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A veces anuncio por aquí, por el blog, que estoy también en Twitter y en Instagram. Hoy os comento que igualmente ando por Facebook, que, aunque es una red social que lleva un tiempo bastante muerta (una pena, con lo que Facebook fue) todavía a veces se mueve algo por ahí.
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CHIP Y CHOP: LOS GUARDIANES RESCATADORES de Akiva Schaffner - 2022 - ("Chip 'n' Dale: Rescue Rangers")
Lo está diciendo todo el mundo, pero es cierto: "Chip y Chop: Los guardianes rescatadores" es una de las películas animadas más sorprendentes de los últimos tiempos.
Reconozco mis prejuicios iniciales hacia ella: pensé, al ver el póster, en un reboot cutre encubierto o en una pamplina nostálgica para pasar la gorra y sacar cuartos. Todo lo contrario. De hecho, se ríe la película de toda esta cultura del "reboot" a mansalva, y mucho y con mucha agudeza.
"Chip y Chop: Los guardianes rescatadores" es una broma canalla, una salvajada muy seria y muy adulta, tan irónica como brutal e incluso zafia, que nos da un tortazo de humor negro por toda la escuadra.
Homenaje total a "¿Quién engañó a Roger Rabbit?" y a aquellas películas míticas que mezclaban a los "dibus" con los seres humanos reales, este retorno de las ardillas rescatadoras es un oscuro retrato de la fama y de la caída en desgracia de los artistas del cine y de la televisión y un cuadro desolador de diversos juguetes rotos de la sociedad.
El filme transgrede lo que se esperaría incialmente de un producto de este tipo y propone un ejercicio metaficcional que abarca varias generaciones y montones de productos y estilos (y aquí tengo que decir que creo que merece un segundo visionado, porque la cantidad de referencias a todas las generaciones posibles de la animación en cada plano llega a ser apabullante).
Vamos a tener desde personajes Disney clásicos a animaciones totalmente modernas pasando por seres de 3D primigenio de principios de los 2000, caracteres de videojuegos famosos o varias sorpresas del mundo de los dibujos reciente (una en concreto es de órdago).
Y, dentro del envoltorio de todo esto, un buen puñado de temas sórdidos además del principal mencionado anteriormente: desde mafia a policía corrupta pasando por adicciones, pobreza, usar y tirar de estrellas mediáticas o frustraciones vitales de todo tipo.
Todo ello en una trama loca, loquísima, de thriller sin ningún tipo de prejuicios y acción delirante (y genial). Por supuesto, sin faltar al espíritu original de la serie de finales de los ochenta y principios de los noventa, a la que se homenajea sin parar de forma tan emotiva como ácida.
"Chip y Chop: Los guardianes rescatadores" es un descubrimiento animado que ha llegado en un cierto silencio y que se ha convertido por méritos propios en una de las grandes sorpresas de esta temporada. No se la pierdan.
FARGO de Noah Hawley - De 2014 a 2020- ("Fargo")
El norteamericano Noah Hawley es, además de escritor y guionista, el creador de varias series de éxito y de muy variada temática. Son el thriller "The Unusuals", la comedia dramática "My Generation", la serie de superhéroes "Legion" y la comentada "Fargo".
"Fargo" es una serie ambientada en el universo de la película del mismo nombre de los hermanos Coen. Idea genial porque este universo, como se ha demostrado, ya era apasionante en el filme de los años noventa y ha sido capaz de dar hasta ahora cuatro temporadas de historias rocambolescas.
Al igual que, por ejemplo, "True Detective", "Fargo" funciona basándose en temporadas independientes, aunque en este caso están enlazadas por algunos personajes y por las mismas poblaciones. Salta en el espacio y en el tiempo pero en todas ellas se retrata ese mundo de criminales y familias palurdas, de policías corruptos y de personas que siembran la diferencia, donde además se pone a parir a la sociedad del Sueño Americano con sus falsedades, su loca búsqueda del dinero y el prestigio, su capitalismo agresivo. Las tres temporadas que tenemos hasta ahora son una delicia, aunque la tercera me ha resultado algo más floja.
La primera de ellas es ya un desternillante escupitajo. La historia base les sonará: un apocado vendedor de seguros, un auténtico pringado conocido en su pueblo por ser un perdedor total, se mete en un lío en el que hay dinero sucio y personas misteriosas. Sí, es puro hermanos Coen, es "Puro Fargo". Es la temporada que mejor pilla la esencia de la película y la clava.
Thriller escrupuloso, humor negro a raudales, mala leche brutal, intriga atrapante en una despiadada fábula moral moderna y unos personajes totalmente patéticos o terroríficos que además están interpretados por un elenco absolutamente inolvidable (Martin Freeman y Billy Bob Thornton están de jodida matrícula de honor).
Y la sociedad americana desnudada y exhibida con una crueldad sin par. Parece, de verdad, que Hawley tiene una mente telepática conectada a la de los hermanos Joel e Ethan. La serie empieza de una forma inmejorable, y ya nos cautiva. Muchos productos "noir" tendrían que aprender de esta primera parte de esta franquicia.
La segunda temporada le mete el turbo a lo turbio y a lo surrealista. Viajamos ahora a finales de los años setenta y conocemos a algunos de los personajes de la primera temporada en otros tiempos y a otros completamente nuevos que desde el primer momento se nos meten en el bolsillo.
Se repiten las constantes, pero siempre con vueltas de tuerca novedosas. Ahora nos encontramos en una pelea entre clanes mafiosos con un matrimonio de paletos metido de por medio (impresionantes del todo Jesse Plemons y Kirsten Dunst) y la policía del lugar.
Tenemos otro cuento moral, otra fábula, pero ahora el humor absurdo gana poder y se mezcla con un sentido del drama fatalista absolutamente épico.
La familia clásica americana es puesta patas arriba, y el mundo mafioso es una alegoría del empresarial y de sus corruptelas y sus mierdas ocultas bajo las alfombras.
Es también este segmento el que tiene las mejores escenas de acción (algunas ponen verdaderamente los pelos de punta) y su desenlace es un prodigio de la lucidez, de la sorpresa sin efectismos, de la concisión inteligente a la hora de desarrollar una idea. Absolutamente fascinante y cautivadora.
La tercera colección de episodios vuelve a la edad contemporánea y es la que me ha parecido más floja de todas, a pesar de que tiene un reparto de ensueño, con un Ewan McGregor haciendo un papel doble fantástico, con una Mary Elizabeth Winstead que se come la pantalla desde el segundo primero y, sobre todo, con un David Thewlis que te mete el miedo en la piel nada más mirarte a través del televisor.
La intriga, sin embargo, me parece más habitual y, sin ser mala, es más predecible y repite más los patrones de las otras dos.
Tiene momentos geniales igualmente, y sorpresas agradables, y sigue ahí ese mensaje descorazonador que despelleja a los sueños paletos de los USA, pero también creo que se centra más en los tópicos del cine negro más típico y su humor negro y absurdo, si bien está presente, es menos efectivo.
De la cuarta temporada pienso por el contrario que empieza de una forma espléndida y que, en los últimos capítulos, mete un ligero bajón, aunque me parece más original y acertada que la tercera.
Este último arco argumental hasta este momento se sumerge, de forma descarnada e irónica, en las peleas de mafias de los Estados Unidos de los años cincuenta. El primer episodio me parece una obra de arte: una sucesión de hechos brutales y muy esclarecedores que muestra cómo este país fue fundado en gran parte por inmigrantes y cómo estos pelearon desde casi siempre por su parcela de poder.
Esta temporada me parece muy interesante porque explora las raíces de un país, valga la redundancia, donde hay grupos importantes muy supremacistas y patrioteros que afirman que dicho país es "blanco" y le da un tortazo gordo a una gran parte de creencias asentadas por estos grupos.
El retrato de la época es esplendoroso y precioso, en escenarios y en detalles, y el elenco de intérpretes está absolutamente soberbio, todos y todas. En especial, creo que brilla con luz propia un Chris Rock inolvidable, que entrega un absoluto papelón en el que demuestra que es un actorazo como la copa de un pino.
Como he dicho, esta temporada pierde un poco en los últimos capítulos, en especial porque cierra algunas tramas de forma apresurada y, también, a algunos de los personajes. No obstante, es una saga notable, mejor que la anterior y con un retrato social como he dicho fascinante sobre un país enfrentado en lo cultural y lo racial desde siempre y en todos los ámbitos (en el mafioso, también).
"Fargo", en su conjunto, me parece una maravilla de serie. Ojalá haya, con la calidad que ha mantenido hasta este momento, una quinta, una sexta, una séptima y todas las temporadas que quieran hacerse nuevas.
FARGO de Joel Coen - 1996 - ("Fargo")
Después del fracaso (injustísimo) de la maravillosa e incomprendida "El gran salto", los hermanos Coen retomaron la fórmula negra que tan bien se les dio (y se les da) en sus anteriores filmes "Sangre fácil" y "Muerte entre las flores" y crearon otra de sus mejores películas, "Fargo", que les reconcilió con una parte de la crítica (crítica injusta, insisto, porque "El gran salto" es una joya).
En el sexto filme de los hermanos de Minnesota se vuelve a diseccionar un ambiente podrido de la Norteamérica profunda en el que los personajes, cegados por ambiciones desmedidas, caen en la perdición total a causa de su avaricia enfermiza y de sus crímenes brutales.
Fargo, la ciudad de Dakota del Norte en la que la trama se desarrolla, es el escenario-cárcel de estos personajes: como en otras obras de los Coen, el lugar (aquí cubierto por una nieve perpetua que es claramente simbólica de la molicie y la incapacidad de escapar de él) aparece retratado como un espacio frío y sobrio, sórdido y adocenado como lo son los propios mencionados personajes (una de las mejores galerías creada nunca por los dos hermanos). Y ésta ciudad de Fargo es un protagonista más de la trama, un espacio-personaje con entidad propia.
Excelentemente interpretados por actores llenos de carisma, los caracteres de "Fargo" se ven perdidos en una espiral de perdición que homenajea a las del cine negro clásico norteamericano (en muchos de ellos podemos ver retratados con cariño a esos perdedores enfermizos pero sedientos de gloria que inmortalizaron, por ejemplo, Edward G. Robinson o James Cagney).
Jerry es un hombre mediocre aplastado por el desprecio o el pasotismo total de su familia que quiere ascender en la escala social haciendo trampas, Carl y Gaesar son dos matones de poca monta que son incapaces de renunciar a un sólo dolar y que por ello encuentran los peores de los destinos y el cuñado de Jerry es, a pesar de su dinero, que le sobra, un ser despreciable también atrapado por la falta de expectativas vitales.
PUNISHER MAX de Jason Aaron y Steve Dillon - De 2010 a 2012 - ("Punisher Max")
La primera etapa de "Punisher Max", comentada en este blog y llevada maravillosamente por Garth Ennis y por un surtido fantástico de diversos dibujantes, me parece una de las grandes joyas imprescindibles del cómic de Marvel y del cómic negro a grandes rasgos.
En este sello de la compañía llamado "Max" Ennis y los demás autores, tanto sucesores suyos en el guión como encargados de los lápices, tuvieron plena libertad para operar con personajes de la compañía en un mundo independiente, ajeno a su continuidad y totalmente realista donde no había ningún superhéroe y donde solamente estaban Punisher y Nick Furia (junto a algunos secundarios digamos "menores" de la franquicia).
En esa primera gran saga de "Punisher Max" Ennis elaboró una gigantesca, completísima y despiadada historia donde, además de Frank Castle, la protagonista era la geopolítica pura.
En un "noir" brutal y sin concesiones (porque además era una serie violenta, violentísima: como no he visto en Marvel prácticamente nunca) encontrábamos retratos críticos de la guerra, del terrorismo, del terrorismo de estado, de la corrupción, de la violencia atávica o de diversas conspiraciones políticas donde se tocaba desde el drama de Vietnam pasando por el de Afganistán o el de Irlanda del Norte (además de otros asuntos ya en los USA como el de la mafia o la policía podrida).
Tras la marcha de Ennis, otros autores se encargaron de nuevas etapas más cortas de esta serie (como Duane Swierczynski y Victor Gischler). Por desgracia, no las he podido leer porque están más difíciles de conseguir y son menos conocidas (aunque me han hablado muy bien de ellas).
Jason Aaron fue el encargado de efectuarle un cierre al personaje a partir de 2010 en una saga también más corta que la de Ennis pero que mantuvo toda, absolutamente toda la esencia de lo que él creó (y que además vino dibujada por Steve Dillon).
El "Punisher Max" de Jason Aaron es, como el del creador de "Predicador" y "The Boys", otra obra maestra absoluta que nos regala muchos de los mejores momentos del cómic negro de la historia. Así de claro.
Aaron sí deja a un lado una de las marcas de la casa de Ennis: la geopolítica. Su aventura con Frank Castle tiene lugar en su entorno más directamente cercano, el norteamericano, el de su ciudad, para centrarse en una historia de mafias, de poder, de enfrentamientos sangrientos y de lucha por la justicia (por la justicia desde los ojos de Punisher, claro).
El autor de "Scalped" elabora un cierre perfecto del personaje y, acertadamente, pienso, se marca como objetivo la "historia emocional" (y no solamente del protagonista, sino también de sus adversarios y de otros secundarios que le rodean).
Y esta "historia emocional" es, como esperarán, dura, durísima, e implacable. Frank Castle es un ser tan brutal como los enemigos a los que combate y Aaron, además, le añade una fascinante y acertada vuelta de tuerca a su historia que completa todo lo que Ennis había construido.
A su alrededor pivotan unos nuevos personajes inolvidables que no son otros que clásicos caracteres de Marvel de siempre adaptados al mundo de Max: Kingpin, Bullseye y Elektra. Los tres, pasados por un prisma realista, dan verdadero miedo pero también tienen motivaciones muy creíbles, muy humanas (muy oscuras pero muy humanas). En especial, Kingpin es una maravilla en su desarrollo.
El dibujo claro y expresivo, intransferible, de Steve Dillon, los retrata en toda su monstruosidad y los equipara con su enemigo mortal en un baile demencial de sangre y muerte. Es un dibujo menos oscuro que los de las sagas de Ennis del personaje, pero creo que igualmente le viene como anillo al dedo.
"Punisher Max" de Jason Aaron me parece una obra maestra que completa una de las series de viñetas más espectaculares de los últimos tiempos. Para mí, imprescindible, especialmente si disfrutaste de la mencionada etapa de Garth Ennis.
COCOON de Kyo Machiko - 2020 - ("Cocoon")
Hay una película de anime que, siendo una obra maestra, mucha gente es incapaz de acabar o de volver a ver. Esa película es "La tumba de las luciérnagas" de Isao Takahata, y este cómic que hoy comento, "Cocoon", me ha dejado una sensación muy, muy parecida.
Se trata éste de mi primer contacto con la mangaka Kyo Machiko, que se basa para construir su manga en las historias de las estudiantes de Himeyuri, en Okinawa, que durante la Segunda Guerra Mundial montaron, con sus medios exiguos, una unidad de enfermería para atender a los soldados heridos de su bando durante los brutales bombardeos a los que fue sometida la isla.
Ella misma señala, en el tomo que reseño, que desde que era pequeña, desde siempre, le había tenido un miedo atroz a la guerra o a vivir una guerra, y que quería que "Cocoon" partiese de este punto y que narrase las salvajadas que vienen implícitas en toda contienda.
Este manga de un solo volumen narra la historia de un grupo de adolescentes que trata de mantener y atender como puede la referida enfermería, situada precariamente en una cueva y en sus alrededores y llevada con la ayuda de unos pocos adultos que tampoco es que estén muy presentes siempre.
"Cocoon" es un manga durísimo. Inesperadamente durísimo. Su dibujo naif, flotante, poco detallado pero personal y con escenarios naturales exteriores bien recreados, resulta chocante con lo que narra: es como leer un libro de autoayuda ilustrado lleno de atrocidades de todo tipo.
El protagonista es coral, pero dos personajes son especialmente importantes: San y Mayu. Estas chicas, supervivientes a veces por su fortaleza y a veces por simple y afortunada casualidad (como tantos civiles en tantas guerras), ven caer su mundo de la adolescencia supuestamente feliz en el horror y la muerte y, sin embargo, siguen adelante con una terquedad brutal que sorprende.
A su alrededor, sus compañeras sufren y, algunas, mueren. "Cocoon" no hace ni una sola concesión: encontraremos toda clase de horrores, toda clase de asesinatos, toda clase de heridas físicas y mentales, toda clase de violaciones de los derechos humanos y toda clase de podredumbres y miserias.
Llegan los descubrimientos de la referida adolescencia, las primeras amistades fuertes, los primeros amores, los primeros contactos con la muerte, en el peor de los ambientes, y las niñas de "Cocoon" tienen que aprender de mala manera a sobrellevarlos y a enfrentarse a la vida adulta de golpe, de forma muy anticipada y con la peor crueldad posible.
Hay un recurso narrativo muy original y curioso en este cómic: los hombres son dibujados por Kyo como monigotes blancos. Son el terror: los soldados que luchan en la guerra. Unos sufren y otros matan, unos son atacantes y otros salvadores, pero todos son siluetas blancas, sin rasgos.
La propia autora explica que esto se le ocurrió porque, durante su adolescencia, pasó una época obsesionada con la "pureza" e ignorando por completo al sexo masculino. Aquí, esta metáfora adquiere un poder enorme y se convierte en una alegoría magistral de la deshumanización y del terror (o de ambas cosas unidas).
"Cocooon" es un manga único, sorprendente por su descarnada propuesta, durísimo, que no hace concesiones, pero que es necesario para recordar que las guerras nunca traen nada bueno y que los grandes perdedores son siempre los inocentes. Extrapolable a cualquier conflicto. Excelente obra corta.
THELMA & LOUISE de Ridley Scott - 1991 - ("Thelma & Louise")
A pesar de que Ridley Scott después de "Blade Runner" siempre ha estado rondando entre las obras dignas y los bodrios infames, no se puede negar, y sería injustísimo hacerlo, que de vez en cuando ha entregado películas buenas e incluso algunas muy pero que muy buenas y que, cada cierto tiempo, ha vuelto a la obra maestra.
"Thelma & Louise" es el soplo de aire fresco que su filmografía necesitaba tras la fallida "Legend" y las anodinas y olvidables "La sombra del testigo" y "Black Rain"; una road-movie dramática con toques de thriller y de filme social que se convirtió en una leyenda fulminante del cine feminista.
Especie de versión de "Bonnie & Clyde" (el referente es ineludible, aunque suene tópico) con dos amigas que responden con violencia a la violencia machista, la obra estuvo a punto de no ver la luz por su guión excesivamente crudo según los cánones del Hollywood de principios de los noventa y, una vez que fue estrenada, suscitó una gran polémica por su temática.
Susan Sarandon y Geena Davis se tragan a la pantalla y entregan dos de los mejores papeles de sus carreras desplegando una química envidiable, mientras que los secundarios las acompañan de forma excelente (Harvey Heitel está magnífico, como siempre, y Michael Madsen consigue poner los pelos de punta en algún pasaje del filme mientras que un joven y entonces no tan conocido Brad Pitt despliega un papel muy divertido).
Ridley Scott, demostrando que es un gran director a pesar de su irregularidad (y por fin no recurriendo a las ambientaciones recargadas y a ese "tic" de "Blade Runner" consistente en el abuso desproporcionado de neón y humo; ya era hora) le imprime al conjunto una estética realista esplendorosa (maravilloso su retrato de la América profunda), un ritmo frenético, un dramatismo que toca al espectador, un humor fino y siempre acertado y un retrato de personajes muy completo y nada maniqueo.
"Thelma & Louise" es una fantástica odisea sobre la libertad y la emancipación de la mujer en un mundo machista que se convirtió en un clásico del cine instantáneo.
Desgraciadamente, Scott volvería a tropezar, tras el irregular biopic de Cristóbal Colón "1492. La conquista del paraíso", con las bazofias infames de "Tormenta blanca" y "La Teniente O'Neil" antes de volver a levantarse con "Gladiator". Así ha sido casi siempre la extraña carrera de este director titubeante.
LOCK & STOCK & TWO SMOKING BARRELS de Guy Ritchie - 1998 - ("Lock & Stock & Two Smoking Barrels")
“Lock & Stock & Two Smoking Barrels”, la película que hizo famoso a Guy Ritchie y que le permitió empezar con holgura su fulgurante (aunque algo repetitiva a veces) carrera es ágil, fresca y divertidísima (pero de verdad).
Es una desternillante comedia negra (muy negra) y ultraviolenta en la que un personaje coral se sumerge en un terrible enredo de malentendidos hilarantes que no dejan al espectador parar de desternillarse, valga la redundancia, un sólo segundo.
El guión es un guión simple como pocos pero muy retorcido, muy bien desordenado y vuelto a ordenar y montado de forma excelente sin dejar cabos sueltos.
Su humor, absolutamente desprejuiciado y a veces absurdo, se burla de la violencia más descarnada y vistosa conformando escenas de tremenda brutalidad y surrealismo que no pueden dejar de desatar las risas.
Sus diálogos no son brillantes pero son rapidísimos y efectivos, y el montaje es efectista con comedimiento (digamos que no es agobiante para la narración).
La película que marcó el inicio del gran éxito de Guy Ritchie es, por encima de todo, una bomba de diversión. Es cine comercial inteligente y 100 % competente. Por eso le hizo famoso, pienso. Para verla con muchos amigos en una de esas tardes de risas eternas.
Eso si, no puedo terminar este escrito de hoy sin decir que muchísimas de sus siguientes cintas más aclamadas son, a pesar de ser igualmente divertidas, exactamente lo mismo, lo mismito que este filme, y eso es algo que muchos (yo entre ellos) le han achacado a Guy Ritchie a lo largo de su carrera, su a veces repetitivo estilo visual y argumental y su falta de originalidad en muchos aspectos.
MENTIRAS ARRIESGADAS de James Cameron - 1994 - ("True Lies")
James Cameron, en su corta filmografía, ha sido siempre capaz de cambiar de registro de forma inesperada. Dos buenos ejemplos fueron "Mentiras arriesgadas", adaptación de una comedia francesa llamada "La totale!", y "Titanic", las películas que siguieron a "Terminator II. El juicio final".
La primera, que hoy comentamos, es una comedia de acción, una parodia de las películas de las décadas de los ochenta y los noventa de héroe norteamericano invencible que tanto Cameron como Arnold Schwarzenegger dirigieron y protagonizaron en aquellas décadas.
Lo que sigue se lo pueden imaginar: cachondeo por doquier, chascarrillos chorras y frases lapidarias demenciales, topicazos a tutiplén (pero bien explotados siempre), personajes típicos de forma consciente (pero todos con carisma), sobreactuaciones (que aquí sí vienen a cuento), erotismo y testosterona paródica, tiros, explosiones y escenas de acción delirantes (y magnificamente rodadas: James Cameron es uno de los más grandes de este género, aunque se lo tome a guasa).
Espectacular el baile de coña de Jaime Lee Curtis: es un tópico decirlo, pero la escena, una parodia más dentro de la parodia, es uno de los momentos más recordados de la película y se ríe de los tópicos del sexo y la testosterona de este tipo de filmes.
Y Arnold está muy bien: se adecua al papel perfectamente y se burla de sí mismo una y otra vez. "Mentiras arriesgadas" es una fantástica broma. Antes de "Los Mercenarios" ya existía esta película o la entonces también reciente parodia "El último gran héroe".
MAD MONSTER PARTY de Jules Bass - 1967 - ("Mad Monster Party")
Poco conocidos en líneas generales, aunque cada vez más revalorizados, Arthur Rankin Jr. y Jules Bass fueron dos grandes maestros y pioneros de la animación moderna. Fundaron en 1960 la empresa Rankin/Bass Productions, que se dedicó a trabajar principalmente en series de televisión y sobre todo en especiales televisivos estacionales (muchos de ellos navideños).
A pesar de todo, ambos animadores realizaron obras más personales y fantásticas tanto en "stop motion" como en animación tradicional.
No fueron tan prolíficos en este tipo de creaciones y la necesidad de dirigir más obras puramente comerciales y de encargo les dejó menos espacio para ello. Sin embargo, sí que dejaron maravillas como la comentada y genial "Mad Monster Party", la primera adaptación de "El Hobbit" de J.R.R. Tolkien y la adaptación de el tercer libro de "El Señor de los Anillos", "El retorno del rey"; "El vuelo de los dragones", "El último unicornio" o "El viento en los sauces".
También trabajaron en series como "The Jackson Five", "The Osmonds", "Thundercats" o "Los Halcones Galácticos".
Tristemente, el estudio de la pareja artística cerró en 1987. Arthur Rankin Jr. murió en 2014, mientras que Jules Bass se dedica desde finales de los ochenta a escribir libros infantiles y juveniles.
"Mad Monster Party" es una absoluta maravilla de la animación que luce, en el año 1967, una técnica de "stop motion" que nada tiene que envidiar a la de películas que le sacan cerca de treinta años como "Pesadilla antes de Navidad".
Unida a su riquísima animación, llena de detalles y de escenarios magníficos, viene una historia delirante que homenajea con cariño a los grandes monstruos del terror de todos los tiempos: en una velada especial a la que el Barón Frankenstein invita a todos sus compañeros para anunciar que se retira de la presidencia del "Consorcio de los Monstruos", estalla una lucha de egos y también de conspiraciones para ver quién se queda con todo el poder en este vacío repentino.
Asuntos como el amor, la marginación del diferente, la condición de freak, la lealtad o la avaricia y la ambición desmedida se dan cita en una obra con diálogos inteligentes y con un toque negro muy divertido y también siniestro que junta en una misma mansión al mencionado Frankenstein y a todas sus creaciones, a Drácula, a la Momia, al Doctor Jekyll y a Mr. Hyde, al Hombre Lobo, a la Criatura del Pantano, al Jorobado de Notre Damme, al Hombre Invisible, a King Kong o a robots y zombies.
"Mad Monster Party" estuvo dirigida solamente por Jules Bass, pero su inseparable compañero Arthur Rankin Jr. estuvo también implicado en el proyecto, uno de los más personales e inolvidables de su estudio conjunto.
Esta película permanece hoy muy, muy olvidada. Sobra decir que es del todo injusto y que merece ser revalorizada sin cesar. No se la pierdan. Es una joyita del cine de animación de todos los tiempos.
Y TU MAMÁ TAMBIÉN de Alfonso Cuarón - 2001 - ("Y tu mamá también")
Alfonso Cuarón, hasta el año 2001, no había dirigido lo se puede llamar plenamente una "obra de autor". Había dado muestras sobradas de ser un excelente director y una promesa indiscutible, pero su primer filme, "Sólo con tu pareja", fue una comedia menor (para mi claramente lo es, aunque sea divertida y aunque fuese uno de los grandes éxitos del cine mexicano de los años noventa) y los otros dos que le siguieron fueron adaptaciones de obras de otros autores: "La princesita" y "Grandes esperanzas".
Con "Y tu mamá también", película que le supone a Cuarón el retorno a realizar una producción en su México natal, entrega su primera obra "puramente personal" y una de las mejores road movies de la década.
Unos excelentes Gael García Bernal, Diego Luna y Maribel Verdú se embarcan en una aventura a través del México profundo en la que, además de los asuntos iniciáticos habituales que se pueden encontrar en esta clase de historias (paso a la madurez, descubrimiento del amor y de la plenitud sexual, fortalecimiento de la amistad, descubrimiento de las injusticias sociales...) Cuarón desgrana otros como el enfrentamiento a la enfermedad y a la cercanía de la muerte y también el de los prejuicios sexuales que crea la "cultura del macho dominante".
Esos dos asuntos son los principales de hecho de "Y tu mamá también", que destila un mensaje anti-homofobia y que ataca frontalmente a la educación sexista y machista que ha hecho no sólo de la mujer un pelele emocional, sino también del hombre.
Los diálogos son excelentes, cargados de ironía, inteligencia y ternura, y los tres personajes están magnificamente construidos.
