOSA Y DURA PELÍCULA FANTÁSTICA

EL LABERINTO DEL FAUNO de Guillermo del Toro - 2006 - ("El laberinto del fauno")

“El laberinto del fauno” es una película que hay que ver, exclusivamente, como una película fantástica, olvidando por completo su trasfondo histórico. Al igual que hizo Steven Spielberg en la primera y en la tercera de las aventuras de su Indiana Jones, Guillermo del Toro ambienta esta película en una etapa turbulenta de la historia de un país para contar un cuento de buenos y de malos con elementos fantásticos. 

"El laberinto del fauno", rodada por el director mexicano entre las dos partes de "Hellboy", es una historia en la que, una vez más, se dan la mano la realidad y la fantasía hasta confundirse por completo. Una niña, sumergida en un ambiente hostil que detesta, conoce a un fauno que le propone una serie de pruebas que ha de superar para volver a su reino de fantasía. Mientras, en la profundidad de los bosques y dentro de la propia casa de la niña, se enfrentan los ganadores de la guerra contra los perdedores que se niegan a huir del país. 

La cruda realidad aparece representada por esta lucha, además de por el personaje de Sergi López (genial actuación), un sádico franquista homenaje a los clásicos sádicos nazis que tanto hemos visto en otras películas. Los actores y las actrices son excelentes, aunque López destaque por encima de todos/as por su llamativo papel. 

Los efectos especiales son por otra parte geniales; el fauno es otro homenaje: a la vieja animatrónica, así como las hadas-insecto (¿por qué me recuerdan a los monstruitos de películas mitológicas clásicas como “Jasón y los Argonautas”?). Por otra parte, el aterrador ser de la mesa de la comida tiene muchos parecidos con algunos de la Alicia de Lewis Carroll, a la que Ofelia, la protagonista, homenajea (el filme es casi un homenaje constante a viejos mitos de siempre).

La ambientación está también muy conseguida, y mezcla, como es habitual en Del Toro, la poesía propia de los cuentos de hadas con una brutalidad y una violencia realistas completamente descarnadas (hay algunas escenas que no las catalogaría aptas para niños). El ritmo es aceptable, aunque por momentos tenga baches. 

"El laberinto del fauno" es, valga la redundancia, una fantástica película fantástica en todos los aspectos, con una personalidad visual preciosa y personalísima y con incógnitas 

DON QUIJOTE DE ORSON WELLES. UNA RAREZA MONTADA POR JESÚS FRANCO

DON QUIJOTE DE ORSON WELLES de Orson Welles y Jesús Franco - 1992 - ("Don Quijote de Orson Welles")

Estamos ante una de esas películas cuyo acabado final es tremendamente polémico: "Don Quijote de Orson Welles". El director, amante del clásico de Miguel de Cervantes, había acariciado el proyecto desde los años cincuenta y, de hecho, empezó a rodarlo. En marzo de 1969, por desgracia, tuvo que paralizarlo porque el actor Francisco Reiguera, que interpretaba al hidalgo manchego, murió. Y aquí se quedó la película, engrosando la larga lista de proyectos sin terminar que el director acumuló a lo largo de toda su vida artística frustrada. Esto a muy grandes rasgos.

En 1992, con Welles ya fallecido, el incombustible Jesús Franco realizó un montaje con lo que había del filme y se publicó la película con el nombre que hoy le conocemos, que tuvo en 2008, hace relativamente pocos años, otra versión con otro montaje. 

En fin, ¿qué podemos esperar de una película así? Pues las reacciones son mixtas: para algunos es la obra maestra perdida de Welles y para otro es un truño infame perpetrado por Franco, un director que, en paz descanse, empezó bien su carrera (haciendo un cine que en su día en España no se hacía, todo hay que reconocérselo) pero que terminó sus días (y sus últimos veinte años laborales) rodando de forma compulsiva toda clase de porquerías infumables. 

Para mi "Don Quijote de Orson Welles" es bastante intragable, a pesar de que le reconozco el mérito a Franco de haber intentado montarla.

La película presenta a Don Quijote y a su inseparable Sancho Panza viajando por la España de los años cincuenta y sesenta. Se traspasa la obra a su momento contemporáneo y se intuye que Welles, fascinado por la cultura española desde siempre, trataba de retratar nuestro país con su idiosincracia y sus problemas y establecer paralelismos con la España de Cervantes. 

Se intuye, claro, porque la película, montada o no por Jesús Franco, está incompleta. Y la verdad es que nos enteramos de poco y nos importa menos su colección de escenas inconexas y el conjunto se hace bastante soporífero. 

No se puede considerar este filme un filme de Orson Welles ni tampoco de Jesús Franco, que según leo siempre aseguró que siguió las indicaciones estrictas que había dejado Welles para montar la trama. Estamos ante una de las grandes rarezas de la historia del cine. Para los completistas o fans de las adaptaciones literarias puede tener algún interés, pero aún así la película se hace difícil de ver y está, como he dicho, incompleta. En su metraje, en su mensaje, en sus intenciones. 

La comento aquí porque, desde luego, es parte recuperada de la filmografía del director de "Ciudadano Kane", que ya tras este filme fallido se despediría del cine con su inolvidable "Fraude" en 1973 antes de dejarnos definitivamente en 1985.

EL DIABLO SOBRE RUEDAS. EL GENIAL Y SALVAJE DEBUT DE STEVEN SPIELBERG

EL DIABLO SOBRE RUEDAS de Steven Spielberg - 1971 - ("Duel")

Empezamos a comentar la filmografía de Steven Spielberg en orden en este blog (aunque realmente ya están en esta etiqueta las sagas de Indiana Jones y "Parque Jurásico") y empezamos con su primera gran obra larga, esta fascinante mezcla de película de terror, de western y de acción que es "El diablo sobre ruedas" (de título original más adecuado "Duel").

El debut de este gran director está basado, por si fuera poco, en un relato (o más bien novela corta) de otro grande: de Richard Matheson. Un maestro a la hora de traspasar la inquietud y el horror a la cotidianeidad para destrozarla por completo. Y de ambos creadores no podía sino surgir esta obra maestra.

"El diablo sobre ruedas" era originalmente un telefilme de la ABC que se emitió en las televisiones en 1971 pero que, debido a su gran éxito, fue llevado a las salas de cine al año siguiente y con una duración ampliada.

La ópera prima de Spielberg es un ejemplo de economía de medios de toda clase: económicos, narrativos e interpretativos. Económicos porque fue rodada con un presupuesto ínfimo que se aprovechó hasta la última moneda. Narrativos porque en una hora y veinte minutos cuenta una historia magistral, concisa y potente hasta lo increíble. E interpretativos porque apenas hay un protagonista (visible), un Dennis Weaber sufriente que borda un auténtico papelón.

"El diablo sobre ruedas" narra, a modo de western, un duelo de un coche contra un camión cisterna en las carreteras de los USA profundos. Es un western de terror, porque describe un microcosmos asfixiante y angustioso de locura, insolidaridad y violencia que pone los pelos de punta y que conecta perfectamente con ese realismo viciado en el que de repente entra lo delirante de Richard Matheson, y es también una frenética obra de acción rodada con planos audaces, electrizantes, que captan una tensión y un horror que se pueden palpar.

Lecturas, intencionadas o no, tiene muchas: el estrés de la carretera, la violencia atávica de los Estados Unidos, la cerrazón del americano medio, la crítica a una cultura competitiva en exceso que se acaba desmadrando por completo, el pasotismo cruel de los pueblos del país ante los problemas ajenos... Pasen e interpreten.

La ambientación, realista y polvorienta, consigue contribuir a crear la sensación de desazón que el filme mantiene de principio a fin, y la banda sonora de Billy Goldenberg pone de verdad de los nervios. Los efectos especiales, para el presupuesto que había disponible, son magníficos y terminan de redondear esta imprescindible obra maestra de sus géneros con la que comienza una de las carreras más importantes de la historia del cine.

OH, BROTHER! PARA MÍ, UNA PELÍCULA FLOJA DE LOS HERMANOS COEN

OH BROTHER! de Joel Coen - 2000 - ("Oh Brother, Where Art Thou?")

Me encanta el cine de los hermanos Coen. Lo primero, afirmar esto. Y además, es algo que ha quedado bien patente en las críticas que hasta ahora he hecho de sus películas en este blog. Y, sin embargo, "O Brother", una de sus obras que más críticas (valga la redundancia) dispares ha cosechado hasta la fecha, me parece una de sus creaciones más flojas en todos los aspectos. 

Para muchos está sobrevalorada y para otros tantos está infravalorada (sólo hay que leer en internet sobre ella: la disparidad de opiniones es bestial, y además entre fans y no fans de los dos hermanos). En última instancia, cada persona es hija de su padre y de su madre y, en última instancia, y por mucho que intentemos justificar nuestras decisiones, una obra artística del tipo que sea nos parece buena si nos gusta y nos parece mala si no nos gusta. 

Y aunque no me parece una mala película, ojo, "O Brother" a mi, simplemente, no me llega, no me gusta tanto como otras de sus creadores. Me descojono con "Arizona Baby", adoro el humor de "Barton Fink" y "El gran salto", idolatro a "El gran Lebowski" (nunca, nunca, nunca me canso de verla) e incluso me río, y bastante, con comedias menores de Joel e Ethan como su remake de "Ladykillers" o "Quemar después de leer". Pero con "O Brother" me pasa lo que me pasa con la que considero el peor filme de los Coen: "Crueldad intolerable"; no puedo decir que sea malo, porque no lo es, pero su humor no me llega, lo siento.

Esta versión de la mítica "La Odisea" de Homero traspasada a los no menos míticos Estados Unidos de la Gran Depresión no me hace de reír, y la he visto más de una vez por mi amor por los Coen. 

Los personajes me resultan tontorrones, alejados de la imaginación inteligente que despliegan los de obras anteriores de sus creadores, y las situaciones, aparte de estar bastante difuminadas en lo que es su relación con las vividas por el héroe griego Ulises (leñe, reconozco pocas, bastante pocas, y conozco bien "La Odisea"...), me resultan tan surrealistas y a veces tan gratuitas que llegan a carecer de gracia. 

Por otra parte, le reconozco al filme sus diálogos acertados, sus buenas actuaciones (el reparto está excelente, como siempre), su fantástica ambientación cargada de "realismo mágico", su agudo ojo crítico revisionista de la historia de los USA, su mensaje antiracista y su buen hacer general. Pero no me hace gracia, punto. Sí, soy un mal crítico, pero es lo que hay. La comedia es el arte más personal que existe, y lo que a unos divierte puede irritar a otros.

SIN NOVEDAD EN EL FRENTE. UNA MAGNÍFICA VERSIÓN ALEMANA DEL CLÁSICO BÉLICO

SIN NOVEDAD EN EL FRENTE de Edward Berger - 2022 - ("Im Westen nichts Neues")

Ésta es la primera versión que he visto de "Sin novedad en el frente". Me falta todavía la mítica de Lewis Milestone de 1930 (que me comentan que es una auténtica pasada) y la televisiva de 1979. Tal vez mi crítica de hoy venga sesgada por ello, pero no se puede estar en todo.

Esta "Sin novedad en el frente" de Edward Berger, alemana y del recién cerrado 2022, me ha parecido una película bélica fantástica. Dura, muy dura, y que suma, a los habituales lugares comunes (reales y que por desgracia ocurrieron) del género bélico, varios hechos absolutamente monstruosos que tuvieron lugar durante la Primera Guerra Mundial, mucho menos retratada en la ficción en general que la Segunda pero igualmente cruenta y brutal.

Volvemos a tener la historia clásica de un grupo de jóvenes soldados (alemanes también) que se alistan felices y eufóricos pensando en el honor y en la gloria y en el aplauso de la patria y que se encuentran en el campo de batalla con el habitual catálogo de horrores (y estamos aquí en las tristemente célebres trincheras, auténticos infiernos en vida).

"Sin novedad en el frente" se centra, no obstante, en los últimos días de la mencionada Gran Guerra. Incluso, es más, se centra en sus últimos instantes. Su novedad grande está en retratar la lentitud de un armisticio que tardó demasiado en llegar y en ser efectivo y que fue firmado por unos mandos militares y políticos desaprensivos y soberbios que no tuvieron en cuenta nunca que cada minuto que tardaban en hacer efectivo dicho armisticio más hombres morían en el frente.

Junto a las habituales escenas bélicas, junto al clásico y necesario y horrible retrato de la muerte, del dolor, del terror o de la enfermedad, encontramos el de una burocracia lenta y deshumanizada y el de unos altos cargos llenos de orgullo idiota que juegan con una desaprensión espeluznante con vidas ajenas a millones.

Este filme adquiere un nuevo prisma sobre el patriotismo absurdo y la soberbia castrense que hasta ahora yo no había visto. En su media hora final se lo encontrarán, y alucinarán con tanta, con tantísima estupidez humana. 

Hay, también, un anticipo crítico del porqué en las siguientes décadas surgiría en las tierras germanas un monstruo como Adolf Hitler. Tras la Primera Guerra Mundial, los perdedores fueron humillados de una forma brutal y, por supuesto, fue esencialmente el pueblo quién pagó la mayor parte de los platos rotos, hecho que aprovecharon los nazis.

El resto es lo habitual, y está magníficamente rodado. Edward Berger, curtido en series alemanas y americanas, nos deja un escenario esplendoroso en todo su horror y montones de escenas para el (triste) recuerdo de una crudeza sin par. Además, el reparto está en estado de gracia. Muy recomendable retrato del absurdo de toda contienda es esta versión de "Sin novedad en el frente".

LA LEY DEL MÁS FUERTE. UN BRUTAL RETRATO DE LA DROGA DE LA VIOLENCIA

LA LEY DEL MÁS FUERTE de Scott Cooper - 2013 - ("Out of the furnace")

"La ley del más fuerte", la segunda película de Scott Cooper, es tan buena como la primera, "Corazón rebelde", y también es, por desgracia, bastante desconocida en líneas generales. 

Nos pasamos ahora al género negro, en el que el director continuaría con "Blackmass. Estrictamente criminal", y tenemos una clásica historia de hermanos problemáticos que viven en un ambiente marginal y que recurren a la violencia, a veces por obligación y a veces no, para salir adelante tanto física como emocionalmente. 

Uno es un genial Christian Bale y otro un igualmente magnífico Casey Affleck. El primero trata de llevar una vida normal pero el fatalismo de su pobreza endémica le hace caer una y otra vez en situaciones inevitables que le marcan para toda la vida. El segundo ha vuelto de la Guerra de Irak y es incapaz de renunciar a su vida de sangre y lucha, a pesar de que precisamente ha vuelto del conflicto completamente traumatizado. 

"La ley del más fuerte" es un retrato social sobre la crisis económica de 2008-2014 que incide especialmente en el círculo de la violencia que nunca termina. Hay causas que lo precipitan, como la pobreza o la falta de oportunidades que hacen que alguien se vea obligado a ser soldado o vea cómo su trabajo de toda la vida se va al carajo porque trasladan su fábrica a la hiperbarata China, pero en última instancia es la propia violencia la que engendra más violencia en una espiral interminable. 

El personaje de Woody Harrelson, que está por cierto soberbio, es una personificación de esta violencia desenfrenada, enfermiza, que contamina todo lo que hay a su alrededor. Es la violencia que siempre está ahí, de la que no se puede escapar aunque uno quiera y aunque a uno las cosas le vayan mejor, y lo curioso es que él ama esta mencionada violencia tanto como el personaje de Cassey Affleck, que después de todo no puede vivir sin ella porque no puede dejar de ejercerla.

En este sentido, el filme es una muestra de cómo a pesar de estar "domesticados" por normas y enseñanzas sociales de convivencia básica, no podemos renunciar a ciertos impulsos. Luego llegan el odio y la venganza. 

Siendo una película en la que la última crisis económica global está presente, creo que falla ligeramente en dotar finalmente a esta crisis de menos importancia de la que tiene en la trama. Sin embargo, esto no malogra una película magnífica en todos los demás aspectos. 

Los secundarios están excelentes también (Forest Whitaker, Willem Dafoe o Zoe Saldana divinos todos) y Scott Cooper sabe otorgar al conjunto una dirección sobria, brutal, sucia, muy realista y en la que el paisaje de desmembramiento industrial mezclado con naturaleza cataliza el comportamiento de los protagonistas. Muy destacada película que como he dicho es, por desgracia, bastante poco conocida.

LOS ARCHIVOS DE VAN HELSING. UNA GENIAL RELECTURA HISTÓRICA DEL MITO DE DRÁCULA

LOS ARCHIVOS DE VAN HELSING de Xavier B. Fernández - 2019 - ("Los archivos de Van Helsing")

Conocí a Xavier B. Fernández por un western: "El Infierno y Texas". Lo leí y lo comenté en este blog el pasado verano (y en esta etiqueta está) y me pareció un magnífico relato del salvaje oeste más pulp con una eficaz y carismática mezcla de géneros. 

"Los archivos de Van Helsing", novela anterior a ésta y más ambiciosa (y finalista del XXII Premio de Novela Fernando Lara), me ha gustado todavía más y me ha parecido uno de los homenajes al mito de Drácula (en su título se puede ya saber de qué va a ir la cosa) más entrañables, divertidos, documentados e imaginativos que he disfrutado.

Xavier B. Fernández narra, en tono epistolar (como buen homenaje, valga la redundancia, a la novela de Bram Stoker) y usando cartas, notas, relatos o archivos la historia del mencionado Drácula y de sus rivales los Van Helsing desde los inicios de ambos en los años en los que el Imperio Otomano trataba de entrar en Europa hasta los días anteriores a la crisis económica mundial de 2008-2014.

De la mano de la narrativa directa y detallada del autor, que utiliza muy bien las primeras personas de diversos caracteres que se cruzaron en la vida del célebre conde vampiro y de sus enemigos, vamos a ir armando un retrato tanto histórico como político y social de todo lo que se movió a su alrededor.

La fantasía se mezcla con los personajes reales y la historia ficción entra en hechos que reciben una vuelta de tuerca imaginativa y a veces hasta chispeante por parte de Xavier B. Fernández. Vamos a visitar los reinos cristianos y musulmanes de la Edad Media y el Renacimiento, y vamos a ir también a las Guerras Napoleónicas, a la Segunda Guerra Mundial o a la era de la locura bursátil y tecnológica actual. 

"Los archivos de Van Helsing" es una sorpresa constante y una sonrisa tras otra. Desde Napoleón a Bela Lugosi pasando por Hitler o por la terrible condesa Erzsébet Bathory vamos a ir conociendo las vivencias o las opiniones de su tiempo de estos personajes. Los hechos reales están muy bien integrados por el escritor en su trama fantástica y de terror.

Esta novela tiene más de 500 páginas y puedo asegurar desde ya que se pasa en un vuelo. Se devora. Es pura diversión y, además, es documentación dura (sin que se caiga en ningún momento en el aburrimiento). Y hay crítica social también, especialmente en la parte final, la que enlaza con nuestros días. Extremadamente recomendable relectura de un mito de la cultura popular mundial.

EL SOSIAS DE MOMPRACEM. EL PIRATA SANDOKÁN SE ENCUENTRA CON KAFKA

EL SOSIAS DE MOMPRACEM de Damián Cordones - 2022 - ("El sosias de Mompracem")

El año pasado se cerró con una nueva editorial abierta, Ravissante, y con una nueva novela de Damián Cordones para abrirla: "El sosias de Mompracem". Esta novela me ha parecido una delicia y, además, viene de un escritor que nunca defrauda y de un proyecto literario que espero que tenga un larguísimo recorrido.

Conocemos bien a Emilio Salgari y las tristes circunstancias de su muerte. A pesar de haber sido uno de los grandes escritores de aventuras de su país, Italia, y de la historia, nunca salió de la pobreza y, además, tuvo que pelear contra la locura de su esposa y contra su propio desequilibro psicológico derivado de toda esta situación.

El 25 de abril de 1911 se quitó la vida y dejó varias cartas. La dedicada a sus editores lo dice todo en esta frase: "A vosotros, que os habéis enriquecido con mi piel, manteniéndome a mí y a mi familia en una continua semimiseria o aún peor, sólo os pido que, en compensación por las ganancias que os he proporcionado, os ocupéis de los gastos de mis funerales. Os saludo rompiendo la pluma. Emilio Salgari". 

"El sosias de Mompracem" es un homenaje a Salgari desde uno de sus personajes más célebres: el pirata asiático Sandokán. También lo es desde su primera novela: "Los tigres de Mompracem".

Damián Cordones toma al personaje, toma a su escritor y toma las reglas literarias para subvertirlas y crear la aventura alucinógena de un sosias, una "persona que tiene parecido con otra hasta el punto de poder ser confundida con ella", del mencionado Sandokán (que abre debates sobre si es el mismo pirata malayo o no).

Cordones es filósofo y profesor de filosofía, y en sus libros, muchas veces enigmáticos y sugerentes, alegóricos o simbólicos, explora diversos asuntos relacionados con esta disciplina.

En "El sosias de Mompracem" veo referencias a la identidad, a la metaficción, a los sueños, a la relación entre la realidad y la invención y también a la amistad, al amor y a la propia literatura. 

Todo ello viene envuelto en un relato como he dicho de aventuras, pero de aventuras kafkianas. Porque esta nueva novela del escritor jiennense es como meter en una coctelera al mencionado Salgari con el autor de "La metamorfosis". Las peripecias de este sosias de Sandokán son como he dicho alucinógenas, psicodélicas incluso, y nos hacen viajar por un delicioso mundo de piratas, barcos, colonialismo inglés, extraños pueblos, monstruos o inframundos con sus propias reglas.

El estilo de Cordones es como siempre preciso: da en el clavo en cada descripción con limpieza y con precisión pero sin renunciar a la metáfora con relieve, a los recursos que se pueden tocar o que crean un ambiente que se derrite sobre quien lee la novela.

"El sosias de Mompracen" es subyugante y sugerente, compleja y adictiva, y lanza montones de preguntas y homenajes a la literatura que es el germen de todo lo fantástico, aventurero o incluso de ciencia ficción que leemos hoy. 

M3GAN. UNA PELÍCULA DE MUÑECA DIABÓLICA DIGNA Y MUY ENTRETENIDA

M3GAN de Gerard Johnstone - 2022 - ("M3GAN")

Fui a ver "M3GAN" con pocas expectativas. Pensaba en que iba a ser una típica película de terror de tres al cuarto para pasar el rato (que era también lo que quería: no iba a la cinemateca a ver una de Ingmar Bergman) y me encontré con algo verdaderamente digno.

Gerard Johnstone es un director que ha incursionado en la comedia, en la aventura y en el terror en películas como "Housebound" o series como "Terry Teo" o "Las nuevas leyendas de Mono" (rodadas en su Nueva Zelanda natal) y esta obra es la primera que realiza en los Estados Unidos.

"M3GAN" es una película de terror que no inventa nada, pero que, y esto es importante dado que estamos ante uno de los géneros más devaluados que hay, no da gato por liebre y va de lo que es: no pretende revolucionar su género pero sí darle un buen rato de dignidad.

El filme recupera las historias, tan populares en décadas anteriores como la de los ochenta, de muñecos diabólicos. Sólo que ahora, como corresponde a nuestro tiempo, metemos de por medio a la tecnología punta y desbocada que para bien y también para mal está marcando nuestro día a día desde hace décadas.

"M3GAN" no tiene un gran desarrollo de personajes (ni siquiera a pesar de que hay trauma gordo de por medio) y tampoco una trama maravillosa. Estos dos errores son patentes desde el principio. No obstante, el resto cumple bastante bien.

Estamos ante una película entretenida, efectiva, con sustos bien hechos, con escenas de violencia potentes, con ritmo bien medido, con algún toque de humor que no desentona y con bastantes lecturas que a pesar de ser superficiales son interesantes sobre la sociedad ultracompetitiva de los USA, la inteligencia artificial o la adicción de niños y adultos a la mencionada tecnología.

Gerard Johnstone no inventa la pólvora, pero entrega una cinta dignísima, que sugiere con solvencia aunque se quede como he dicho en lo básico, que no aburre en ningún momento y que sabe jugar bien sus cartas y sus homenajes. Recomendable.

LA FAVORITA. YORGOS LANTHIMOS TRIUNFA EN SU PRIMER DRAMA DE ÉPOCA

LA FAVORITA de Yorgos Lanthimos - 2018 - ("The Favourite")

Yorgos Lanthimos sale por primera vez de su zona de confort con "La favorita", en la que se introduce en el drama de época, al que aporta, eso sí, su sello siempre particular. 

El griego me parece un director bastante irregular: adoro "Canino", su mejor película con mucha diferencia, pero "Langosta" me parece fallida, "El sacrificio de un ciervo sagrado" también fallido y "Alps" un puro bodrio. Este filme, sin embargo, creo que es, verdaderamente, muy destacado, en parte también gracias a un trío de ases de actrices que está especialmente soberbio. 

Lanthimos se adentra bien en el cambio de género y rueda una exquisita comedia negra (muy negra y muy extravagante) ambientada en las dependencias reales de Inglaterra en el siglo XVIII en el que vuelve a explorar, ya de forma más convencional pero totalmente efectiva, las relaciones entre el poder, el sexo, el amor, la familia, la amistad, la hipocresía social y sus convencionalismos. 

Dos mujeres luchan encarnizadamente en la corte para ganarse el favor de la reina, muy debilitada y a merced de las intrigas de la nobleza y de los estamentos ricos. Cada cual tiene sus intereses, y sus claroscuros, y ambas resultan por momentos personas repulsivas pero por momentos también comprensibles. No hay maniqueísmos en "La favorita".

Estas dos mujeres son una Rachel Weisz inmortal y una Emma Stone soberbia. Me cuesta decidirme por una, porque las dos están absolutamente inolvidables en sus papeles, brutales y crueles, pero también desvalidos y poderosamente humanos. Olivia Colman está también increíble como la reina, y transmite puro desasosiego, puro terror y cansancio vital. 

Yorgos Lanthimos las lleva a las tres de un lado a otro, azotadas por el azar de los acontecimientos, por el sentimentalismo que a veces domina a la política, por la pesadez de tener que salir adelante en una sociedad asquerosamente clasista y encima tener que mirar por un país de idiotas sumergido en una guerra absurda. 

"La favorita" es visualmente preciosa: la ambientación está clavada, y la riqueza de escenarios y vestuarios es impecable. Además, a veces es retratada con cámaras que no concuerdan con la época pero que dan efectos novedosos, inquietantes, enrarecidos. Y su narración está surcada de escenas dramáticas cargadas de sadismo pero también de escenas cómicas muy absurdas, surrealistas incluso, y a veces desternillantes entre tanta inquina palaciega. Muy buena película es la nueva de este siempre sorprendente, para bien y para mal, director griego.

EL LUCHADOR. UN INOLVIDABLE E HISTÓRICO DRAMA SOBRE LA REDENCIÓN Y LA DERROTA

EL LUCHADOR de Darren Aronofsky - 2008 - ("The Wrestler")

Darren Aronofsky, después de la en mi opinión fallida "La fuente de la vida", cambia radicalmente de registro tanto argumental como estético para recuperarse de una manera espléndida y regalar la que tal vez sea, desde mi punto de vista por lo menos, su mejor obra hasta la fecha. 

No sólo se recupera con "El luchador" el propio Aronofsky, sino que también lo hace definitivamente Mickey Rourke, ese enorme actor que prácticamente llevaba décadas olvidado a causa de numerosos problemas tras haber regalado grandes papeles como los que interpretó en "Diner", "Manhattan Sur", "La ley de la calle", "El corazón del ángel" o "El borracho". 

Aronofsky rueda un drama sobre la derrota desolador y descorazonador en el que un luchador de lucha libre profesional, tras conocer la fama y el éxito en la década de los ochenta, malvive en nuestros días como una vieja gloria de trabajos esporádicos tanto dentro como fuera del ring; el mundo para el que tanto significó le ha dado de lado y le ha relegado a un injusto segundo plano y, además, se ha quedado solo, muy solo. 

La culpa en este último aspecto también es suya, y por eso va a intentar redimirse: su vida solamente podrá volver a tener sentido si recupera a su joven hija (Evan Rachel Wood), a la que abandonó cuando estaba en su mejor momento, y si vuelve a encontrar el amor en la stripper Cassidy (una soberbia Marisa Tomei), una vieja perdedora que como él también malvive como puede.

En el camino hacia la redención de "The Ram" hay sin embargo varios problemas; la propia inconstancia del luchador, la fatalidad a la que parece estar condenado y su cuerpo, que está severamente resentido y que puede matarle si vuelve al ring para recuperar lo que perdió. 

Aronofsky realiza, por medio de una puesta en escena de aire casi documental, sobria y directa (que a menudo sigue al luchador desde sus espaldas), un magistral retrato del fracaso y de la redención en el que Rourke, que sabe muy bien lo que significan ambas cosas (cayó en desgracia como actor y como boxeador a principios de los noventa y se encontró solo en la vida hasta que volvió a resurgir en películas tan dispares como "Sin City", "Domino", "Los mercenarios", "Iron Man II", "Inmortals" o ésta misma cinta), borda el que posiblemente sea el papel de su vida, el papel que ha vuelto a traerle definitivamente de entre los muertos. 

"El luchador", homenaje cargado de referencias culturales a la ahora tan de moda y "retro-guay" década de los ochenta (el personaje está completamente anclado en ella -incluso aún usa cintas de cassette y juega a la vieja Nintendo NES de 8 bits-), es una película sobre perdedores y sobre un nuevo fracaso del sueño americano que ya ha pasado a la historia.