FRAUDE. LA IMPRESIONANTE ÚLTIMA OBRA LARGA DE ORSON WELLES

FRAUDE de Orson Welles - 1973 - ("F for Fake")

La carrera de Orson Welles termina de una forma abrupta y un tanto atípica, con un documental, aunque es lo que corresponde con cierta lógica a una carrera tan cruelmente frustrada, tan injustamente pateada. 

A principios de los años setenta, el director acumulaba en su cartera una buena serie de ambiciosos proyectos inacabados. Entre ellos, su versión de "Don Quijote" que montaría de forma polémica Jesús Franco en 1992, y según leo una película llamada "Al otro lado del viento" y otra llamada "The Deep", de las que se sabe bien poco. 

Cada vez más viejo y cansado y cada vez con menos apoyos económicos, Welles fue dejando lentamente de trabajar y se dedicó sobre todo a realizar cameos en películas, series o programas de radio o televisión (porque a pesar de todo era, como Alfred Hitchcock, un personaje público que llamaba la atención y cuya presencia era apreciada) hasta el día de su muerte por infarto el 10 de octubre de 1985. 

Nos dejó una filmografía impresionante y revolucionaria y, como he dicho, hasta su último filme, este documental llamado "Fraude" en España (de nombre real "F for Fake") fue importante en la historia del cine. 

Totalmente atípico, y más en 1973, el filme, como otros de Welles, es un estudio a fondo sobre la relación existente entra la verdad y la mentira, entre el mito y la realidad. Es un asunto que ya desde "Ciudadano Kane" estaba presente en la filmografía de este autor, y que aquí está amplificado de una forma apasionante. 

Combinando fragmentos reales y fragmentos de ficción, "Fraude" es un viaje a través de la falsificación en el mundo del arte que se extiende a todos los campos de la vida, desde las obras de toda clase de disciplinas hasta las leyendas urbanas pasando por las biografías. En este viaje se reflexiona sobre el valor de lo real en contraposición con el de la ficción y cómo ambos pueden explicar el mundo en el que vivimos. 

Orson Welles es quien lo narra todo como si de un prestidigitador se tratase. Orson Welles y su ombligo, ya saben: era un ególatra como hubo pocos, pero también era un artista como hubo pocos. Y hay invitados de lujo como Pablo Picasso o la actriz Oja Kodar.

El estilo visual y narrativo del filme es rico y muy riguroso, pero también lleno de fascinación, como sólo Orson Welles sabe imprimirla y como debería ser el estilo de todo buen documental, y las conclusiones, tal como las expone el director, son apasionantes y nos hacen reflexionar sin cesar sobre lo que captamos de la existencia, la punta del iceberg de una intrahistoria de la vida y de los objetos y los conceptos casi inabarcable. 

"Fraude", que sedujo a realizadores de vanguardia como Jean-Luc Godard, es, a pesar de ser menos conocida que otras obras de su autor, otra más, otra, de las más influyentes. Con ella, termina la triste carrera de un grande del cine que pudo darnos mucho más si no hubiese sido tan incomprendido en su tiempo y si hubiese tenido más apoyos de los que tuvo. Otro más para la historia de la desgracia cinematográfica que descansará para siempre en el podio de Georges Méliès, David W. Griffith, Erich von Stroheim, Jean Vigo o Jacques Tati

JUNJI ITO: RELATOS JAPONESES DE LO MACABRO. GRAN ANTOLOGÍA DE TERROR

JUNJI ITO: RELATOS JAPONESES DE LO MACABRO de Shinobu Tagashira - 2023 - ("Junji Ito Maniac: Japanese Tales of the Macabre")

No sabía que en 2018 ya hubo otra serie que adaptó relatos de Junji Ito (y que alguien me corrija si hay alguna más, porque las adaptaciones al medio audiovisual de este autor son montones) llamada "Junji Ito: Collection". 

Hoy de la que hablo es de "Junji Ito: Relatos japoneses de lo macabro", que es del mismo director que aquella (Shinobu Tagashira) y que lleva a la pantalla en capítulos de dos o de uno una colección de cuentos de terror de este maestro del manga de este género.

¿Cómo valoramos esta serie? Pues creo que en general es una serie de notable alto, aunque lo cierto es que alterna episodios fantásticos con otros flojos y con alguno que es directamente malo. No obstante, creo que el conjunto es como he dicho notable y que hay en su colección de historias muchas joyas.

El terror de Junji Ito se basa principalmente en tomar un concepto (o unos conceptos cotidianos) y en retorcerlos hasta límites insospechados (pero de verdad) para crear una auténtica pesadilla que se mete de golpe en la mencionada cotidianeidad. En esta etiqueta tenéis comentados varios mangas de su autoría como "Uzumaki" o "Gyo".

El único pero que le pongo a esta producción es su animación. No es mala, pero creo que podría haber sido mejor y que a veces luce acartonada, poco fluida, con efectos cantosos, como si fuese de los años 2000. No obstante, también sabe captar toda la ambientación trémula, oscura, malsana e inquietante de los cómics del autor.

 "Junji Ito: Relatos japoneses de lo macabro" se abre con "Los escalofriantes hermanos Hikizuri". Para empezar, la verdad, me parece una historia floja: es una comedia negra bastante indefinida con un final que no dice nada.

La cosa por suerte no tarda en levantarse con "El extraño cuento del túnel", un corto estremecedor que da bastante mal rollo y que tiene elementos pulp muy efectivos. Su desenlace me parece demasiado abierto, eso sí, pero no lo lastra.

"El autobús de los helados" es la siguiente historia, y ésta sí es puro y auténtico Junji Ito: terror surrealista con un concepto cotidiano retorcido hasta lo enfermizo. Magnífica, delirante y absolutamente demencial.

"Los globos de la horca", el cuarto cuento, es uno de los mejores de todos: una auténtica pesadilla de pura angustia, terrorífica, monstruosa, desesperanzada y absolutamente original como sólo puede serlo con su autor. Demoledora.

Le sigue "La habitación de las paredes cuádruples", delirante y surrealista aunque con un final cortado de golpe. Esta historia pertenece a la colección de "Las caprichosas maldiciones de Soichi", una de las obras largas del autor, y aquí, descontextualizada, la verdad es que pierde fuerza.

"La guardia del demonio del sueño" es brillante. Simplemente brillante. El mejor Junji Ito viene en esta ocasión con una alegoría del vacío, de la soledad y de los sueños que pone los pelos de punta.

La siguiente vuelve a ser magnífica: "El intruso" es una inquietante historia de psicópatas y de dimensiones paralelas con una ambientación que da de nuevo un mal rollo que pone de los nervios.

En "La melena larga del ático" tenemos una historia de esas de "fantasma peludo" que tanto gustan a los japoneses amantes o cultivadores del terror. Puro "The Ring" y bastante notable, aunque lo cierto es que pierde un poco al tenerla ya todos tan vista.

"Moho" es agobiante, asquerosa, escatológica, y aunque su final falla porque se corta de golpe, el efecto vomitivo que quiere transmitir lo logra sin ningún problema. Notable salvo por, como he señalado, su final.

El siguiente cuento es una fábula gótica romántica y a la vez muy borgiana. "Espejismos de biblioteca" es pasional, obsesiva, evocadora, decimonónica incluso (a lo europeo) y con una trama muy afectada. Algo diferente del resto de los segmentos y por ello un soplo de variedad.

"La ciudad de las tumbas" es otro de los mejores capítulos: es un fascinante drama sobre la culpa en un ambiente tenebroso (que no recurre aquí a la oscuridad artificial) y que se erige como uno de los pilares de la colección. Terror del bueno no: del mejor.

El que le sigue, "Las capas del terror", es directamente una puta locura sádica y enfermiza. Duele de verdad, y es original, rabiosamente original. De los mejores de la serie también, aunque recomiendo que se agarren el estómago antes de verlo.

Muy flojo es sin embargo "La cosa que naufragó en la costa". Tiene un concepto muy interesante, muy del estilo de H.P. Lovecraft, pero su desenlace es un "bluf" total y absoluto que se corta de un tajo y que no va a ninguna parte.

"Las fotos de Tomie" es otra historia descontextualizada que pertenece a "Tomie", otra de las obras largas del autor. Tiene poco sentido desgajada de su serie general pero su final es ciertamente brutal e impactante.

También es irregular "Un laberinto insoportable". Tiene un concepto original y malrollero y alguna escena que da miedo de verdad, pero su desenlace aquí directamente es un timo: ni siquiera existe. Bastante decepcionante.

Vuelve a levantarse el nivel con "La abusona", un cuento cruel sobre el maltrato totalmente estremecedor y políticamente incorrectísimo que sugiere filias de sufrimiento y que es duro, muy, muy duro. No deja en absoluto indiferente.

"El callejón" es también de los mejores cuentos de la serie. Su concepto da miedo, su desarrollo es coherente y, aunque se olvida de un personaje (mal planificado) tiene momentos de pura pesadilla y un cierre magnífico.

"Las estatuas sin cabeza" es puro slasher. Sencilla pero impactante, rápida, sangrienta, directa. Muy buena también y algo diferente a sus compañeras de colección.

La penúltima historia tiene un aura de terror clásico: "La mujer que susurra" presenta una trama tópica, que puede que hayamos visto ya muchas veces antes, pero que es muy, muy efectiva. Buena.

Y termina todo con "La adorable mascota de Soichi", otra historia descontextualizada de "Las caprichosas maldiciones de Soichi" con un personaje que hemos visto ya y que es, como aquella "La habitación de las paredes cuádruples", casi una comedia surrealista y loca. Me parece floja para ser la que echa el cierre al conjunto.

"Junji Ito: Relatos japoneses de lo macabro" me parece una serie magnífica con una batería de cuentos en general como he dicho notable y que, pienso, gustará tanto a fans del maestro del manga de terror como a quienes se quieran iniciar a su loquísimo mundo. Muy recomendable.

BEAU TIENE MIEDO. UNA PRIMERA HORA GENIAL; DOS HORAS SIGUIENTES DESASTROSAS

BEAU TIENE MIEDO de Ari Aster - 2023 - ("Beau is afraid")

De Ari Aster me encantó "Hereditary" y no me gustó nada "Midsommar". En esta misma etiqueta las tenéis ambas comentadas. Y bueno, su última película, "Beau tiene miedo", tampoco me ha gustado, y voy a dar ahora mis razones.

Que Aster es un director con personalidad y con un potente sentido de lo visual no lo negaré nunca, por lo menos por ahora. Que "Beau tiene miedo" es muy ambiciosa y está llena de buenas ideas tampoco. Pero sólo rescato su primera hora, excelente. Las otras dos además de fallidas y decepcionantes se me han hecho verdaderamente insoportables.

Esta nueva película del director es críptica, metafórica, simbólica, aunque tiene una trama que deja ver sus intenciones: no estamos ante algo tan abigarrado y tan oscuro que no nos vayamos a enterar de nada. "Beau tiene miedo" es una obra sobre la relación complicada de un hijo y su madre a grandes rasgos.

A partir de esta premisa Aster explora asuntos como la familia, el amor, la ansiedad, la depresión, el sexo, el peso del pasado, los traumas de la infancia, la frustración vital, las vidas que no fueron nunca. Muchas cosas, todas interesantes. Pero muy mal desarrolladas en tantísimo metraje (desperdiciado).

La primera hora del filme he dicho que es excelente. Es más: es hasta maravillosa. Una absoluta pesadilla cotidiana llena de lecturas que puede ser la pesadilla, valga la la redundancia, de la salud mental más deteriorada de la persona más perdida del mundo moderno. Tiene momentos que ponen de verdad los pelos de punta y, sobre todo, Joaquin Phoenix está como siempre inmenso y su papel "duele" de verdad.

A partir de aquí, todo va cuesta abajo. Las dos horas siguientes, si bien se vislumbran sus intenciones y sus mensajes, son un batiburrillo de escenas de interés diverso, de ritmo irregular, de alegorías a veces efectivas y a veces no y, sobre todo, de aburrimiento. De puro aburrimiento.

"Beau tiene miedo" se cuenta perfectamente en dos horas. O en menos. El interés cae en picado en cuando todo se le desmadra a Ari Aster y muy pronto tras el primer tercio del filme estamos completamente perdidos en un encadenamiento de hechos poco o mal relacionados, acumulados, amontonados, con los problemas antes expuestos (ritmo irregular, alegorías irregulares...).

Son dos horas interminables que, además, tienen detrás una hora previa. Y por muy buena que sea ésta no levanta el resto. Intuyo qué me quiere decir Aster con "Beau tiene miedo" y aprecio sus imágenes llenas de personalidad y potencia, pero tres horas de amontonar cosas de mala manera se hacen eternas y no tienen sentido. Lo siento, pero no me ha convencido absolutamente nada esta nueva cinta suya.

EDÉN DE HIROKI ENDO ESTÁ DE VUELTA EN UNA FANTÁSTICA EDICIÓN

EDÉN de Hiroki Endo - De 1997 a 2008 - ("Eden ittsu An Endoresu wārudo")

El año pasado releí los seis tomitos pequeños que se publicaron a principios de los años 2000 en España de "Edén", de Hiroki Endo. La serie quedó inconclusa en su momento y hablé en este blog de lo que prometían estos seis tomos cortos (que era mucho, y me consta que el manga se ha convertido en un clásico) y pensaba que ojalá reeditasen todo el material en una edición buena hoy.

Bueno, mi sueño su cumplió hace poco. Está ya el primer tomo disponible de la mano de Panini. Los adquiriré todos, por supuesto, y cuando esté terminada la leeré y la comentaré por aquí.

Qué maravilla tener este cómic de vuelta. :) 

CASA CAPITULAR DE DUNE. LA ÚLTIMA Y DESASTROSA ENTREGA DE UNA SAGA AGOTADA

CASA CAPITULAR DE DUNE de Frank Herbert - 1985 - ("Chapter House Dune")

La última novela de la saga de "Dune" que escribió Frank Herbert fue "Casa Capitular de Dune", que se publicó en 1985. El 11 de febrero del año siguiente, según leo, falleció él a los 65.

Su hijo Brian Patrick Herbert continuó no obstante con su legado y siguió escribiendo, junto al escritor Kevin J. Anderson, novelas en las que el universo de la saga estrella de su padre se fue expandiendo y expandiendo. No he escuchado ni leído cosas buenas de esta parte de la saga: tampoco voy a opinar sobre ella sin conocerla.

Sí que voy a decir que me planto ya tras "Casa Capitular de Dune", que me ha parecido realmente terrible y que me ha dejado sin ganas de seguir con esta epopeya, y menos ya cuando su autor original no escribe el material que viene a partir de aquí.

"Casa Capitular de Dune" es un desastre. Lo era "Herejes de Dune", pero esta entrega es todavía peor. Todo venía cayendo desde "Hijos de Dune", y a pesar de que "Dios Emperador de Dune" tenía ideas y cositas novedosas e interesantes, no fue capaz de levantar el vuelo de una saga que se había tornado repetitiva en temas, en personajes, en escenarios y hasta en diálogos.

La sexta novela de Herbert no era la última: de hecho, era casi una novela de transición. Llegaron después "Cazadores de Dune" y "Gusanos de Arena de Dune", ya escritos por su hijo Brian y por Kevin J. Anderson, aunque basados en anotaciones y material suyo.

"Casa Capitular de Dune" narra cómo las Bene Gesserit se reagrupan en su planeta (que por fin se muestra y se desarrolla) ante la amenaza exterminadora de las Honoradas Matres, el peor peligro al que se ha enfrentado nunca la galaxia conocida.

La madre Odrade, la madre Murbella, Sheeana, el eterno y cansino Dundan Idaho (que ha llegado a ser al final prácticamente el personaje protagonista de la serie) o Miles Teg en un nuevo cuerpo vuelven para hacer frente a las malvadas hermanas que llegaron de la dispersión.

Todo se repite: otra vez la necesidad o no de abandonar la comodidad o no de la humanidad para expandirse, otra vez el libre albedrío, otra vez la eugenesia, otra vez el culto a los mesías, otra vez la ecología (ahora en la metáfora de la propia Casa Capitular, que va a ser transformada en el nuevo Arrakis por las Bene Gesserit). Todo interesante, pero todo... Repetido. Todas estas cuestiones las hemos visto ya tratadas en las anteriores entregas de la saga con más o menos variantes (y son ya muchas entregas).

Por otra parte, los personajes no evolucionan. La mayoría quedan estancados y sólo algunos dan algún paso diferente en el desenlace. La mayoría de ellos no aportan nada además. Y son bastantes. 

Tampoco la trama lo hace: más de quinientas páginas de vaivenes entre los mencionados personajes, de diálogos interminables (y pedantes y pretenciosos, marca de la casa, pero ya retorcidos de mala manera, como en los últimos libros), de escenas cotidianas excesivas, de "deja vu" uno tras otro.

No pasa nada en "Casa Capitular de Dune". Que no se me malinterprete: ese "no pasa nada" no es una exigencia de acción, o de más hechos. No. Es un simple y directo "no pasa nada". Eso sí, de repente, en las últimas cien páginas, todo se precipita de golpe y llegan unas batallas despachadas deprisa y corriendo y un desenlace expuesto de golpe y adiós, hasta la siguiente novela.

Tampoco se desarrolla demasiado el universo de "Dune", ya fuera de Arrakis. Del mundo de las Honoradas Madres apenas se dejan apuntes, y eso teniendo en cuenta que ya fueron presentadas en "Herejes de Dune" es bastante imperdonable.

Como he dicho, no seguiré con "Cazadores de Dune" y con "Gusanos de Arena de Dune", las dos siguientes novelas de la saga. Aunque la deje sin terminar (por otra parte, eso de "terminar" es muy relativo cuando hay todavía muchos más libros detrás de estos dos, que tampoco fueron los últimos). La vida es corta y hay muchas cosas nuevas por leer. Veo lógico y justo quedarse con las dos trilogías que dejó Frank Herbert de su propia pluma. Y a otra cosa.

LA CABAÑA EN EL BOSQUE. UNA PELÍCULA DE TERROR QUE NO DEJA INDIFERENTE

LA CABAÑA EN EL BOSQUE de Drew Goddard - 2011 - ("Cabin in the Woods")

Para muchos es una de las sensaciones del cine de terror de los últimos años, para otros está sobrevalorada y para otros es una chorrada. El caso es que "La cabaña en el bosque", el debut el largometraje de Drew Goddard, indiferente, lo que es dejar indiferente, no deja, y para bien o para mal casi desde su estreno le pusieron en las redes la etiqueta de "película de culto".

Estoy bastante atado de manos a la hora de hacer esta crítica, porque a esta película es preciso enfrentarse sabiendo lo mínimo de su argumento. Sólo voy a decir que la experiencia que ofrece es, dentro de un género muy dificil y absolutamente manido, que cada vez ofrece menos sorpresas y que cada año entrega montones de bodrios palomiteros "de usar y tirar" en el peor de los sentidos, una experiencia que tiene bastantes puntos notablemente novedosos. 

"La cabaña en el bosque", bajo el aspecto de un clásico filme de "jóvenes que se van al campo a morir uno a uno a manos de una amenaza extraña", ofrece una vuelta de tuerca a los convencionalismos y a los tópicos de su estilo muy original y, sobre todo, muy divertida. 

Oscilando continuamente entre lo serio, lo paródico, lo sentido y lo canalla, la película engancha al espectador con una visión única (y cachondísima) de la mitología del cine de terror de todos los tiempos.

Drew Goddard lleva además la trama con agilidad y ritmo en todo momento, equilibrando sus diversos elementos para no dejar fisuras entre el puro terror y la comedia negra; los actores están bastante bien en sus limitados pero justos papeles, la ambientación cumple de sobra y los efectos especiales son muy buenos e imaginativos. 

Escenas como su desenlace (unos lo odian y otros lo aman, sin términos medios; a mi me parece divertidísimo en toda su falta de prejuicios) o como la bajada a en el ascensor (que pasará a la historia del cine de terror, estoy seguro) hacen de "La cabaña en el bosque" además una propuesta indiscutiblemente fresca que, por lo menos, merece una oportunidad, tanto para los que son fans de su género como para los que no.

EL TORREÓN. LA ÚNICA PELÍCULA VERDADERAMENTE MALA DE MICHAEL MANN

EL TORREÓN de Michael Mann - 1983 - ("The Keep")

"El torreón", segunda película de Michael Mann tras la genial "Ladrón", es una de esas extrañas excepciones que, dentro de una filmografía de gran calidad (y la de Mann lo es de sobra), despunta como un inexplicable y gigantesco bodrio. 

Película de serie B realizada con pocos medios, fue al parecer, según he leído, cortada de manera inmisericorde por el estudio que la produjo hasta dejar las tres horas de metraje original en apenas una hora y media corta. 

La cosa es que el reparto de la película es más que excelente, aunque esté desaprovechado (posiblemente, debido a los mencionados cortes realizados): Scott Glenn, Gabriel Byrne, Ian McKellen y Jürgen Prochnow comparten cartelera en la cinta. 

Sin embargo, sea como fuere, "El torreón" es una producción absolutamente terrible. La cosa va de un grupo de soldados nazis que durante la Segunda Guerra Mundial llegan a un pequeño pueblo de Rumanía a liarla parda y son atacados por algo sobrenatural que mora en un torreón abandonado que existe en el pueblo y que lleva allí desde tiempos ancestrales.

El argumento es tópico y predecible, pero podría haber sido por lo menos resultón si no fuese por su incoherencia (personajes que van y vienen como Pedro por su casa, acciones y reacciones de estos personajes sin demasiadas explicaciones, trama precipitada y llena de lagunas y escenas gratuitas...), por sus terribles diálogos y por su total falta de ritmo (se nota, desde luego, que alguien se puso a recortar en la sala de montaje a lo bestia y sin ningún criterio). 

Para colmo, y aunque el pueblo en el que la acción se sitúa tiene un cierto encanto de serie B y un aura graciosa emparentada con la de los filmes de la Hammer (a pesar de su extremada cutrez), los efectos especiales son bastante malos, el ente sobrenatural de turno que mata a los soldados nazis es un tipo pésimamente disfrazado y la banda sonora está completamente fuera de lugar (madre mía, sintetizadores típicos de los ochenta en... La Segunda Guerra Mundial... ¿Nadie se daba cuenta de que no pegaba ni con cola aunque en aquel momento esta fuese la moda sonora?). "El torreón" es prácticamente la única película mala que Michael Mann ha dirigido, y ahí ha quedado olvidada.

MADRE! UNA DE LAS PEORES OBRAS DE DARREN ARONOFSKY EN MI OPINIÓN

MADRE! de Darren Aronofsky - 2017 - ("mother!")

Dos de mis películas preferidas de toda la historia son "Réquiem por un sueño" y "El luchador". Quiero dejarlo claro antes de ponerme a destrozar a "madre!", la penúltima obra de Darren Aronofsky, una película que ha gustado a mucha gente y que a mi, la verdad, no me ha gustado absolutamente nada. 

El director cambia de género constantemente y ninguna de sus cintas se parece a las demás. Es algo que valoro. Es valiente y, habitualmente, suele entregar buenas creaciones. Sin embargo, a mí esta me parece del todo infumable. Creo que es mejor saber lo mínimo de ella para afrontarla, porque parte de su encanto reside en esto, así que me voy a explayar poco. 

Sí voy a decir que tiene puntos buenos, como una ambientación agobiante que termina poniendo de los nervios (que es lo que busca) y buenas actuaciones, pero para mi todo acaba aquí. La obra es totalmente simbólica, y al parecer tiene resonancias bíblicas (que más o menos quedan claras), pero a mí cuando la simbología es la protagonista total de todo y es tan abigarrada que no engancha nada, me parece una simbología fallida (y no estamos en una dictadura que nos obligue a autocensurar las cosas de esta manera para poder sacarlas adelante). 

"madre!" es una sucesión de acontecimientos crípticos y oscuros que logra enganchar en un inicio, pero que no llegan a ninguna parte, lo cual se entiende e intuye claramente a mitad del filme, que a causa de ello deja de interesar y aburre mortalmente. 

No hay ritmo tampoco, aunque las transiciones hacia el caos estén muy bien rodadas. Y el desenlace, que no voy a revelar, claro, me parece un despropósito y un timo de los más grandes que he visto últimamente en una historia de cualquier tipo.

Todo eso aparte de la misoginia que desprende el filme, que tiene uno de los retratos femeninos más sumisos e indignantes que he visto en mucho tiempo. ¿Que se puede interpretar como una crítica? Seguramente también. Pero a mí no me ha cuadrado nada tal y como está expuesto y desarrollado, la verdad. 

Y todo eso aparte también de, pero esto ya es muy personal, lo anticuadas que veo las referencias a un libro como La Biblia, totalmente superado, como todos los que explican el mundo a través de la religión y la mitología, como para resultar un creador de interpretaciones atractivas de nuestra vida en... 2017.

Sinceramente, los temas religiosos o los filtros religiosos a mi me parecen de una ranciedad aburrida y cutre a estas alturas de la historia de la humanidad. Es mi opinión, pero una crítica es eso: una opinión. Lo siento, pero aquí, para mí, un director que normalmente adoro ha metido la pata hasta el fondo.

LOS DIOSES. UN RELATO MÍO SOBRE RADIOS FANTASMAS

LOS DIOSES. UN RELATO MÍO SOBRE RADIOS FANTASMAS

Había olvidado que, casi a la vez que "Las cenizas de la huelga", del que hablé ayer aquí, publiqué otro relato especial para el proyecto literario RAVISSANT[E] que se presentó en la Santa Librada de Madrid de diciembre del año pasado. Lo anuncié en Twitter e Instagram en su día y se me olvidó ponerlo en el blog.

El tema: radios fantasmas. Y aquí estaba, entre otros, recopilado mi cuento "Los dioses". Actualmente no se puede encontrar, pero pediré permiso para colgarlo en estas páginas :)

LAS CENIZAS DE LA HUELGA, MI ÚLTIMO RELATO DE TERROR, PUBLICADO

LAS CENIZAS DE LA HUELGA, MI ÚLTIMO RELATO PUBLICADO 

No lo había comentado por aquí, aunque sí por Twitter o por Instagram: mi último relato fue "Las cenizas de la huelga" y fue, valga la redundancia, publicado en el Patreon de la editorial El Transbordador.

Esto pasó hace varios meses y llego algo tarde al blog (a veces, con las mencionadas Twitter o Instagram se me olvida que aquí también hablo de mis escritos).

Feliz lunes y feliz inicio de semana. :)

MODULORAMA. MORIES Y JOTA-PÉREZ TE VOLARÁN LA CABEZA CON ESTA NOVELA

MODULORAMA de Nieves Mories y Francisco Jota-Pérez - 2022 - ("Modulorama")

Mi primer contacto literario con Francisco Jota-Pérez fue con "Homo Tenuis", un magnífico ensayo experimental sobre el mito del Slenderman y la hiperstición (teoría en la que es uno de los principales expertos de España) que está comentado en este blog, en esta misma etiqueta.

A Nieves Mories la sigo desde hace tiempo en las redes sociales y éste es el primer libro que leo de ella  (anticipo ya que voy a leer más, eso está clarísimo). Presento a ambos autores porque "Modulorama", la novela que hoy comento, está escrita a dos manos por ellos mismos.

Empiezo diciendo que estamos ante una novela que no se parece a nada de lo que habéis leído hasta ahora. Es experimental, fieramente experimental. No es una novela fácil, pero da alegrías si te adentras en sus páginas. Y forma parte de esa literatura que se aleja de las propuestas habituales y que camina por senderos arriesgados en todos los aspectos que tanto necesitamos tantas veces. Agradezco que exista esta literatura y que haya autores que la cultiven hoy.

"Modulorama" es una enorme capa artística, una cebolla gigantesca. De estilos, de materiales, de lecturas y hasta de escritores. Mezcla todo: desde la narrativa clásica hasta la poesía pasando por experimentos que recuerdan a caligramas. Su trama es de terror, o por lo menos así la he visto yo, pero también contiene drama, pinceladas negras y hasta algo de comedia cruel y brutal.

Su protagonista, Luca, es un músico que llega a Reparación, un pueblo de huele a desierto y a salina (muy bien recreado este olor y este ambiente en los primeros capítulos ya) donde sus habitantes guardan oscuros secretos. Reparación ya nos da una pista en su nombre: yo creo que es un lugar tanto físico como espiritual o emocional. Porque el artefacto (así lo han llamado también a este libro, y desde el mejor de los sentidos) de Mories y Jota-Pérez también se mueve entre varias realidades. O eso pienso yo.

"Modulorama" es como una película de David Lynch o de Luis Buñuel: cada cual puede extraer de ella una explicación o significación diferente. Eso es lo que busca en parte, intuyo. 

Las metáforas que emplean la autora y el autor de la novela contribuyen a esto: son metáforas táctiles, que puedes sentir, que tienen relieve y que articulan con solidez todas las capas que dividen. Todo ello además de recrear la mencionaba ambientación de Reparación, decadente, malrollera, asfixiante. 

También la trama parece dislocarse de repente, parece ordenarse y desordenarse varias veces. Los incisos poéticos nos ponen este hecho todavía más de frente, como en una obra de teatro clásico de la Antigua Grecia.

Los personajes, extravagantes y oscuros, suelen compartir el hecho de estar destrozados por dentro. El protagonista, Luca (aunque tal vez debamos hablar mejor de protagonista colectivo) podemos ser cualquiera, y Mories y Jota-Pérez consiguen muy bien que puedas sentir esa identificación con él, como si fueses tú quien está visitando Reparación. 

Creo que "Modulorama" habla esencialmente de nuestros lados más oscuros, de lo luminoso también, y de diversas relaciones personales de todo tipo en un ambiente claustrofóbico y a la vez agorafóbico que es una metáfora emocional. Digo "creo" porque posiblemente otra persona interprete otra cosa. Pienso que eso es lo que buscan sus autores: ya lo he comentado.

La novela conjunta de Nieves Mories y Francisco Jota-Pérez no te va a dejar indiferente. Te va a volar la cabeza en muchos sentidos (buenos) y te pedirá tal vez una nueva lectura en unos años. Como te piden otros visionados "Cabeza borradora" o "Simón del desierto". Y posiblemente tus perspectivas cambien en el futuro porque estamos ante obras poliédricas.

"Modulorama" es puro riesgo, es literatura sacada de las sinceras inquietudes de tomar un camino diferente, de explorar senderos poco o nada transitados. Y bienvenida sea, por favor, toda la literatura que sea capaz de ponernos contra las cuerdas. Leeré más de ambos autores, desde luego.

ABSENTIA. UNA PELÍCULA DE TERROR PRIMERIZA DE MIKE FLANAGAN MUY MALA

ABSENTIA de Mike Flanagan - 2011 - ("Absentia")

Antes de haber destacado como el gran director de terror que es hoy, Mike Flanagan dirigió, en los años 2000, tres películas que no he encontrado por ninguna parte: "Makebelieve", "Still Life" y "Ghosts of Hamilton Street".

Sí que he podido ver la cuarta: se llama "Absentia", es de 2011, y es infumable. Nadie es perfecto y todo creador empieza muchas veces con obras que no cumplen, y si hay que decirlo, se dice. Es cierto que estamos ante una película hecha con poquísimos medios. Muy pocos. Pero porque algo esté hecho con pocos medios y con ilusión y mucho esfuerzo no tiene que ser necesariamente bueno. 

"Absentia" abarca mucho pero no agarra nada. Quiere ser una película de terror con monstruo pero no había dinero para hacer ese monstruo. Hay muchos planos cortados de forma bastante cutre y un túnel que da un cierto mal rollo pero que no está explotado. 

El principal problema del filme no es el poco o muy poco dinero: el principal problema del filme es el poco o muy poco guión. Si quieres rodar una historia de terror y no tienes ni un duro, tienes que sugerir. Es lo que hay. Tienes que explotar el terror por medio de lo que no se ve. Y Flanagan entonces no sabía hacer esto y sus actores tampoco saben aquí transmitir inquietud ninguna.

La historia de "Absentia" no da miedo, ni produce interés (el conflicto básico nos lo sabemos de memoria), ni tiene personajes interesantes (es más, hasta resultan antipáticos), ni tiene puntos de guión con intriga y para colmo es típica y tópica (no deja de ser otro refrito más de lo que hemos visto tantas veces en otras películas de su género). 

Dura 90 minutos y se hace eterna, verdaderamente eterna. No pasa nada. Los sustos son amagos, la trama va dando bandazos (y encima está mal hilvanada porque tiene bastantes incoherencias) y el final es otro lugar común con patas y que encima no deja nada explicado ni por asomo. Por suerte, a partir de aquí Mike Flanagan empezaría poco a despuntar hasta convertirse en una promesa del terror que cumplió de sobra con dicha promesa.