viernes, 29 de marzo de 2024

SENTIDO Y SENSIBILIDAD. LA OBRA GENIAL E IRÓNICA CON LA QUE DEBUTÓ JANE AUSTEN

SENTIDO Y SENSIBILIDAD de Jane Austen - 1811 - ("Sense and sensibility")

"Sentido y sensibilidad", publicada por Jane Austen en 1811 bajo el seudónimo "A Lady" (una dama), fue la primera de sus seis novelas y el inicio de una de las carreras más importantes de la literatura inglesa.

Perteneciente a la nobleza rural británica durante la Época Georgiana (1714-1837), el contexto y el ambiente que siempre retrató en sus obras, Jane Austen fue una mujer culta que recibió educación en un internado y que tuvo en su casa una gran biblioteca (además, toda su familia era lectora y su padre era un también culto párroco anglicano que obtenía ingresos extra de ser tutor de jóvenes a los que sus familias enviaban a educarse con él).

Publicada como he señalado en 1811, "Sentido y sensibildiad" nos muestra, como otras novelas de la autora, la vida de las clases altas y medias-altas rurales y la intrahistoria de un periodo convulso que, sin embargo, en parte del campo inglés no se sintió como tal, especialmente para quienes vivían en un mundo acomodado. 

Las Guerras Napoleónicas (1804-1815) estaban en su momento álgido mientras a la vez el Imperio Británico se extendía como nunca en sus acciones coloniales y experimentaba una revolución agraria que iba a acabar en la decisiva Revolución Industrial (que Austen no vería en todo su esplendor al morir en 1817 con tan sólo 41 años a causa de la enfermedad de Addison, también conocida como insuficiencia suprarrenal primaria).

En dichos años iba a empezar la burguesía a desplazar a la nobleza clásica, iba a comenzar un éxodo importante del campo a las ciudades y también una defensa intelectual de causas sociales como la abolición de la esclavitud o la construcción de orfanatos u hospitales para la gente más necesitada.

El borrador de "Sentido y sensibilidad" se llamaba "Elinor y Marianne", y leo en Internet montones de definiciones para el género de la novela que nos ocupa: desde novela de costumbres hasta novela romántica pasando por ensayo sobre la psicología humana. 

"Sentido y sensibilidad" narra la historia de dos hermanas, las mencionadas Elinor y Marianne Dashwood que, tras un revés de la vida, caen de la clase alta a la que pertenecían a una clase media que en parte las degrada ante la sociedad a la que aún pertenecen y viven en este justo momento dos historias de amor diferentes pero emparentadas.

Elinor es el sentido y Marianne es la sensibilidad. La primera es reflexiva y racional y la segunda es impulsiva y apasionada. La primera, también, aplica en exceso las normas sociales y a veces cae en la hipocresía (tal vez incluso de forma inconsciente) y la segunda, de la misma manera, llega a mostrarse en sus pasiones egoísta y desconsiderada con los demás. 

Se comenta mucho que Elinor puede haber sido Cassandra Austen, la única hermana de Jane, y que la propia Jane puede haber sido Marianne. ¿Tal vez? Sigue habiendo discusiones en torno a esto.

A través del periplo cotidiano de ambas viajamos por la intrahistoria de una época que normalmente conocemos casi exclusivamente por sus grandes hechos (las propias Guerras Napoleónicas o las aventuras -y el salvajismo- del colonialismo inglés). Con Austen sabemos cómo vivían, en la sosegada campiña inglesa, estas clases altas y medias que, privilegiadas en muchísimos aspectos, existieron ajenas a todo conflicto salvo de oídas y en muchos casos a toda pobreza extrema.

En este marco, la escritora nos habla de relaciones amorosas marcadas por las terribles reglas sociales de la época, que normalmente eran el principal escollo para montones de parejas enamoradas que se veían resignadas a no poder casarse si no había de por medio una cierta riqueza o una dote suficiente. En este ambiente proliferaba, evidentemente, el matrimonio de interés, elegido por padres y madres que desheredaban a sus hijos o hijas si no aceptaban lo que planificaban para su futuro.

La mujer de clase pudiente estaba encorsetada en la tarea de buscar un marido con dinero a toda costa para poder contentar a su familia y/o mantener el elevado nivel de vida que llevaba, consistente en llevar, valga la redundancia, una existencia ociosa de excursiones, comidas y fiestas. 

Normalmente esta mujer, antes de casarse, estaba al cargo de su padre o de sus hermanos y condicionada, como las propias hermanas Dashwood, a la herencia que el primero quisiera darles y/o en las ayudas que los segundos (a los que pasaba siempre la mayor parte de la mencionada herencia) quisieran prestarle (Austen y su hermana, al morir su progenitor, vivieron una situación como la de "Sentido y sensibilidad", aunque según leo sus hermanos fueron más generosos que el de la novela).

Además, la mujer debía ser educada para cumplir con sus cometidos de esposa y madre y obedecer a su marido y cultivar "talentos" sociales y artísticos con los que destacar.

Alrededor de este complejo e injusto contexto social gira la mencionada historia de Elinor y Marianne, historia que está sustentada en unos personajes profundos, con claroscuros, con dilemas que hoy, siglos después, son perfectamente reconocibles aunque haya cambiado tantísimo (por suerte) el mentado contexto (eso es otra cosa que hace grande a la escritora).

Jane Austen escribe de forma delicada, serena, cándida en apariencia a veces, pero llena de ironía. Su obra está salpicada de sentidos dobles, y en sus descripciones hay una agudeza social llena de matices que retrata el ambiente en el que le tocó vivir de una forma tan realista y humana como incisiva. Son sus creaciones de fondo didácticas como muchas de la época, pero el didactismo en ellas aparece con cosas que pasan de manera natural a sus personajes, no con sermones.

Todavía se discute si Austen era conservadora o no en su tiempo: se le ha echado en cara no tratar el sufrimiento de la guerra siendo muchos de sus personajes militares, el no crear personajes sirvientes o de clase obrera salvo secundarios muy secundarios, el no mencionar el colonialismo inglés de forma crítica o el perpetuar la subyugación de la mujer al hombre y a la institución del matrimonio.

Por otra parte, también hay quien señala que sus seres defienden tanto el matrimonio por amor como una educación liberal y racional para la mujer, que había quedado apartada de la revolución de la Ilustración, y que sus historias dan a los personajes femeninos unas libertades de elección que no eran habituales en la época. Ella misma, aunque tuvo sus coqueteos, amores de verano y pretendientes según leo, permaneció soltera hasta su temprana muerte.

Al contrario de lo que se piensa, que Austen vivió absolutamente aislada del mundo en su casa de campo, la autora viajaba a menudo al hogar de familiares y de amigos y también iba a menudo a fiestas, a comidas y a encuentros sociales. Y cuadra todo, porque sus personajes suelen asistir a estos eventos también a menudo.

Su biógrafa, Claire Tomalin, comenta que ella mientras escribía esta novela se sintió insegura sobre si debía triunfar el sentido o la sensibilidad. De una forma u otra, triunfan ambos finalmente en cada caso concreto, pero con sorpresas inesperadas.

"Sentido y sensibilidad" es un clásico imperecedero, avanzado para su época pienso yo (no se puede hablar de feminismo como tal en 1811 pero Austen ya sembró parte del camino en un tiempo en el que no era fácil hacerlo) y que sigue teniendo, hoy en día, personajes y sentimientos que no han perdido actualidad.

miércoles, 27 de marzo de 2024

CAZAFANTASMAS: IMPERIO HELADO. UNA ENTREGA ERRÁTICA Y POCO DESARROLLADA

CAZAFANTASMAS: IMPERIO HELADO de Gil Kenan - 2024 - ("Ghostbusters: Frozen Empire")

"Cazafantasmas: Más allá" fue, especialmente después del horrendo remake de 2016 que nadie había pedido, una revitalización nostálgica de la saga (no podía afrontarse de otra manera, pienso, como en el caso de la segunda "Top Gun" y de tantos retornos míticos) que estaba muy bien hecha, que no trataba de dar gato por liebre y que supo unir a varias generaciones a través de sus personajes.

"Cazafantasmas: Imperio Helado", ahora con Gil Kenan (director del remake de "Polstergeist" de 2015 y de "El chico que salvó la Navidad") tras las cámaras, no ha logrado, pienso, recuperar lo que hizo a la tercera entrega real tan digna. No puedo decir que sea horrible, pero tampoco que cumpla en un porcentaje óptimo.

A esta cuarta aventura de la saga le falta esencialmente, pienso, desarrollo de personajes, un villano con carisma y más definición en una trama que es muy errática.

No es que los caracteres de "Cazafantasmas", de ninguna de las películas, tengan una hondura abismal, pero en esta cinta en concreto los clásicos de los ochenta no aportan casi nada nuevo o destacable, los que vienen de la tercera parte apenas tampoco y los nuevos sencillamente no están desarrollados (y hay alguno que lo merecía debido a su importancia en la historia).

Por otra parte, el villano de turno es posiblemente el más flojo de todos hasta este momento. Que tampoco es que los anteriores fuesen profundos, ojo, pero sí tenían carisma y un acabado visual divertido que ha llegado a ser mítico. Éste Garraka es un espíritu maligno de hielo que es malo y poco más y que no tiene un diseño que se quede en la retina.

Finalmente, la trama del filme es, como he dicho, errática. Va de un lado para otro desplegando de forma irregular varios caminos descompensados, algunos interesantes y otros anodinos, para culminar en un desenlace que se extiende demasiado en un combate alargado en el que el conjunto pierde el ritmo.

Los efectos especiales cumplen y hay homenajes divertidos a las anteriores entregas, mientras que las escenas de acción son esencialmente solventes pero tampoco tienen gran imaginación.

"Cazafantasmas: Imperio Helado" se puede ver y entretiene, pero tiene un interés que sube y baja sin cesar y que se desinfla finalmente y muchas carencias que no la sacarán de la mediocridad. Es una lástima.

lunes, 25 de marzo de 2024

HÉROES HUMILDES. TRES PRECIOSOS CORTOS SOBRE PERSONAS MODESTAS Y VALIENTES

HÉROES HUMILDES de Hiromasa Yonebayashi, Yoshiyuki Momose y Akihiko Yamashita - 2018 - ("Ponoc Tanpen Gekijō: Chiisana Eiyū: Kani to Tamago to Tōmei Ningen")

"Héroes humildes" es una encantadora colección de tres cortometrajes del Studio Ponoc dirigidos por antiguos trabajadores del Studio Ghibli. La idea es presentar tres historias diferentes de tres autores diferentes sobre "varios héroes modestos de nuestro tiempo".

Los tres cortos me han parecido enteramente joyitas y, especialmente, el segundo y el tercero me han resultado preciosos prodigios pequeños animados (sin que el primero se resienta por ello tampoco, ojo).

Este mencionado primer cortometraje es de Hiromasa Yonebayasahi, tal vez el director más famoso de los presentes hasta este momento, autor de "Arrietty y el mundo de los diminutos", "El recuerdo de Marnie" y "Mary y la flor de la bruja". Se llama  "Kanini & Kanino" y me recuerda a la mencionada película de Arrietty: nos sumergimos en un mundo también de seres humanos diminutos que, en un ambiente mágico acuático, han de enfrentarse a la dureza de la vida y del cambio. 

Se trata de una bella historia de superación, de adaptación sin perder la esencia y de amor y entrega en la que destaca sobre todo la animación: sus parajes naturales son preciosos y, especialmente, el tratamiento del agua me parece una auténtica pasada.

El segundo, si bien tiene una animación menos espectacular (pero igualmente bella), tiene una trama mucho más interesante. Se llama "Life Ain't Gonna Lose" y narra una historia cotidiana en la que un niño con alergias peligrosas hace, simplemente, su día a día lleno de problemas y de restricciones. 

El director es Yoshiyuki Momose, y nos muestra una total llamada de atención sobre las personas diferentes que han de enfrentarse a retos que los demás no vemos pero que son verdaderamente titánicos y que pueden desestabilizar una vida hasta convertirla en un verdadero infierno. Una maravilla de cortometraje, muy necesario además.

El tercero y último es de Akihiko Yamashita y me parece otra joya. Se llama "Invisible" y narra la historia de un hombre invisible, valga la redundancia, que lleva una vida como es de esperar anodina en la que es sistemáticamente ignorado por todo el mundo.

Metáfora de traumas sugeridos, de soledad y de aislamiento, posiblemente sea, pienso, el mejor corto de la pequeña serie, tanto por su animación original y fluida como por sus escenas de acción o por su alegoría clara pero inteligente y conmovedora.

"Héroes humildes" es un magnífico tríptico sobre las personas que le dan título con tres trabajos imaginativos y excelentes que dan fe de que el Studio Ponoc es muy prometedor. Atento quedo a sus siguientes trabajos animados.

sábado, 23 de marzo de 2024

BALTO. UNA PRECIOSA PELÍCULA ANIMADA QUE HA QUEDADO INJUSTAMENTE OLVIDADA

BALTO de Simon Wells - 1995 - ("Balto")

"Balto" fue una de esas películas de los años noventa que, de manos de compañías como la Universal, trataban de emular el estilo de Walt Disney y que tuvieron una suerte y (no en este caso) una calidad irregular, como la propia "Rex, un dinosaurio en Nueva York", que produjo Steven Spielberg y que dirigió el mismo Simon Wells. 

Basada en la historia real de un perro conductor de trineos que salvó la vida de varios niños enfermos tal y como se cuenta en el filme, "Balto" es una película muy bella que ha sido bastante olvidada de forma, pienso, injusta. 

Sigue la estela de los clásicos de la mencionada Disney: personaje que lucha contra la adversidad y se supera a sí mismo y a su contexto discriminatorio y encuentra el amor y la amistad. 

Todo está sin embargo trabajado con mimo, desde la muy hermosa animación (en especial el tratamiento de la luz me parece genial) hasta los personajes (protagonistas magníficos, secundarios con mucho carisma -en especial Boris y los osos polares- y un villano despreciable y de altura). 

El mensaje contra el racismo y a favor de la valía personal independientemente de los orígenes está bien expuesto y sin demagogias, y el filme tiene una acción frenética, un humor muy bien integrado y un cierto toque adulto y serio, romántico y melancólico, con momentos muy líricos, que destaca. 

En este caso, Simon Wells se desmarca de lo fallida que era "Rex, un dinosaurio en Nueva York" y entrega un filme animado más que notable que creo que merece ser más reivindicado. Tras "Balto", pasaría a Dreamworks para encargarse de "El Príncipe de Egipto", la cual comenté hace un par de años en esta etiqueta.

viernes, 22 de marzo de 2024

LOVE HINA. UNA SITCOM QUE ENVEJECIÓ REGULAR PERO CON CARISMA Y ACIERTOS

LOVE HINA de Ken Akamatsu - De 1998 a 2001 - ("Rabu Hina")

Creo que la "sitcom" es, en todos los ámbitos y medios, el género que mejor retrata un momento social concreto y el que, debido a ello precisamente, envejece peor en años o en décadas posteriores. Les ha pasado a prácticamente a todas, incluso a las que en su momento eran vistas como muy avanzadas o "cool".

"Love Hina" se publicó entre 1998 y 2001 y es hija de su tiempo, como lo es "Friends" en la televisión, "American Pie" en el cine o "Video Girl AI" en el manga también. Tiene mensajes positivos (los tiene) y tiene una representación de relaciones entre sexos que se ha quedado en muchos aspectos muy anticuada y rancia (porque además estamos hablando de la sociedad de Japón de finales de los 90 y principios de los 2000, en muchos aspectos más cerrada que muchas occidentales en el mismo momento).

Ken Akamatsu, su autor, es uno de los mangakas más exitosos de su país y un experto en el llamado "ecchi", manga (o anime) en el que hay gran presencia de sexo sin llegar a ser "hentai" (que directamente es ya pornográfico). Esta "Love Hina" es su obra más famosa, y llegó a España a principios de los mencionados años 2000.

Estamos ante un "harem manga": un manga en el que un hombre vive por circunstancias habitualmente delirantes constantemente rodeado de mujeres (habitualmente guapas). En Japón tiene mucho éxito (y de hecho éste en concreto tuvo versión de anime, tres OVA y hasta dos novelas).

¿De qué va "Love Hina"? De un chico bastante patoso, guapo pero con gafas (un tópico de muchas comedias románticas para "afear" a sus personajes), que quiere entrar a estudiar a la Universidad de Tokyo por una promesa que hizo a un amor de infancia y que, mientras prepara el examen, tiene que vivir en una residencia de chicas donde la lía parda con su sola presencia.

Por supuesto, prácticamente todas estas chicas van a sentirse atraídas por él en algún momento y por supuesto hay una que le gusta más que el resto. Sí, "Love Hina" es predecible, y la verdad es que, sobre todo en los primeros tomos, te la sabes de memoria. 

Ahora bien, en los últimos, todo hay que decirlo, el manga se vuelve muy delirante y gana bastante cuando sale de la historia de amor básica y se pone su autor a homenajear a otros géneros.

Ken Akamatsu empieza "Love Hina" de una forma bastante convencional, con bromas y chistes clásicos de la comedia romántica (habitualmente malentendidos que dejan al protagonista como un pervertido para que sus compañeras le zurren), pero luego de repente la cotidianeidad del día a día se va deformando y encontramos desde aventuras en islas perdidas a viajes a ruinas a lo Indiana Jones pasando por luchas de samuráis, animales con inteligencia humana o, directamente, desquiciadas batallas con naves voladoras. Sí, el manga es muy sorprendente en este aspecto y trasciende su propio género para encontrar su propia voz. Y esto lo salva.

"Love Hina", dentro de lo tópico de su propuesta inicial, sabe salir de ella poco a poco y aportar algo nuevo. También hay que decir que sus personajes, al empezar bastante gruesos, van tomando carisma y van desarrollando una química verdaderamente efectiva y que funciona. Estamos ante un cómic que, sin inventar nada, va de menos a más y consigue aportar algo más, valga la redundancia, que un romance juvenil de usar y tirar.

En la parte mala está lo mal que ha envejecido (de hecho, hay cosas que en su propia época ya cantaban, porque en los años 2000 en occidente ya se habían roto muchos techos que tal vez en Japón aún no, por lo que se da a entender por lo menos en esta trama). "Love Hina" tiene bastantes escenas y convencionalismos machistas, y la relación entre el sexo masculino y el femenino se mueve a base de mecanismos que condenan a uno y a otro a hacer papeles tóxicos e injustos designados de serie que nadie cuestiona en ningún momento.

Por otra parte, también hay que decir que el cómic sí que se burla bastante del represivo sistema estudiantil japonés: la obsesión por acceder a universidades de prestigio (el autor intentó en su juventud entrar en la de Tokyo sin éxito) es satirizada y llega un momento en el que una vida más auténtica, con estudios o profesiones elegidas en función de algo más que la presión o la inercia social, quedan muy por encima. En este sentido, sí es avanzada a otros mangas de su época.

"Love Hina " es una obra producto de su tiempo para bien y para mal y, como tantas "sitcom", pone unas losas en las que se asientan avances sociales pioneros mientras que a la vez no cuestiona e incluso se recrea en cuestiones rancias que debían empezar entonces a criticarse. Lo mismo que le pasa a otras obras de su estilo en todo el mundo. Con todo esto, en Japón es un clásico total de la comedia romántica y en España funcionó bien. Hoy, no lo sé.

miércoles, 20 de marzo de 2024

SUTTREE. LA CRÓNICA DE LA VIDA MARGINAL EN LOS USA SEGÚN CORMAC MCCARTHY

SUTTREE de Cormac McCarthy - 1979 - ("Suttree")

"Suttree" es la cuarta novela de Cormac McCarthy y, sin ser tan conocida como "Meridiano de sangre", las tres partes de la "Trilogía de la frontera" o "La carretera" es, pienso, una de sus mejores obras.

Alejada en género, que no en estilo (aquí todavía más barroco a veces que en otras de sus creaciones), ni en ambientación, ni en en temas a otras suyas, narra la historia de Cornelius Suttree, un hombre de edad indeterminada (aunque se intuye que es joven o relativamente joven) que ha abandonado una vida presumiblemente acomodada para llevar otra sin ataduras en una casa flotante, como pescador, en el río Tennessee a su paso por la ciudad de Knoxville, en los años 50.

Se ha dicho siempre que esta novela es semi-autobiográfica y que en el personaje de Suttree hay mucho de McCarthy, que pasó largas temporadas recorriendo los caminos de los Estados Unidos y de México  y viviendo de un lado en otro.

Suttree es un personaje tan enigmático como patético y encantador, y es una prueba de la capacidad para construir caracteres profundos que nunca pierden el interés y cuyos huecos quien lee la novela ha de rellenar de su autor. 

De su vida pasada se nos van dando pinceladas o escenas significativas que son poco abundantes (encuentros con familiares o con conocidos de otros tiempos). Sabemos que está siempre atormentado: huye de algo, de algo de su mencionada vida anterior. Y ha cometido errores, por supuesto, y los sigue cometiendo. Y es egoísta y cobarde además con respecto a esto. No obstante, también es una buena persona: ayuda a todo el mundo, aunque no sea su amigo, y siempre muestra la mejor solidaridad con quien se encuentra en el camino. También tiene éxito con las mujeres, aunque sus relaciones parecen estar marcadas por el fatalismo.

La cuarta novela de Cormac McCarthy sigue una estructura fragmentada que a veces cambia ligeramente, en ciertos pasajes, su propio estilo literario. Vamos saltando de escenas cotidianas a otras protagonizadas por Suttree y por los personajes que le rodean, la mayoría de ellos pobres, mendigos, desheredados, gente que vive al límite o en la miseria. A veces, tenemos despliegue de pensamiento interior: a veces, momentos alucinógenos o flashbacks.

"Suttree" es un retrato de los seres más perdidos de los Estados Unidos, de esos que son arrasados sin miramientos por el fallo del Sueño Americano y que se ven obligados a malvivir de cualquier manera. También cometen sus fallos, claro, pero igualmente la pobreza, la violencia atávica, las adicciones, el racismo, la brutalidad policial, la imposibilidad de superar un mal ambiente o de salir adelante de forma honrada están ahí. La novela recorre muchos temas sociales que siguen bien candentes, por desgracia, hoy en los mencionados USA.

Todos los personajes tienen carisma y todos son fieramente humanos y creíbles. Incluso los que aparecen en un par de capítulos resultan tangibles. En especial, Ab Jones y Gene Harrogate me resultan geniales: los dos contrapuntos de Suttree, sus dos mejores amigos, y los dos que están casi siempre presentes en la trama. Dos secundarios inolvidables (curiosamente, el segundo de ellos muy humorístico: no suele haber humor en las novelas de McCarthy, o por lo menos no demasiado).

Se dice mucho que el río, en este caso el mentado Tennessee, lleno de hermosura natural y de inmundicia humana, es un protagonista más de la trama y un símbolo de la vida que pasa, del fluir de las personas y de los hechos. Yo lo veo también, desde luego.

"Suttree", que es una de las novelas más celebradas de su autor por la crítica, pienso que debe ser reivindicada más. Es un viaje maravilloso, brutal, crudo y a la vez bello por la desolación pero también por la amistad, por el compañerismo de quienes no tienen nada, por la luz que existe en medio de la peor oscuridad.

lunes, 18 de marzo de 2024

LA CAÍDA DE LA CASA USHER. UN HOMENAJE A POE SOBRE LO PEOR DEL MUNDO NEOLIBERAL

LA CAÍDA DE LA CASA USHER de Mike Flanagan - 2023 - ("The Fall of House Usher")

Hay que ser alguien verdaderamente genial en cualquier arte para saber tomar la obra de otro artista en prácticamente todo su conjunto y construir con ella una obra totalmente nueva que adapte a nuestros días la otra obra mencionada y que, además, lo haga sin forzar absolutamente nada, ni un sólo homenaje. Esto es lo que ha hecho Mike Flanagan en "La caída de la Casa Usher".

El artista homenajeado es el gran Edgar Allan Poe, y la serie comentada hoy adapta el relato del mismo nombre de los suyos pero llevándolo a nuestro momento contemporáneo, como he señalado, y además dedicando a su vez cada capítulo a otras obras del autor del poema "El Cuervo".

"La caída de la Casa Usher" es uno de los grandes paradigmas de historia de nobleza en decadencia. Ha sido adaptada antes al cine y a otros medios, desde luego, y sigue siendo tan actual en su retrato que viene como anillo al dedo para destrozar a una gran familia de la industria farmacéutica norteamericana de nuestros días.

Porque Mike Flanagan no se queda en lo superficial, en adaptar y ya está, sino que elabora un retrato certero, agudísimo, finísimo, inteligente y despiadado de lo peor de lo peor del mundo neoliberal de hoy. La familia que cae en desgracia es una familia repulsiva, rica y cruel y sin embargo patética, de gente muy mayoritariamente sin escrúpulos y sin la más mínima ética que trata de extender su imperio a otros ámbitos sin ningún tipo de miramientos. Puro Sueño Americano al cubo, Sueño Americano del que se cumple pero no sin exigir al final un pago pútrido.

Este retrato no habría sido tan genial sin unos personajes tan geniales, valga la redundancia, y tan bien interpretados por un elenco actoral que cubre varias generaciones y que borda sus actuaciones. Todos los caracteres son interesantes y profundos, y todos tienen algo que ofrecer como sorpresa en su historia personal. Hasta los aparentemente secundarios tienen hondura y aristas.

"La caída de la Casa Usher" te la puedes saber de memoria. Sí. Pero ahí radica otra de las grandezas de Flanagan: algo que sabes perfectamente cómo va a terminar te lo convierte en un paseo por los infiernos lleno de recovecos inesperados, de matices, de vistas diferentes de mismos aspectos, de homenajes que rizan el homenaje, de cinceladas esculturas sociales de lo peor de los USA.

Todo esto sumado a unos diálogos espectaculares, lúcidos e inteligentes, a una fotografía preciosa, a una ambientación cuidadísima y a montones de momentos que quedarán para la historia de las series. Sí, Mike Flanagan lo ha vuelto a hacer.

"La caída de la Casa Usher" es otro drama de terror más de este director que se está convirtiendo en un experto en este estilo de historia, la cual no para de reinventar en sus adaptaciones una y otra vez, y siempre exprimiendo al máximo sus posibilidades y a la vez ofreciendo algo nuevo. Una joyita es esta obra.

domingo, 17 de marzo de 2024

BOB MARLEY: ONE LOVE. UN BIOPIC COHERENTE CENTRADO EN UNA ETAPA DEL ARTISTA

BOB MARLEY: ONE LOVE de Reinaldo Marcus Green - 2024 - ("Bob Marley: One Love")

"Bob Marley: One Love" tiene, con respecto a otros biopics de grandes estrellas de la música, una particularidad: no abarca toda la vida ordenada cronológicamente de su personaje, sino una etapa concreta (la final, la de la enfermedad y el disco mítico "Exodus") desde la que se viaja en flashbacks a las principales escenas de su pasado.

Reinaldo Marcus Green, director de "El método Williams", no crea la quintaesencia del biopic, pero sí que se desmarca de lo típico, de lo habitual, de lo que cualquier otro posiblemente hubiese hecho en un retrato más lineal y posiblemente menos interesante.

"Bob Marley: One Love" es una película vitalista, que transmite amor por la música. Lo consigue, y lo hace desde la humildad de querer, una vez más, representar el hecho de que el arte, cualquier tipo de arte, puede salvar vidas en muchos aspectos.

El contexto que vivió Bob Marley fue muy duro: la Jamaica de su momento estaba dividida de una forma salvaje y la violencia asolaba sus calles en medio de una situación política que parecía insalvable. Él tuvo que ver, desde la fama (se le acabó tratando como a un gurú de la paz y de la espiritualidad) en la lucha por la pacificación del país.

Kingsley Ben-Adir entrega una interpretación fantástica y carismática como el músico y la trama recorre la mencionada época con mimo y con ritmo. La mencionada representación histórica es acertada y pone mucha información rápidamente en la parrilla de una forma dinámica, precisa, que delinea el contexto y que lo explica en sus líneas básicas con coherencia instructiva.

Está además la crítica habitual al mundo de la música mainstream, que de una forma u otra ha marcado a todo artista que triunfa: el postureo y la hipocresía, la búsqueda del dinero a toda costa, los productores que usan a los artistas como a juguetes rotos, los tejemanejes de la industria. Podría haber sido más contundente el filme en esta parte, pero el esbozo queda, y los efectos que produjo en Bob Marley y en su banda y su familia.

Faltan, eso sí, las partes oscuras del artista, que, como todo el mundo, las tenía. En este sentido, recomiendo ver el documental "Marley" de 2012, de Kevin McDonald, que se aleja de la versión épica del músico (que también la tenía, evidentemente) para explorar más esta vertiente (además, de manos de personas que le conocieron).

Hay que añadir la mejor banda sonora posible y grandes momentos como los de los conciertos. "Bob Marley: One Love", llegada en plena fiebre de biopics de grandes de la música, me parece una buena película dentro de lo acotada que está. No gustará a muchos fans, eso desde luego lo tengo claro, pero sí creo que hace una buena labor con las limitaciones que tiene y que el género del biopic nunca es fácil.

sábado, 16 de marzo de 2024

AMOR DE GATA. UNA BELLA FÁBULA SOBRE ENFRENTARSE A LA FRUSTRACIÓN

AMOR DE GATA de Junichi Saito y Tomotaka Shibayama - 2020 - ("Nakitai Watashi wa Neko o Kaburu")

He descubierto hace pocos días "Amor de gata" y me ha parecido una película animada verdaderamente bonita. De sus directores, Junichi Saito y Tomotaka Shibayama, no he visto nada antes, aunque tiene el primero una muy amplia filmografía de películas y trabajos en series (como "La aldea del arce", "Sailor Moon" o "Slayers") y el segundo ha trabajado en las también series "Your lie in April" y "Grimgar of Fantasy and Ash", que no conozco.

"Amor de gata" es una película de Studio Colorido, que nos ha dado otras como "Penguin Higway" u "Hogar a la deriva" y varias de la saga de Pokemon. La protagonista es una adolescente que está enamorada de un chico de su instituto y que tiene una forma un tanto especial tanto de comportarse como de acercarse a éste.

Los dos directores delinean a través de esta premisa una fábula para jóvenes y adultos sobre la frustración vital a diferentes edades y sobre el escape a "otros mundos" para sortearla (y no enfrentarse a ella y a la vida en general, con sus cosas buenas y malas).

"Amor de gata" mezcla, en una suerte de realismo mágico, el mundo de los humanos y el de los gatos como dos alegorías enfrentadas y complementarias que nos sirven para reflexionar sobre la mencionada frustración, sobre los sueños no cumplidos, sobre la soledad, sobre las decepciones con respecto a las personas, sobre la incomprensión en una sociedad que margina a quien es diferente o sobre el enmascarar el dolor y enfrentarse a él. 

Aunque pienso que le cuesta un poco arrancar y que el inicio puede resultar algo confuso, "Amor de gata" pronto coge ritmo y aumenta su interés y nos va desplegando un mundo interesante y, sobre todo, unos personajes que se descubren llenos de aristas y de profundidad (lo mejor del filme, sin duda).

Puede que haya cosas que se nos escapen a las personas occidentales, ya que el filme gira constantemente alrededor de la figura del gato en Japón, que está presente en su mitología y en su sociedad desde tiempos inmemoriales. Nada que no se solucione leyendo sobre ello.

La animación es bella y los diseños tienen carisma, mientras que los escenarios tienen calidez cotidiana y lirismo mágico sobrado para resultar cautivadores. 

"Amor de gata" es en su conjunto una muy destacaba y hermosa película de este estudio animado mencionado, Studio Colorido, del que quiero ver más cosas cuando pueda.

viernes, 15 de marzo de 2024

CASTLEVANIA: NOCTURNO. UNA NUEVA SERIE DIGNA E INTERESANTE DENTRO DE SU SAGA

CASTLEVANIA: NOCTURNO de Clive Bradley - 2024 - ("Castlevania: Nocturne")

La primera serie de "Castlevania" empezó bastante regular, pero lo cierto es que, sobre todo a partir de su segunda temporada, levantó el vuelo y consiguió convertirse en una obra interesante, con personajes que aumentaron su carisma sin cesar y con escenas que hicieron honor a su epopeya de videojuegos. Desgraciadamente, acabó, aunque cerrada, cerrada de forma muy precipitada, con líneas argumentales casi cortadas de golpe y con personajes que terminaron por desgracia muy desperdiciados.

Ahora llega la primera temporada de esta "Castlevania: Nocturno", una nueva serie de la saga, relacionada con aquella, y la verdad es que me ha parecido muy digna e interesante (y en lo referido a la primera temporada de cada una, claramente mejor).

El creador ahora es el inglés Clive Bradley, guionista de series como "The Vice", y pienso que, si bien le falta el punto socarrón que tenía Warren Ellis, mantiene muy bien un tono adulto y épico a la vez que terrorífico y sangriento: la pura esencia de los videojuegos de "Castlevania".

Nos encontramos ahora en 1792, en tiempos convulsos de la Revolución Francesa y en un contexto social que iba a cambiarlo todo en Europa y que se iba a extender de una forma u otra a los continentes americanos. Aquí, tanto los Belmont como los vampiros han evolucionado acorde con su momento y han desarrollado nuevos miedos y estrategias de supervivencia.

Los personajes pienso que son el punto fuerte de "Castlevania: Nocturno": si bien existen unos claros antagonistas malévolos, casi ninguno de los principales son completamente blancos o completamente negros. Tienen virtudes y defectos, y sorprenden con acciones bastante inesperadas y con sentimientos que se salen de los tópicos. 

La trama también consigue sorprender, en especial haciendo uso de su mencionado contexto histórico y elaborando con sus elementos una buena parábola política y social sobre la lucha por el poder y sobre el fanatismo religioso y sus hipocresías en un vórtice de ruptura violenta pero también de cambio hacia algo supuestamente mejor.

Me falla la animación un poco, eso sí: al igual que en la primera "Castlevania", hay aquí momentos espléndidos y escenas de acción portentosas que se alternan con fotogramas cortados a hachazos que rompen un poco el excelente acabado visual, que en lo estético y en lo ambiental recoge perfectamente de nuevo la esencia de los videojuegos.

La primera temporada de "Castlevania: Nocturno" me ha parecido muy notable, muy destacada, coherente en todo momento y con elementos interesantes. Tenía además difícil igualar por lo menos a una "serie madre" que ha sido muy querida y creo que si no lo ha conseguido por lo menos se le ha acercado. Y quedan más temporadas (que espero que sigan mejorando). Recomendable.