PARISIA. UN NEGRO Y LÚCIDO ESTUDIO SOBRE LOS MECANISMOS DEL PODER

PARISIA de Damián Cordones - 2021 - ("Parisia")

Damián Cordones es, pienso, uno de los escritores más personales y destacados del actual panorama en España: un autor con un estilo único y que ha tocado todo tipo de géneros (desde la ciencia ficción post-apocalíptica en "La era del espíritu baldío" a la literatura experimental en "El codo de la torcaz" pasando por el puro drama social en "Descenso al oasis").

"Parisia", su última novela, me parece un absoluto portento y, como escribí en este blog el pasado 31 de diciembre en mi revisión de lo mejor del año, la novela del recién cerrado 2021.

Se inspira Cordones en el libro "Vacío perfecto" del polaco Stanislaw Lem, que elaboró en esta obra de 1971 una colección fascinante de reseñas de obras literarias y científicas que eran... Ficticias. 

Una de estas, llamada "Gruppenführer Louis XVI", versaba sobre un grupo de nazis huidos de Alemania tras la caída de Hitler que montaba en Argentina una sociedad aparte que reconstruía la del monarca francés que versa en el título.

Damián Cordones trasciende el género y el homenaje y elabora una suerte de "remake" o nueva versión, profundamente irónica desde su misma concepción, de esta novela que nunca existió. Y, siendo un escritor español, la ambienta entre España y Portugal y en los tiempos de la transición a la democracia de la primera.

Tenemos un grupo de altos cargos del gobierno de Francisco Franco que están tan indignados como asustados por lo que puede ocurrir con ellos tras la muerte del dictador y la llegada de la mencionada democracia. Temiendo que los persigan, presas de la paranoia, se refugian en una zona apartada de Portugal, el país vecino, en donde montan una piscifactoría que va a mantener a un pequeño reino propio, un micro-país muy particular y loco, inspirado también en el de Louis XVI.

En un estilo irónico e inquietante, lleno de matices y de significados que aparecen de golpe y nos golpean (valga la redundancia), Damián Cordones desarrolla la pesadilla atroz de este régimen minúsculo que se nutre del terror a la aleatoriedad del poder que ejerce el monarca de chiste (de chiste negro, eso sí) que se aposentado en este castillo delirante de tierras portuguesas.

El autor explora las dinámicas y mecánicas del poder, sus azares crueles, sus movimientos sin sentido o con sentidos oscuros, y todo lo que rodea a estos ejercicios: los hechos aleatorios, las amenazas y los castigos, las adhesiones y los fanatismos, los compadreos y los pasotismos que permiten que los sistemas se perpetúen y se perpetúen aún en los climas más absurdos.

"Parisia" es una novela negrísima, cruel, tremenda. También es una comedia (negrísima igualmente). Es violenta, cafre, demencial. Saca sonrisas (y a veces hasta risas) pero también pone los pelos de punta.

El trasunto va más allá de lo que fue el régimen de Franco en España: se puede extrapolar a cualquier dictadura de cualquier tiempo histórico. Es un retrato universal de la monstruosidad de los gobiernos podridos e ilegítimos y también es una novela de dictador que le da la vuelta a su propio género.

El Louis XVI de "Parisia", paranoico y bipolar, aleatorio en sus ejercicios de poder, sanguinario y paternalista, es un Franco y es un Hitler, es un Stalin y es un Kim Jong-un, es un Calígula y un Enrique VIII.

"Parisia" es una novela impresionante, redonda, lúcida y sardónica que disecciona de manera magistral la manera en la que se perpetúan los regímenes totalitarios de la sangre y de la desidia. No dejen de leerla: es una auténtica joya.

EL PLANETA DEL TESORO. UNA OLVIDADA ADAPTACIÓN DEL CLÁSICO DE PIRATAS

EL PLANETA DEL TESORO de John Musker y Ron Clements - 2002 - ("Treasure Planet")

Mientras "Lilo & Stitch" fue uno de los mayores éxitos de la compañía de Walt Disney de todos los tiempos, "El planeta del tesoro", basada en la mítica novela "La isla del tesoro" de Robert L. Stevenson (reseñada en este blog, por cierto) que fue estrenada el mismo año, fue uno de sus mayores fracasos. 

Aún perteneciendo a una época artísticamente titubeante del estudio, este filme creo que fue injustamente ninguneado. Es cierto que tal vez no sea de los mejores de su extensa producción, pero también es cierto, pienso, que a pesar de que sus personajes no sean todo lo profundos y carismáticos que deberían ser, la película es una obra de aventuras de ritmo vertiginoso y llena de lugares comunes del género de los piratas muy bien explotados. 

Y además, la animación es una delicia. Mezcla el filme las tradicionales 2D con las 3D que en aquel momento le estaban comiendo terreno a pasos agigantados a una cada vez menos practicada animación clásica y consigue un cóctel visualmente precioso en el que también se mezcla la ambientación piratesca habitual con elementos de la "space opera" a lo Julio Verne. 

El conjunto es una pequeña joyita de corte "steampunk" con unos escenarios impresionantes y llenos de inventiva y unos personajes espléndidamente animados. 

Al filme, como he dicho, le falla una mayor definición de sus caracteres. El resto, sin embargo, pienso que es más que notable, y "El planeta del tesoro" entretiene, y vaya que sí, con su frenetismo y sus constantes juegos de referencias, con sus escenas de acción llenas de imaginación y con su desprejuiciada visión de un "futuro-retro" que este estudio no ha tratado demasiado. 

En parte, creo que se podría considerar a este filme como una actualización o "redención" si quieren incluso llamarle de la flojita "Atlantis: El imperio perdido", aunque ambas películas se lleven solamente dos años. Se toma la estética de aquella y se mejoran todos sus errores.

LILO & STITCH. UNA TIERNA COMEDIA DIVERTIDÍSIMA EN UNA ETAPA RARA DE DISNEY

LILO & STITCH de Dean DeBlois y Chris Sanders - 2002 - ("Lilo & Stitch")

Con "Dinosaurio" comenzó una nueva etapa de cierta decadencia en las producciones de Walt Disney que, si bien no igualó en desastres comerciales a la de los años ochenta por suerte para ellos (se rodaron más películas esencialmente en estos años y bastantes fueron grandes éxitos), sí que en lo artístico desde aproximadamente el año 2000 hasta el 2010, en el que la calidad plena volvió con "Enredados", la compañía fue dando bandazos, indecisa, entre el seguir con el rollo clásico en el que estaba, el imitar a Pixar o hasta el imitar a Dreamworks. 

Hubo películas que ni fu ni fa (la propia "Dinosaurio", "Atlantis", "Descubriendo a los Robinsons") y otras absolutamente terribles e inexplicables ("Zafarrancho en el rancho" o una aberración como "Chicken Little"), pero también hubo algunas que se desmarcaron para bien de la línea floja global del estudio. 

Una de ellas fue sin ninguna duda "Lilo & Stitch", dirigida por Dean DeBlois y Chris Sanders (que luego trabajaron para la mencionada Dreamworks, y en algunas de sus mejores películas), cinta que a pesar de traer el mensaje de siempre sobre la redención, la superación, la amistad y la familia, era extremadamente divertida, tierna y consecuente.

Argumentalmente, como he dicho, está muy vista, y ni siquiera es de las mejores de Walt Disney. Sin embargo, su aspecto visual es delicioso, su trama es simple pero efectiva y adictiva y sus personajes desprenden carisma por los cuatro costados. 

Tiene además, sin ser tampoco un dechado de inteligencia o ironía (aunque no lo pretende igualmente en ningún momento) un humor divertidísimo que encandila tanto a los adultos como a los más pequeños. 

La animación por otra parte, cálida, heredera de una línea moderna pero clara, completada con maravillas como fondos realizados con acuarela, es genial, como he dicho.

Los personajes de "Lilo & Stitch" finalmente se quedan con el espectador en minutos, en segundos diría: Stitch es inolvidable y se ha convertido por méritos propios en uno de los caracteres principales de Disney (el amplio merchandising sobre el muñequito de marras lo demuestra), pero su amiga Lilo también cautiva y todos los secundarios lo hacen de forma idéntica, amigos y villanos. 

Y la trama, como he dicho, es muy sencilla pero nos mete en el bolsillo con su buen hacer, su luminosidad y su forma de construir sin pasteleo y sin moralinas una historia sobre la capacidad de cambiar que ya nos sabemos todos de memoria pero que nos llega sin problemas. 

"Lilo & Stitch" es una de las grandes creaciones del cánon clásico animado de Walt Disney y un oasis de calidad indiscutible en una época extraña, confusa e incierta para la marca.

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¡Feliz semana! :)

RESEÑA DE MI NOVELA, IMAGEN CORPORATIVA, EN EL CANAL DE DANIEL TURAMBAR

Hoy hago una pausa en el blog para hablar de mi novela "Imagen corporativa". Al youtuber y twittero Daniel Turambar le ha gustado y me ha dejado este vídeo hablando sobre ella, sobre lo que le ha inquietado, sobre las influencias que ha encontrado en sus páginas y sobre su mensaje social.

Un placer y una alegría. Gracias, Daniel.

En su canal, por cierto, tenéis más reseñas. Podéis echarle un vistazo al vídeo y a muchos más AQUÍ, es muy interesante.

Feliz martes :)

THE CLONE WARS DE GENNDY TARTAKOVSKY. UNA JOYITA ANIMADA FUERA DEL CANON

STAR WARS: LAS GUERRAS CLON de Genndy Tartakovsky - De 2003 a 2005 - ("Star Wars: Clone Wars") 

Tal vez no sea la obra idónea para presentar en este blog al animador Genndy Tartakovsky, autor de maravillas como "El laboratorio de Dexter", "Samurai Jack" o "Primal", pero lo cierto es que la he podido disfrutar hace poco tiempo y su "The Clone Wars" me parece una serie excelente en todos los aspectos.

En 2003, George Lucas propuso a este gran creador hacer una serie de animación ambientada entre los episodios II y III de su nueva trilogía precuela galáctica. Fue producida por Cartoon Network Studios y Lucasfilm y tuvo un total de 25 episodios distribuidos en tres temporadas entre aquel 2003 y 2005. Fue además la primera serie animada del universo de "Star Wars" desde aquella mítica de los Ewoks de los años ochenta.

Los mencionados episodios son muy cortos: de entre 3 y 12 minutos. Suelen estar llenos de acción y tener un ritmo frenético, aunque en muchos de ellos también se desarrolla el drama de los personajes. 

El estilo es de corte clásico, de capas muy definidas, poco realista, conscientemente esquemático y de movimientos bruscos: Tartakovsky ha trabajado ya con estos parámetros en otras ocasiones. La narrativa es directa, simple, pero el conflicto de los caracteres está bien trabajado.

"The Clone Wars" de Tartakovsky se puede ver en un montaje unitario, que pone los capítulos seguidos, unidos, y también se puede ver como inicialmente fue ideada: con estos capítulos por separado. Pienso que la opción original es, aunque parezca lo contrario, la mejor para disfrutarla: el montaje con todos los episodios seguidos puede hacerse algo pesado y acabar con la impresión de que estamos, efectivamente, viendo una serie. 

Aclamada por la crítica desde su estreno y ganadora de numerosos premios, esta serie rellena huecos importantes que quedan entre las películas de la trilogía precuela de "Star Wars" de Lucas. No soy muy amante de dicha trilogía: creo que tuvo muchos errores y muchísimos de ellos perfectamente evitables, que estaba llena de incoherencias de bulto y que, al ser precuela, empantanaba para colmo a la trilogía clásica con estupideces como los midiclorianos (entre otras tantísimas).

En esta "The Clone Wars" Anakin tiene un desarrollo convincente que complementa al Anakin de "Episodio II" y "Episodio III", muy plano según mi opinión, y los secundarios que le rodean también gozan de este desarrollo: desde los villanos clásicos que ya habían aparecido o que estaban a punto de aparecer en las cintas hasta otros nuevos que no lo harían como Asajj Ventress, que me parece una villana secundaria de lujo.

Todos tienen un momento de protagonismo, desde ella hasta Obi Wan Kenobi pasando por otros importantes como Mace Windu, que en la referida trilogía no es que tuviese tampoco un gran despliegue de trama.

"The Clone Wars" de 2003 es una serie casi bélica, especialmente en su primera temporada, que es un auténtico festival de acción y delirio guerrero. Dicha temporada parece casi una especie de presentación, de prólogo alargado. 

En las otras dos se desarrolla ya una trama más centrada en un problema clave y más articulada. Y es, como he dicho, Anakin, el gran ganador. De hecho, esta referida trama suya, centrada en el autoconocimiento, el tormento y la superación (pero siempre con un pie en el lado oscuro que definirá al personaje más tarde) me parece una delicia.

Esta serie de Tartakovsky, por desgracia, está fuera del canon de "Star Wars". El que la sacaran es algo que no ha gustado a muchos fans, y lo entiendo. 

Ciertamente, hay muchas cosas en ella que no coinciden con la futura "The Clone Wars" de 2008, la serie en 3D (también excelente, y en los próximos meses la comentaré en el blog, cuando la termine), que vino a ser una suerte de "remake encubierto" de ésta, más larga y desarrollada y con personajes estrella como Ahsoka Tano.

No obstante, creo que se podría haber trabajado desde este misma serie para realizar innovaciones (e incluso buscar "buenas excusas" para resucitar personajes) y no, directamente, desechar un material que es excelente y que se presentó como parte de la historia oficial.

Aún fuera del canon, "The Clone Wars" de Genndy Tartakovsky es una disfrutable joyita que sigue siendo muy querida por quienes siguen la saga de las galaxias de George Lucas. La recomiendo mucho, y además se ve en un suspiro.

BLUE VALENTINE. EL IMPERFECTO PERO INTERESANTE DEBUT DE DEREK CIANFRANCE

BLUE VALENTINE de Derek Cianfrance - 2010 - ("Blue Valentine")

"Blue Valentine", la primera película de Derek Cianfrance, es un buen drama, aunque tiene algunas lagunas. Narra una historia romántica cualquiera, de esas que en este mismo momento están ocurriendo en miles de lugares del mundo. 

Incluye encuentro, reencuentro y problemas diversos con catársis y, también, una trama de sacrificio por amor verdaderamente conmovedora que su director sabe explotar convenientemente. 

Su estilo es pausado, minimalista en muchos momentos, muy realista y asentado en una fantástica fotografía. Los diálogos son directos, escuetos a veces pero justos, y los personajes son presa de pasiones perfectamente reconocibles en un argumento que trata diversos asuntos universales como las dudas en las relaciones de pareja, el fin del amor loco, los traumas del pasado, el fracaso de los sueños de juventud o los problemas de las familias disueltas.

Michelle Williams y Ryan Gosling son el plato fuerte de la película: entregan unas interpretaciones fantásticas y saben poner a sus personajes en situación con unos pocos de gestos. 

En el lado negativo del filme, encontramos por desgracia una trama como he dicho con ciertas lagunas en la que nunca llega a quedar claro el porqué del comportamiento del personaje de Williams, el motivo central de la cinta y su motor. 

Se intuye, evidentemente, pero Cianfrance no articula bien la información que da y la que no da (tan importante como la primera en un drama de este tipo y, sin embargo, demasiado oculta al espectador o demasiado mal economizada). 

Igualmente, eso no hace de "Blue Valentine" un mal filme. Tiene escenas verdaderamente bonitas y cuenta con un desenlace que consigue su propósito. Recomendable debut el este director. 

EL GRAN SALTO. UNA OBRA MAESTRA EN SU DÍA DENOSTADA DE LOS HERMANOS COEN

EL GRAN SALTO de Joel e Ethan Coen - 1994 - ("The Hudsucker Proxy")

Muy injustísimamente denostada en su día, "El gran salto" (horrenda traducción al español, una vez más) es una de las mejores películas de los hermanos Joel e Ethan Coen y una obra maestra que no desmerece de otras grandes anteriores como "Muerte entre las flores" y la inclasificable "Barton Fink" y de otras grandes posteriores. 

Cachondeándose de las clásicas y demasiadas veces azucaradísimas y ñoñas películas moralistas de "ascenso y caída y reascenso de un hombre hecho a sí mismo" que suelen ensalzar el Sueño Americano en marcos como el navideño (el más socorrido por lo fácil que es manipular sentimientos en estas fechas), los Coen narran una suerte de parodia de estas películas que homenajea además a clásicos como "Ciudadano Kane" de Orson Welles o las cintas de Frank Capra. 

En un mundo de estética de dibujos animados donde los rascacielos se estiran como el chicle y las oficinas son orwellianas, un absolutamente maravilloso Tim Robbins (en el que es uno de los más enormes papeles de su carrera) llega a la gran ciudad desde un pueblo de los USA profundos dispuesto a comerse el mundo con un invento que no es otro que el famoso "Hula Hop" y, como es completamente idiota, es vilmente utilizado por unos malvados accionistas de corte "dickensiano" para que dirija como un pelele la empresa que ellos pretenden manipular. 

Y aquí paro: sólo digo que la película es tan delirante como emotiva, tan absolutamente chorra como sin concesiones en sus críticas al capitalismo agresivo y a la falacia del mencionado Sueño Americano.

Porque bajo un envoltorio que puede parecer desenfadado y esperpéntico a secas, "El gran salto" lanza ataques a todos los flancos: al mencionado capitalismo salvaje, a los mercados financieros, al periodismo sensacionalista, al clasismo y al elitismo, a la corrupción, a los adictos al trabajo, al ansia por escalar como sea en la pirámide social y pisoteando a cualquiera que aparezca por medio. 

Pocas películas de los hermanos Coen presentan además un collage de influencias tan variado como ésta, y miren que los Coen aman estos collages: la estética es de cómic y de dibujo animado clásico, los referentes van más allá de los mencionados y tocan a otros clásicos contemporáneos del filme como "Brazil" de Terry Gilliam, hay cómo no un toquecito de cine negro en lo visual y hay escenas de absoluta antología como la presentación del protagonista, el desarrollo de su romance, su absolutamente chorra redención, la aparición del particular "Señor Scrooge" del filme (qué personaje, mamma mía) y, sobre todo, ese inolvidable combate final del bien contra el mal con ese "ángel" y ese "diablo" tan delirantes. 

No se puede olvidar, por supuesto, el papel de los secundarios: porque si Tim Robbins está maravilloso, Jennifer Jason Leigh está completamente brillante y lo mismo se puede decir de Paul Newman. 

"El gran salto" es, sin ninguna duda, una de las obras maestras definitivas de los hermanos Coen: el paso del tiempo la ha puesto en su sitio, desde luego.

THE ABYSS. UNA GENIAL OBRA DE CAMERON QUE HA QUEDADO ALGO DESPLAZADA

THE ABYSS de James Cameron - 1989 - ("The Abyss")

Uno de los mejores filmes de James Cameron es "The Abyss", aunque haya quedado algo ensombrecido por obras suyas tan decisivas como los dos primeros "Terminator" o "Aliens. El regreso".

Cameron, siempre preocupado por la ecología, algo que está presente en todas sus cintas, crea una maravillosa fábula contra el militarismo y las armas nucleares ambientada en las profundidades del océano que mezcla con gran habilidad el suspense, el thriller, el drama y la acción y también un toque de cine de terror. 

Diversos personajes se encuentran en una misión de rescate de un submarino atrapado al borde de un abismo y, durante esta misión, comienzan a ocurrir cosas extrañas. 

James Cameron sabe equilibrar perfectamente todos los géneros mencionados y sabe tratar una trama que salta sin fisuras de la mencionada acción al intimismo e incluso a cierto minimalismo, lo cual no suele ser habitual en producciones comerciales de este género (en su día, por cierto, fue ésta la película más cara de la historia). 

Además, sabe crear y desarrollar a unos personajes geniales, llenos de conflictos y de humanidad, que se enfrentan por concepciones diferentes de su misión y que son perfectamente reconocibles en sus méritos, defectos y miedos. 

Están también maravillosamente interpretados por grandes como Ed Harris y por dos actores que en su momento tuvieron buenos papeles pero que no terminaron desarrollando, por desgracia, carreras duraderas: Mary Elizabeth Mastrantonio y Michael Biehn (ambos aquí muy bien, y el segundo además sorprendente como villano de la función). 

Sobra decir que el aspecto técnico es magnífico, con unos efectos especiales fantásticos (gérmen de lo que serían los inolvidables de "Terminator II. El Juicio Final" pocos años después) y con una ambientación claustrofóbica pero a la vez mágica y evocadora tremendamente bien lograda. "The Abyss" es una de las grandes obras de James Cameron, definitivamente. No se olviden de ella.

LA SOMBRA DEL TESTIGO. UN THRILLER MENOR Y OLVIDADO DEL RIDLEY SCOTT FLOJO

LA SOMBRA DEL TESTIGO de Ridley Scott - 1987 - ("Someone to watch over me")

No sé debido a qué, pero tras la fallida "Legend" Ridley Scott se consolidó, durante un tiempo largo (hasta prácticamente la llegada de las excelentes "American Gangster" y "Red de mentiras"), en la producción mediocre o discretamente artesanal alternada con algún filme algo más destacado como "Thelma & Louise" o "Gladiator" y con auténticos e inexplicables bodriazos como "Tormenta blanca" o "La Teniente O'Neill". 

En esta etapa se encuadra "La sombra del testigo", un thriller aceptable pero nada más protagonizado por unos solventes Tom Berenger y Mimi Rogers y con una intriga que se sigue sin problemas pero que no dice nada ya hoy en día (se nota que la cinta es heredera de su justísimo momento, porque, aun siendo desagradables para quienes los viven, asuntos como el adulterio no suponen en nuestros días el increíble trauma social que aquí se plantea). 

En "La sombra del testigo" todo es correcto y todo es olvidable: los actores están bien pero no se quedan en la memoria, la historia es convencional pero no ridícula, el conflicto de clases que plantea no es el culmen del cine social pero funciona básicamente, la ambientación está bien recreada (con el habitual abuso de humo de la primera etapa de Scott) y todo el conjunto es en general agradable y distraído. Pero... Ya se acabó. 

Nada más hay en "La sombra del testigo", una obrita muy menor (y hoy muy olvidada) de este cineasta que comenzó su carrera de forma fulminante y que inexplicablemente se pasó casi dos décadas navegando algo a la deriva.

CRONOS. EL IMAGINATIVO Y VISUALMENTE BELLO DEBUT DE GUILLERMO DEL TORO

CRONOS de Guillermo del Toro - 1993 - ("Cronos")

Guillermo del Toro ha mantenido hasta ahora, en mi opinión, una carrera irregular. “Cronos”, que dirigió después de rodar algunos capítulos de la serie “La hora marcada”, fue su primera película y fue una historia intimista de vampiros sombría, delicada y poética, un debut apabullante y para muchos uno de sus mejores filmes. 

Coincido con ellos: el pistoletazo de salida de Guillermo del Toro me parece una película magnífica, una de esas pequeñas joyitas del cine fantástico que de vez en cuando surgen en un mar de mediocridad y que demuestran que con un presupuesto bajo pero con  un buen guión se puede realizar un producto excelente.

El director mexicano hacía en su primer largo una relectura novedosa e interesante del mito de los vampiros y, mientras entregaba un drama familiar cargado de esperanza, también reflexionaba sobre el paso del tiempo, la muerte y el concepto de eternidad. 

Todo ello dentro de una trama de intriga que atrapa desde el primer minuto, llevada con ritmo y agilidad, con diálogos destacados y justos y con unos personajes bien desarrollados y atractivos (Federico Luppi y Ron Perlman, dos de los actores habituales del director, aparecen ya aquí y se lucen). 

La ambientación es también genial: preciosa, con el toque justo entre realismo y magia que se introduce de golpe en el mundo cotidiano y lo enrarece, mientras que lo son de la misma manera los efectos especiales, un prodigio de imaginación además que ya dejaba bien patente la adhesión de Del Toro a mostrar en sus obras a los insectos como metáforas variadas. 

"Cronos" me resulta una película que del todo hay que reivindicar y que a veces creo que se ha quedado injustamente algo perdida dentro de la filmografía del autor.

DÉJAME SALIR. UNA EXPERIENCIA DESASOSEGANTE Y OSCURÍSIMA DE DENUNCIA

DÉJAME SALIR de Jordan Peele - 2017 - ("Get out")

El actor, cómico y desde hace poco director Jordan Peele debuta en 2017 en la dirección de largometrajes, valga la redundancia, con una de las películas que más me han inquietado y más mal rollo me han dado de los últimos tiempos: "Déjame salir". 

Críticas muy dispares la han marcado desde su estreno: está quien la adora y quien la odia. A mi me ha encantado, y en este revisionado que he realizado lo confirmo.

Sí, puede que su base "científica" no sea maravillosa (que tampoco lo sé; no soy un ducho en el asunto), pero a mi me ha tenido el filme de nuevo dos horas pegado a la butaca, sufriendo como un cerdo, con los pelos de punta constantemente, y eso es algo que muy pocos, pero muy pocos, son capaces de conseguir hoy en día, que está todo ya muy visto y que innovar es cada vez más difícil. 

No quiero decir mucho de "Déjame salir" por si queda gente por verla todavía. Es más, considero que esta es una de esas obras a las que hay que acercarse sabiendo solamente lo básico de su trama o prácticamente nada de ella. 

Sí tengo que comentar que es una experiencia chunga de cojones, así con todas las letras, y que tiene un ritmo fantástico que nunca decae y, a pesar de contar también con algunas trampas de guión, su desenlace es como rascar una pizarra con las uñas sin cortar. 

Funciona como filme de horror, pero también como denuncia social del racismo y de las teorías supremacistas más demenciales que al parecer perviven todavía en los USA más profundos. 

Los actores por otra parte están fantásticos (en especial el protagonista, Daniel Kaluuya, y la coprotagonista, Allison Williams), y la ambientación enrarecida pero sin efectismos cumple sobradamente. 

Además, a pesar de toda su oscuridad, el filme tiene un espacio para el humor y para las relaciones personales más entrañables. Combinación difícil en esta extraña y efectiva mezcla de géneros. 

La crítica de hoy va a ser corta, pero realmente no quiero decir nada más salvo que vean esta película y que se preparen para un show cuando menos desasosegante. "Déjame salir" es una de las revelaciones más frescas de los últimos años. Lo dicho: no se la pierdan si es que aún no la han disfrutado.

UNA HISTORIA INMORTAL. ORSON WELLES TAMBIÉN RODÓ PELÍCULAS REALMENTE MALAS

UNA HISTORIA INMORTAL de Orson Welles - 1968 - ("Histoire Immortelle")

Orson Welles tenía que estar verdaderamente obsesionado con la ascensión y la caída de grandes personajes y con las "historias dentro de otras historias" y la ficción que toma vida. Su "Ciudadano Kane", su obra maestra, fue repetida con variantes en "Mr. Arkadin" y en ésta "Una historia inmortal". En ambas con poca fortuna: las dos son dos de las películas más flojas de toda su filmografía. 

"Una historia inmortal", rodada tras el nuevo batacazo que el director se metió con la espléndida pero en su día para variar infravalorada "Campanadas a medianoche", es un remiendo del mencionado debut del director pero muy fallido. 

wRodada en España con dinero de Francia (con poco dinero y con problemas de producción una vez más), está espléndidamente economizada esta película para resultar visualmente preciosa. Y fin. 

La trama, que encaja cuentos dentro de otros como muñecas rusas, sigue a otro gran hombre que cayó en la desgracia después de llegar a lo más alto y otras historias que hablan de ambición, soberbia, bien y mal, corrupción, soledad, muerte, sexo, egoísmo y, por supuesto, trascendencia. 

A Orson Welles se le va ya aquí la mano con la pedantería y se pasa tres pueblos con los diálogos barrocos mientras a la vez intenta hacer virguerías argumentales forzadas. 

Por supuesto, él mismo interpreta al carácter principal, otro trasunto de Charles Foster Kane mezclado con los personajes pantagruélicos que ya interpretó en sus adaptaciones de obras de William Shakespeare o en "Sed de mal". Orson y su ombligo. 

Todo ello además acompañado de su habitual expresividad también barroca, con sus giros y ángulos de cámara ampulosos y con su visualidad desbocada, recargada y machacona.

Ese no es de todas maneras el problema de esta película: la visualidad de turno de la película de turno es el gusto de cada director. El problema es que "Una historia inmortal" es grandilocuente, pretenciosa hasta la náusea, cien por cien pedante, y con retorcimientos de guión que tratan de dar gato por liebre y hacer ver al espectador que hay más profundidad de la que parece donde realmente... Pues no la hay. 

Al César lo que es del César: hay directores, grandes directores, que también meten y metieron la pata, y el ego a Orson Welles le jugó muchas malas pasadas (junto con la incomprensión de la industria cinematográfica de su momento, pero ese es otro cantar y esa no fue nunca su culpa). 

Nadie puede negarle el ser uno de los grandes maestros del cine, y uno de los mejores y más incomprendidos. Sin embargo, sus patones los tiene, y "Una historia inmortal", una película aburrida de tanto ensimismamiento en la pedantería que dura una hora escasa y que se hace eterna, es uno de los grandes de toda su creación.